Michael (2026)

Género: Biográfica / Musical
Dirección: Antoine Fuqua
Protagonistas: Jaafar Jackson, Colman Domingo, Nia Long, Mike Myers
Duración: 120 minutos
Año: 2026

"Equipo que gana no se toca" - decimos en el fútbol. Por lo mismo y considerando la avalancha de biopics musicales nostálgicos que hemos presenciado durante la última década (Elton John, Robbie Williams, Elvis, etc) era bastante esperable que la productora tras Michael apostase a la segura y realizase algo muy en la línea de lo que fue la Bohemian Rhapsody (2018),  enfocada en la historia de Freddie Mercury. Esto dado su éxito comercial. Y bueno, dicho y hecho. Lo que nos han entregado acá es una película biográfica que repite en forma y fondo los aciertos y errores de la mencionada, un filme pensado para las grandes masas que brilla tanto en aspectos técnicos como interpretaciones pero flaquea groseramente en su guion. Una película que no ayuda en absoluto a comprender la complejidad de la personalidad de Michael Jackson si no más bien nos vende al personaje en versión light. Insisto, lo mismo que hicieron con Freddie Mercury.

Me explico. Michael es ante todo una película entretenida (no la tenían complicada ahí en todo caso, con la cantidad de material sabroso que gira en torno al personaje), con una imitación impecable por parte de Jaafar Jackson (con mención especial para Juliano Krue Valdi que saca muy bien al Michael pequeño), coreografías, bailes y recreación impecable de momentos históricos, sin embargo, a la hora de entrar al fondo de la historia todo se cae a pedazos. Hay muy poca profundización respecto a los aspectos "problemáticos" de Michael Jackson (sus constantes operaciones, vanidad, los traumas de pobreza o los excesos) y una caricaturización grosera de sus aspectos bondadosos (te lo pintan casi como un santo), de igual forma el trabajo con los personajes secundarios roza el ridículo, con malos "muy malos" (principalmente el papá de Michael, encarnado por un sólido Colman Domingo que hace lo que puede con lo que le dan) y buenos "demasiado buenos".

Otro problema con que cuenta la película es el como acaba transformándose en una "sucesión de hitos" sin ton ni son. Y es que si bien el filme comienza enfocándose en la etapa infantil de Michael Jackson, pasado ese momento inicial en pantalla comenzamos a visualizar momentos de su carrera, uno tras otro, presentaciones en vivo, filmación de videos, grabación de discos, sin embargo, en ninguno se profundiza, todo es liviano y superficial, incluso pasando por alto oportunidades sabrosas, como todo el trabajo junto a Quincy Jones en Thriller de 1982. Lo que nos queda por tanto es una ensalada de hitos (muchos de ellos tergiversados) mezclados con una banalización grosera de la figura de Michael y sus cercanos, digamos, un traje a la medida que clona con descaro la fórmula de Bohemian Rhapsody (¡incluso han vuelto a meter un pequeño papel "divertido" de Mike Myers en ambas películas!) con el evidente objetivo de vender entretenimiento familiar a costa de la imagen del mítico vocalista. El resultado se deja ver, pero incluso en YouTube hay documentales muchísimo, pero MUCHÍSIMO más interesantes en torno al personaje. 

¿Lo bueno? Los aspectos técnicos y algunas interpretaciones.

¿Lo malo? La nula profundización. 

¿Dónde verla? Por ahora, aún en cines.

3/5 : Buena, se deja ver...

Blue Moon (2025)

Género: Drama Biográfico.
Dirección: Richard Linklater
Protagonistas: Ethan Hawke, Bobby Cannavale, Margaret Qualley, Andrew Scott.
Duración: 100 minutos
Año: 2025

Vaya placer de película nos acaba de regalar Richard Linklater. CINE con mayúsculas. El cruce perfecto entre un guion espléndido y una interpretación inspiradísima por parte de un Ethan Hawke que encuentra acá el mejor papel de su carrera (pásenle todos los premios YA) encarnando al legendario letrista Lorenz Hart, creador de varios éxitos durante los años 30' en compañía del músico y compositor Richard Rodgers. De hecho, precisamente la película abre planteándonos un "conflicto" entre ambos. Un alejamiento pues Rodgers ha experimentado el éxito comercial gracias al musical Oklahoma!, el cual ha compuesto junto a Oscar Hammerstein y no con Hart. La película nos sitúa entonces en la barra de un bar donde el letrista ahoga su dañado ego entre varias copas de whiskey junto a un barman y un solitario músico que acompaña los diálogos sentado al piano.

El caso es que Blue moon funciona a varios frentes. Fuera de la entregadísima labor de Ethan Hawke, la cual vuelve al personaje tan entrañable como fascinante, está el guion y la cantidad de ideas que el intelectual vomita a mil por hora, desde su desprecio por la simpleza de Oklahoma!, su admiración por Rodgers y la necesidad de volverse un hipócrita ante él con tal de obtener su aceptación, su declarada ambigüedad sexual (se auto denomina un amante de la belleza. Hombres, mujeres, flores, libros, da igual) hasta el enamoramiento que profesa hacia una chica que acaba de conocer.

Lorenz Hart es representado acá como una vorágine encantadora, una constante verborrea. También como ese artista intelectual que se sabe brillante, creativo, tremendamente sensible pero a la vez incomprendido por un mundo que muestra interés por asuntos más banales y sencillos que él. La película trata al personaje con mucho cariño pero también es tremendamente cruel. Y en dicha dicotomía radica su principal mérito. Nunca sabemos si adorar a este personaje o tenerle lástima. Intenciona de manera clara, por ejemplo, su diferencia de estatura con su amada chica (Margaret Qualley, que además de ser alta acá seguramente la pusieron a usar tacos para acentuar aún más las diferencias), generando la constante sensación visual de estar ante un personaje diminuto para el mundo. Un patito feo. Sin embargo, así es la vida, no? Linklater nos recuerda que desde siempre la imagen ha sido todo para obtener éxito pues al final del día, los chicos populares se quedan con las chicas guapas... y no hay más. 

Técnicamente la película logra mucho con (muy) poco. Los hechos se suceden a lo largo de una noche dentro de un bar por lo que las locaciones utilizadas son mínimas. Debido a esto el filme se sostiene básicamente en las tomas, interpretaciones y el sólido guion que presenta. Puede que por lo mismo a algunos el trámite se les vuelva algo pesado. Pero para gustos colores, en lo personal me la he gozado de comienzo a fin gracias a los magníficos sub textos que regala, que son muchísimos. 

¿Lo mejor? El guion, la cantidad de ideas sabrosas que regala cada diálogo que expresa un soberbio Ethan Hawke. 

¿Lo peor? Puede debido a la verborrea del protagonista a momentos la película se vuelva pesada para algunos.

¿Dónde está? En cines y en mi Plex.

Nominada a los Globos de Oro como Mejor Película y Mejor Actor Principal.

 

4 / 5 : Excelente.

Otras películas de Richard Linklater:

2014: Boyhood
2013: Before Midnight
2012: Bernie 

Otras películas de Ethan Hawke:

2023: Strange way of life

2017: Maudie

2014: Boyhood

2013: The purge

2013: Before midnight

Otras películas de Margaret Qualley:

2025: Honey don't

2025: Happy Gilmore 2

2024: The substance

2022: Stars at noon

2022: Sanctuary

The Smashing Machine (2025)

Género: Drama / Biográfico
Dirección: Ben Safdie
Protagonistas: Dwayne Johnson, Emily Blunt.
Duración: 120 minutos
Año: 2025

Suele ocurrir esto de armar una película para el lucimiento particular de un actor o actriz. En este caso hablamos de Dwayne Johnson, quien encarna acá un papel que le viene como anillo al dedo: el luchador Mark Kerr, quien en entre 1999 y 2000 fue protagonista de una emergente UFC. 

Se nos presenta acá la historia tras el personaje por aquellos años, sus ambiciones, frustraciones y principalmente una serie de idas y vueltas en su relación de pareja con Dawn Staples (Emily Blunt), esto mediante una dinámica entretenida aunque bastante cliché en su trámite. El resultado es aceptable y se deja ver, sin embargo, nunca realmente se ensucia o adentra en algún conflicto interesante, por lo que se queda únicamente en el "modo homenaje", lo cual le resta impacto.

Pues lo dicho, que acá todo gira en torno a la interpretación de Dwayne Johnson, quien seguro está buscando alguna nominación a fin de año con la película (y no me extrañaría que se la den) haciendo un papel correcto donde dramatiza en distintos momentos, aunque todo sea dicho, tampoco es que el personaje diese para mucho más. Johnson encarna al clásico "cabeza de músculo", un tipo que vive única y exclusivamente para la lucha con el fin de cumplir el sueño americano y si bien en algunos pasajes la película intenta adentrarse en ciertas aristas oscuras del personaje (su adicción a los analgésicos, por ejemplo), queda bastante en deuda a la hora de profundizar. 

Habría sido interesante, por ejemplo, que la película se adentrara en las críticas éticas en torno al mundo de la lucha, el abuso de sustancias por parte de los competidores o la misma historia previa de Mark (el por qué es un tipo que solo sabe matarse a golpes), pero nada de esto ocurre, limitándose más que nada a ser un cuidado homenaje tanto al mundo de la UFC como al protagonista en si mismo, a quien tooooodo el tiempo se le presenta como un gran y sacrificado hombre, una especie de estadounidense ejemplar. Para muestra un botón: la escena final de la película, que rompe la cuarta pared casi rozando el ridículo.

¿Lo mejor? Para durar dos horas es bastante llevable.

¿Lo peor? Nunca se ensucia en serio, parece un homenaje bastante cuidado.

¿Dónde está? Por ahora en cines.

Nominada a los Globos de Oro como Mejor Actor Principal y Mejor Actriz Reparto.

2.5: Te arriesgas...

Otras películas de Emily Blunt:

2023: Oppenheimer

2014: Edge of tomorrow

Napoleón (2023)

Género: Bélica. Histórica. Biográfica.
Dirección: Ridley Scott
Protagonistas: Joaquin Pheonix, Vanessa Kirby, Rupert Everett
Duración: 160 minutos
Año: 2023

Con Ridley Scott nunca se sabe. Un tipo que ha sido capaz de entregarnos tanto películas gloriosas como verdaderos fiascos a lo largo de su carrera. Había incertidumbre por tanto respecto a lo que podría hacer con Napoleón, un personaje histórico de alto alcance que entregaba demasiado paño para cortar y que además sería encarnado por Joaquin Pheonix, quien a partir de su papel como Joker (2019) pasó a transformarse en el chico rebelde favorito del público. Finalmente la película llegó a nosotros, y bueno, su mirada respecto a Napoleón Bonaparte ha acabado por quedar en un incómodo limbo pues no ha resultado ser ni una obra maestra ni un total desastre. Aunque si es claro el que ha quedado al debe en una serie de aspectos.

No voy a meterme acá con la falta de rigor histórico. Que si tal batalla, personaje o diálogo nunca existió, eso se lo dejamos a quienes educan. No es labor de una película el ser fiel a los hechos y siempre hay algo de ficción en el cine, incluso aunque esté basado en hechos verídicos. Sin embargo, donde si podemos meternos es con la dirección que esta película ha querido tomar, enfocándose principalmente en la relación amorosa entre Napoleón Bonaparte y su mujer Josefina (Vanessa Kirby), omitiendo de manera grosera muchos elementos relevantes del personaje. Y si bien se agradece el que la película no haya tomado el camino del homenaje fácil (típico de las bio pic), el problema es que pareciese que esta se ensaña con la figura del francés, mostrándolo en todo momento como un personaje inseguro, torpe, incluso limitado mental. Un bruto cualquiera. El tomar este camino no me parece per se un error pero si se vuelve problemático cuando en tu propia narrativa no eres claro, cayendo en contradicciones y vacíos constantemente. 

Ridley no se decide entre el Napoleón estratega (brillante luchando en el hielo) y el irresponsable (abandonando el campo de batalla en Egipto por meros celos). ¿En qué quedamos Ridley? ¿era Napoleón un militar disciplinado o no? De igual forma, la película no se adentra en su labor política ¿por qué lo nombran Rey?, ¿por qué los militares de base lo quieren tanto al punto de abandonar sus órdenes para defenderlo?, ¿cuál es el objetivo de Napoleón a la hora de abordar Europa? Nada de esto se desarrolla, solo se muestra en alguna escena al punto de que tras casi tres horas de película uno no logra entender el como Napoleón llegó tan lejos siendo un personaje tan visceral, impulsivo y poco astuto. Dicho en simple: si esta película la ve un joven que sabe poco y nada de Napoleón Bonaparte, sinceramente entiende cero respecto a su rol histórico. Es que cero... 

Lo cierto es que la película gasta 3/4 de su duración en mostrarnos el culebrón entre este y Josefina, principalmente la frustración ocasionada por el no poder concebir un heredero, pero incluso acá es contradictoria. En un comienzo nos da a entender que ella lo utiliza, engañándolo constantemente incluso (otro sesgo de la película es que se centra en las infidelidades de ella pero no se refiere a las de él), sin embargo, de pronto la relación entre ambos se transforma en algo romántico e idílico, un giro brusco que también resulta incomprensible. 

En definitiva, Napoleón de Riddley Scott parece haberle quedado grande al director. Ante un personaje con tantas aristas el director ha intentado no tirar por lo obvio pero se ha perdido en el camino dejándonos una película que a ratos juega a ser solemne para de golpe rozar la comedia. No es un desastre pero claramente no han podido con el peso del histórico francés. 

¿Lo mejor? Las escenas en el campo de batalla. Son excelentes.

¿Lo peor? La cantidad de dinero gastada en una película que no cuaja correctamente.

¿Dónde verla? En AppleTv y Amazon prime. También en mi Plex.

2.5: Te arriesgas...

Otras películas de Ridley Scott:

2015: The martian

1979: Alien 

Otras películas de Joaquín Pheonix:

2019: Joker

2013: Her

2010: I’m still here 

2008: Two lovers 

Maestro (2023)

Género: Biográfica. Drama.
Dirección: Bradley Cooper.
Protagonistas: Bradley Cooper, Carey Mulligan. 
Duración: 120 minutos
Año: 2023

En el afán de escudriñar detrás del mito de Leonard Bernstein y "separar a la obra del artista" es que Bradley Cooper se ha lanzado de lleno a un viaje valiente y desafiante. En Maestro, el actor/director se ha propuesto exponer aristas de la vida personal del afamado músico, es decir, todo aquello que se esconde bajo la inmensa sombra del mito, realizando así una película íntima y descarnada que busca internarse en la complejidad del personaje, principalmente su egomanía. Esto mediante dos tiempos marcados (y muy diferentes entre si), una primera sección de cincuenta minutos rodada en estricto blanco y negro donde se nos muestra la vida de Leonard antes de la fama, su encuentro con Felicia Montealegre y ascenso al reconocimiento, para luego pasar a una fase en colores que abandonará la juventud, la fantasía y lo idílico para centrarse en el cotidiano crudo, contradictorio y complejo del artista. El resultado no es del todo fácil de llevar, se vuelve algo pesado a momentos (principalmente en esa primera parte a causa de lo inquieto del relato) pero en el global resulta un ejercicio a la altura del desafío y que muestra a Bradley Cooper en su mejor faceta, tanto en dirección como actuación. 

Siendo claros, el eje transversal que la película recorrerá será su relación marital con Felicia (algo que seguro molestará a más de alguien), al punto de que durante algunos pasajes de plano ella será la protagonista, en un giro notable que entrega espacio para que Carey Mulligan pueda lucirse con su interpretación. En concreto, está muy bien logrado el contraste entre las miradas enamoradas e ilusionadas que Felicia entrega a Leonard en la primera mitad de película, y el absoluto desencanto que transmite en la segunda parte. El resto será complementar con la intimidad del artista, su paternidad, bisexualidad (¿una homosexualidad no asumida? Cooper lo deja en el aire), adicciones, debilidades y conflictos emocionales varios. 

En ese camino, habrán asuntos no explorados del todo. No nos queda tan claro el motivo de cierta depresión que se insinúa (aunque podemos armar nosotros el puzzle con lo que se muestra), sin embargo, Maestro destaca por ese vaivén constante entre el genio respetado por su entorno y la persona de carne y hueso, la cual evidentemente solo pudo conocer/sufrir Felicia Montealegre. Todo esto en el marco de una película realizada con enorme cariño por el cine. 

By the way, mención aparte al maquillaje. Sencillamente espectacular.

¿Lo mejor? Tras una primera parte en exceso hiperquinética se agradece la brusca pausa que la película realiza pasada la primera hora, abordando la humanidad del personaje.

¿Lo peor? Seguro a muchos les sabrá a poco el que se centre tanto en el padecer de Felicia. 

¿Dónde está? En Netflix. 

Nominada en los Premios Oscar como Mejor Película, Director, Actor principal, Actriz Principal, Guión Original, Fotografía, Maquillaje y Sonido.

Nominada en los Globos de Oro como Mejor película (drama), Director, Actor principal y actriz principal.

4.0 : Excelente.

Otras películas de Bradley Cooper:

2018: The mule

2013: The place beyond the pines

2013: American hustle

2013: Silver lining playbook

2012: The words

2011: Limitless

Otras películas de Carey Mulligan:

2018: Inside Llewyn Davis

Oppenheimer (2023)

Género: Histórica. Biográfica.
Dirección: Christopher Nolan.
Protagonistas: Cillian Murphy, Robert Downey Jr, Emily Blunt, Matt Damon, Florence Pugh, Ben Safdie, Rami Malek.
Duración: 180 minutos
Año: 2023

Tras el desastre de Tenet (2020) había que ver si Christopher Nolan lograba zafar de si mismo, de su grandilocuencia y ego desmedido. Lo curioso es que muy en su línea, lejos de recular hacia un proyecto "menos exigente", el director decidió para un siguiente filme abordar una tarea aún más desafiante. Dicho en simple: se jugó el pellejo y el prestigio en Oppenheimer, con seguridad su película más arriesgada a la fecha. Había que ver, sin embargo, si su mirada en torno a la figura del físico estadounidense cuajaba, se comprendía y hacía sentido pues finalmente ahí es donde ha terminado fallando en muchas de sus películas.

En ese camino, un primer paso (y esencial en cierto modo) es tomar posición respecto al personaje. Tener claro un objetivo, lo que se desea mostrar en pantalla, y ese punto también hay que entregárselo a Nolan. Sin medias tintas el director ha decidido humanizar a Oppenheimer, desarrollando en paralelo varias líneas, todas relacionadas con la persona, intentando escapar de la caricatura del genio brillante. La película por tanto no se centra del todo en su obra si no más bien intenta meterse en el cerebro del personaje, abordando sus inquietudes en la física pero también sus ansias por serle útil a la sociedad, por ende, sus acercamientos políticos al mundo comunista (enorme el momento en que afirma que "sus teorías acerca del colapso de las estrellas no le son útiles a la gente en el día a día"), movimientos que en un contexto de guerra fría le significarían tras el lanzamiento de la bomba atómica una persecución y acoso por parte del establishment estadounidense, siendo este el eje transversal que se desarrollará prácticamente durante toda la película, con Lewis Strauss (Robert Downney Jr.) como notable antagonista. 

De esta forma, mientras observamos toda la logística desarrollada por los Estados Unidos en torno a la construcción de la bomba (y todo el dilema respecto a "quien la construye primero", si los alemanes, rusos o ellos), observaremos desde las dudas y contradicciones de Robert Oppenheimmer hasta sus vínculos amorosos, en un cóctel de tres horas de duración, con una dinámica acelerada (es Nolan, pedirle que vaya lento sería contra natura) pero que logra comprenderse debido a la claridad con que se expresa. Ahí me parece reside el principal mérito de Oppenheimer, en la capacidad de mostrar tantos elementos en pantalla sin perder el norte y con un ritmo que si bien es exigente con el espectador, atrapa. Hay momentos en los que sientes, tanto desde lo visual como argumentativo, el que estás viendo una maravilla del séptimo arte, y aquello es todo mérito del director. Ayuda por supuesto un guión impecable y la labor de un notable Cillian Murphy como protagonista, un tipo que transmite las emociones que el personaje exige, transitando desde la ilusión y confianza hasta la angustia y el remordimiento siempre de manera convincente.

Ante el enorme y exigente desafío auto impuesto Christopher Nolan ha salido jugando, lo cual es notable. El director se la ha jugado por entregar una mirada humana de Robert Oppenheimer, intentando abarcar varias dimensiones del personaje mediante una dinámica siempre intensa pero interesante y atractiva. La película quedará enmarcada como parte de lo más brillante que haya filmado. 

¿Lo mejor? La cantidad de trazos en paralelo que desarrolla sin perder el norte. 

¿Lo peor? Las apariciones de Albert Einstein en plan "viejito gagá" me han parecido lo único lamentable. 

¿Dónde verla? En Amazon Prime Premium o en mi Plex. 

4.5 : Brillante.

Ganadora en los Premios Oscar como Mejor Película, Director, Actor principal, Actor secundario, Montaje, Fotografía y Banda Sonora. Nominada como Mejor Diseño de vestuario, Diseño de producción, Edición, Sonido, Maquillaje y Guión Adaptado.

Ganadora en los Globos de Oro como Mejor película (drama), Director, Actor principal (Cillian Murphy), Actor secundario (Robert Downey Jr) y Banda Sonora.

Otras películas de Christopher Nolan:

Interestellar (2014)

Otras películas de Cillian Murphy:

Red lights (2012)

Priscilla (2023)

Género: Drama. Biográfica.
Dirección: Sofia Coppola
Protagonistas: Cailee Spaeny, Jacob Elordi
Duración: 110 minutos
Año: 2023

No hay dobles intenciones ni lecturas en la más reciente de Sofia Coppola. Es más, desde el título la directora declara intenciones: se abordará la relación entre Priscilla Beaulieu y Elvis Presley, desde la mirada de ella y de manera completamente subjetiva. De ahí que la gran incógnita no se encontraba en "desde dónde" se plantearía esta película, si no más bien en si esta sería capaz de decirnos algo realmente interesante a estas alturas del partido. Porque los datos generales los teníamos: sabíamos que la relación se inició cuando ella era muy niña y no es difícil imaginar lo que debe implicar el haber sido pareja del "Rey del Rock". Digamos, dinero, éxito, divismo, estrellato... y abandono. Todo esto está en Priscilla, expresado de manera lineal sin lugar a confusiones, sumado a la entrega de algunos detalles íntimos y morbosos de la pareja. 

En esa línea, la película se deja ver, funciona, es atractiva aunque en exceso sencilla, y ahí pierde puntos. Sofia Coppola muestra una cronología comprensible, con varias postales propias de la época, digamos, un mayor de edad (en pleno desarrollo de su fama además) seduciendo a una menor, padre y madre de esta que miran la situación con recelo pero acaban aceptándola, una posterior relación que oscila entre la constante "idealización romántica" y la distancia, con abuso de pastillas desde siempre presente, para luego ver el desmorone del vínculo, sin embargo, hay asuntos que no quedan del todo claros, dejándonos una película que jamás en su trámite encuentra la intensidad deseada, al punto de llegar a un cierre evidentemente abrupto que te deja completamente frío. 

(Atención: Spoiler con descaro desde acá)

¿Por qué carajos Elvis una y otra vez se niega a tener sexo con su mujer? ¿Es qué la directora no desea meterse en terrenos complicados y acusar a Elvis de ser un abusador de menores? ¿Es qué vivía cansado? ¿Un problema con el abuso de pastillas? ¿Es qué era impotente? ¿Es qué se "sacaba las ganas" por fuera con otras mujeres? No sabemos, pero la película insiste e insiste en este punto, bastante poco creíble por cierto, sin profundizar ni dar luces. De igual manera, ¿en qué momento la relación realmente se quiebra? Todo luce muy superficial, hay escenas de celos, distancia, una que otra discusión pero nada que realmente se interne con fuerza en el desencanto de Priscilla. Si lo que me quieres mostrar es que es duro ser la esposa de una estrella porque no pasan tiempo contigo... Ok. Pero no es suficiente como para dos horas de película.

No me complica en absoluto el que se "demonice" la imagen de Elvis pues finalmente está lo inicialmente dicho, esta es la versión de Priscilla llevada al cine por lo que resultaba esperable el mostrar al vocalista en su arista más oscura, sin embargo, la imagen que película muestra de este roza la caricatura, fallando en la no profundización y cayendo más bien en la narración de una sucesión de hechos fáciles de llevar pero carentes de real peso e impacto. 

¿Lo bueno? Hay una narración comprensible y amena. Se insinúan temas interesantes.

¿Lo malo? El personaje de Elvis está cojo, faltó mayor "humanización" y no tanta caricatura. 

¿Dónde está? la tengo en mi Plex.

3.0: Buena, se deja ver...

Elvis (2022)

Género: Biográfica
Dirección: Baz Luhrmann
Protagonistas: Austin Butler, Tom Hanks 
Duración: 130 minutos
Año: 2022

Se ha vuelto tendencia ya esto de los bio pic dispuestos a mostrar la cara sensible y bonita de un personaje de la música. Lo vivimos con Freddie, Elton y tocaba ya el Rey del Rock. En esa línea, si el objetivo de Elvis era el acercar el personaje a las nuevas generaciones (como se logró exitosamente en el caso de Queen), puede que el film tenga su punto y contenga aciertos, sin embargo, para quienes conocemos al personaje no es demasiado lo que esta nos presenta, e incluso deja con gusto a poco a la hora de tratar una serie de temas.

Dentro de lo positivo, la película plantea al manager de Elvis, el "Coronel" Tom Parker (Tom Hanks haciendo de Tom Hanks, solo que gordo), como eje central del relato y aquello está bien, pues aporta un matiz interesante a la historia. También suma que en la primera mitad se muestre la influencia de la música negra en Elvis, además de su carácter "rebelde" ante la idea de mostrarse neutral ante algunas situaciones de acontecer político. Todo eso, bien.

El problema es que fuera de esto, Elvis no deja de ser el bio pic que siempre hemos visto: los inicios del artista, ambiciones, escalada al éxito y final declive. Todo esto tratado con enorme timidez. La película no se ensucia con el proceso de degradación del vocalista, apenas lo roza. Todo se menciona: el abuso de pastillas, drogas, alcohol, sus cambios de mujeres, la paternidad apenas hace presencia, pero en nada nos sumerge. De nada nos empapa. Vemos que le está yendo bien, Priscilla lo deja, hay otra mujer en su cama, exceso de giras, relato final forzado y se muere. Frío, muy frío todo. 

Eso sin meterse a lo técnico, que todos sabemos que Elvis en sus últimos años lucía gordo, sudado y decadente, lo cual JAMÁS vemos en pantalla en la caracterización. Nos muestran a un Elvis siempre buen mozo, guapo, delgado, soberbio... pésimo ahí. Tampoco da para destacar la caracterización de Austin Butler, que imitadores de Elvis hay miles y seguro hacen lo que él, y más. Buenos momentos se viven cuando lo vemos en vivo (al final el personaje se vende solo sobre el escenario, está claro) pero cuando la película debe aportar ese "algo más", se queda solo en las ganas. De hecho, lo más emocionante en las dos horas es ver ese "Unchained melody" que el verdadero Elvis canta en el cierre. Que más claro...

¿Lo mejor? Los momentos en vivo están bien retratados.

¿Lo peor? La timidez con que se trata al personaje. No escapando de la caricatura.

¿Dónde la vi? Está en HboMax y en mi Plex.

3.0: Buena, se deja ver...

Nominada a los Premiso Oscar como Mejor Película, Actor Principal, Montaje, Fotografía, Diseño Producción, Vestuario, Maquillaje y Sonido.

Ganadora a los Globos de Oro como Mejor Actor Principal. Nominada como Mejor Película y Dirección.

Otras películas de Tom Hanks:

2016: Sully

Belfast (2021)

Género: Drama biográfico
Dirección: Kenneth Branagh
Protagonistas: Jude Hill, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds
Duración: 95 minutos
Año: 2021

Tras una larga pasada dirigiendo películas comerciales ("Thor", "La cenicienta", "Asesinato en el expreso oriente", "Artemis Fowl"), Kenneth Branagh ha querido reencontrarse con su cine y también su historia. Ha filmado entonces una película biográfica, que viaja hacia su infancia en Belfast en medio del conflicto bélico/religioso desatado a fines de los años 60, y para esto utiliza un recurso que hemos visto en otras ocasiones (sin ir demasiado lejos, un par de años atrás con Jo Jo Rabbit de Taika Waititi): la del conflicto visto por los ojos inocentes de un niño. Desde ahí, el asunto desde un comienzo y en todo su desarrollo pierde algo de novedad, aunque funciona, también el blanco/negro o el que abra en su primera media hora instalando esa lucha absurda entre adultos, que se ve presiente explotará mal en el seno familiar del niño protagonista...

La película transmite el cariño de Branagh hacia el barrio de su infancia y también instala su acercamiento con el mundo del cine, para esto utiliza tomas tras tomas muy cuidadas que efectivamente generan conexión. En ese sentido, Belfast es muy visual, sin embargo, descuida el guión, donde algo (o todo) pareciese nunca acabar de cuajar como corresponde, como si la crisis siempre se insinuase pero nunca llegase a puerto. La pareja que va y viene, el rollo de los abuelos, el niño que vive situaciones simpáticas, un joven acosa a la familia pero no pasa nada, y así, corren y corren los minutos hasta llegar a una fiesta final, con una preciosa 'Everlasting love' sonando de fondo pero que no entendemos que pinta acá, dejándonos un global bonito, un collage de situaciones pero no mucho más. 

Belfast es preciosa desde lo visual y está hecha con cariño. Es evidente que Kenneth Branagh ha querido hacer una obra artística llena de poesía escapando de lo obvio... pero no le ha cuajado. Quizás el haber estado tanto tiempo dirigiendo a pedido hizo lo suyo.

¿Lo mejor? El cariño que transmite.

¿Lo peor? Demasiado correcta, como una postal.

¿Dónde está? La descargué en yts. 

Nominada a los Premios Oscar como Mejor Película, Dirección, Actor de Reparto (Ciarán Hinds), Actriz de Reparto (Judi Dench), Guión Original, Canción ("Down to joy") y Sonido. 

3.0: Buena, se deja ver...

Otras películas de Judi Dench:

2016: Miss Peregrine's home for peculiar children

2006: Notes on a scandal

King Richard (2021)

Género: Drama Biográfico
Dirección: Reinaldo Marcus Green
Protagonistas: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis
Duración: 135 minutos
Año: 2021

Le tenía ganas a esta película. Había leído/escuchado que Will Smith iba fijo por el Oscar con la historia del padre de las hermanas Williams, así que me senté gozoso el fin de semana pasado a disfrutar de este drama biográfico. Y bueno, ¿Con qué me encontré? Efectivamente con una película hecha para y por el lucimiento de Will Smith, quien encarna a un padre de familia (con cinco hijas) obsesionado con la idea de que sus hijas poseen un talento innato para ser tenistas. Desde pequeñas, por tanto, se ha dedicado a prepararlas en el deporte (¿él y su esposa son ex deportistas? ¿Una especie de atletas frustrados? La película no lo deja claro aunque se intuye algo de eso) y a buscarles incansablemente un entrenador para ambas, y bueno, como bien sabemos, de alguna forma lo logrará...

Desde aquel punto de partida debo admitir que me costó tragar la primera media hora de película. Percibí en el aire la idea del "sueño americano", de aquel personaje sufrido (con un temple a prueba de todo) que encontraría el éxito tras años de frustración, sumado a un ensalzamiento descarado de la figura del protagonista, e inevitablemente se me vino a la memoria The pursuit of happiness ("En busca de la felicidad") de 2006, también protagonizada por Will Smith (y con la que fue nominado al Oscar). Me sentí entonces de entrada un poco manipulado y con la idea del "vamos, que esto ya lo hemos visto", lo cual me mató un poco la pasión. Ahora, con igual énfasis debo comentar que a poco andar King Richard me volvió a enganchar, porque méritos tiene...

Durante el desarrollo de la película se reitera bastantes veces (hasta el cansancio, de hecho) la idea de que Richard Williams tenía un plan (casi religioso) designado para sus hijas pero con un matiz relevante: este plan iba de la mano con un componente valórico no menor. A Richard Williams (o al menos eso es lo que nos intentan vender) no le interesaba "el éxito por el éxito" o el que sus hijas triunfasen para simplemente dejar de ser pobres. De hecho, no las vende, pese a las múltiples oportunidades que se le presentan en el camino, le interesa proteger la infancia de sus niñas en lugar de entregarlas a un mercado que las estrangularía a pronta edad. Aspecto que se refuerza cuando lo vemos intentando explicarle a sus hijas la importancia de conservar la humildad ante el triunfo. En todos esos momentos, la película suma puntos...

También cuando cada cierto rato se humaniza al protagonista y se le baja a terreno mortal, dejando a entrever sus carencias (aunque jamás adentrándose en ellas, hay que decirlo). Denotan su machismo, por ejemplo, y regalan una escena donde invisibiliza la labor de su esposa, así como se mencionan hijos que habría tenido fuera del matrimonio (los cuales "lo encontraron") o el que tomaba decisiones completamente solo sin interesarle alguien que no fuese él mismo. El resto será cliché bien armado, aunque con algunos hilos que no conectarán del todo. Por mencionar uno, en un momento vemos a un grupo de tipos molestando a sus hijas y enfrentándolo a golpes. Luego estos jóvenes salen de la película (de manera bastante burda además) por lo que su aparición acaba pareciendo forzada. Dicho en simple: los podrías sacar y no pasa nada. 

Con todo, King Richard es un bio pic hecho para el lucimiento de Will Smith (que lo hace excelente, hay que decirlo), que en general funciona y seguro más de algún Oscar se llevará. En el contexto de ser una película bastante tradicional, está bien, hay emoción y momentos tensos a caudal, y en sus dos horas de extensión posee un ritmo más que aceptable.

¿Lo mejor? Los momentos en que se humaniza al protagonista y que, si te gusta el tenis, te la vas a gozar...

¿Lo peor? Que ojalá se hubiese indagado más en las carencias del protagonista...

¿Dónde la vi? La descargué en yts.

Ganadora Oscar Mejor Actor (Will Smith). 

Nominada en las categorías Mejor Película, Mejor Actriz Reparto (Aunjanue Ellis) y Mejor Edición.

3.5 / 5: Muy buena.

A Dangerous Method (2011)

Género: Drama psicológico biográfico
Dirección: David Cronenberg
Protagonistas: Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel
Duración: 110 minutos
Año: 2011

No cabe duda de que durante los últimos veinte años David Cronenberg ha buscado abordar un cine aparentemente más domesticado (digamos, respecto a lo que fueron sus veinte años iniciales como director) y centrado en la psicología de sus personajes. En ese camino, "Un método peligroso" debe ser uno de sus bichos más fascinantes, incluso con todos sus defectos. En esta Cronenberg nos muestra los inicios del psicoanálisis, enmarcando el desarrollo de este en el fantástico triángulo protagonizado por Sigmund Freud (Viggo Mortensen), su aprendiz Carl Jung (Michael Fassbender) y Sabina Spielrein (Keira Knightley). 

Cronenberg nos muestra en pantalla las relaciones entre estos. En primer lugar, el duelo intelectual entre Freud y Jung, un lazo que comienza siendo fraterno y de mutua admiración pero que poco a poco irá quebrándose, llegando al rompimiento definitivo cuando el hijo (Jung) se atreve y decide cuestionar al padre, en una de las escenas más interesantes que muestra la película, con ambos debatiendo respecto a los caminos que debe seguir el psicoanálisis, con Freud pidiéndole a Jung que limite sus estudios al ámbito meramente científico y abandone la "charlatanería", mientras que el segundo insistirá en abordar lo paranormal y aquellos terrenos esotéricos que considera inexplorados (en un debate que persiste hasta el día de hoy). 

Luego está el hilo transversal, que es la relación de amor y deseo que existe entre Jung y Spielrein, las culpas (es una relación pasa de lo profesional a lo personal) y descubrimientos de estos, nuevamente con una escena notable donde la segunda enfrenta su fascinación por el abuso. Y finalmente, tenemos en un plano secundario la relación de admiración entre Spielrein y el maestro Freud. Todo esto va entrelazándose en medida que la película se desarrolla, en un viaje muy cuidado desde lo visual y donde las actuaciones están en su punto todo el tiempo. Mención aparte merece acá la corta pero notable aparición de Vincent Cassel en escena, mediante un personaje que nos invita a desatar toda nuestra sexualidad sin culpa alguna.

La película, sin embargo, desprende esa sensación de tener mucho que contar en poco tiempo, por lo que tropieza a causa de esto, con saltos temporales importantes. También se aprecia que, pese a lo sexual del contenido, Cronenberg tiene cuidado con no irse hacia lo explícito, queriendo filmar una película elegante en lo estético, poética a ratos (esa sábana con sangre, enorme) y que juega con la tensión + atmósferas, ahí, inevitablemente el asunto le queda a ratos en exceso frío y lejano. 

Con todo, "Un método peligroso" resulta una experiencia por la que vale la pena pasar, a casi diez años de su estreno, comienza a envejecer bien.

¿Lo mejor? Toda la disputa en torno al psicoanálisis. También las actuaciones, Keira y sus contorsiones son fenomenales.

¿Lo peor? Que a ratos el asunto queda demasiado frío y distante.

¿Donde está? Me la descargué en yts.

3.5 / 5 : Muy buena.

Otras películas de David Cronenberg:

2014: Map to the stars

Otras películas de Keira Knightley:

2015: Everest

2014: Begin again

Otras películas de Michael Fassbender:

2014: Frank

2012: 12 years a slave