Bendita sea la novia del torero. Los tristes que se ríen de la tristeza. Los calvos que se quitan el sombrero, ante la dignidad y la belleza... Benditos sean.
Género: Comedia Dirección: Cesc Gay Protagonistas: Javier Cámara, Carmen Machi, Javier Gutiérrez Duración: 70 minutos Año: 2026
Viene bien de vez en cuando encontrarse con una película livianita, simpática y de bajas pretensiones como es el caso de esta 53 domingos de Cesc Gay, digamos, una comedia cortita (no llega ni a los noventa minutos), de dinámica absolutamente teatral y que sostiene todo su potencial en el trío actoral que presenciamos en pantalla. Estos encarnan a tres hermanos que derechamente no se soportan (particularmente dos de ellos) pero deben reunirse para decidir que hacer con su padre pues este se ha hecho viejo y mentalmente no anda bien. Y bueno, a partir de acá se desarrollarán diálogos divertidos, mucho de dinámicas pasivas/agresivas y una serie de secuencias que van enganchando de buena forma en medida que la película avanza.
Lo más divertido que vemos en pantalla es por tanto el duelo constante entre los Javieres, Cámara y Gutiérrez, el primero encarna a un actor (algo frustrado) mientras que el segundo a un tipo de buen pasar económico (debido a que se ha casado con una ricachona). Ambos, sin embargo, desprecian la manera de vivir del otro y se lo enrostran constantemente, uno aspira al vivir sencillo, el otro a la opulencia y entre ambos se sitúa su hermana (Carmen Machi), cuya personalidad pasiva le impide ser firme con ninguno. La comedia estará entonces en el como estas personalidades van confluyendo, el duelo de clases sociales, palabras que van sacando palabras, esto en una dinámica donde la hipocresía y el cinismo es siempre protagonista. Algo que por cierto no es difícil de encontrar en familias de carne y hueso.
53 domingos funciona en la lógica de pasar el rato. No es una película que te va a volar la cabeza ni nada parecido pero si se deja ver sin problema alguno. Un buen rato vas a pasar.
¿Lo mejor? El trío actoral. Lo teatral y divertidos que están cada uno...
¿Lo peor? Una lástima la utilización de una narradora para explicarnos con manzanitas la dinámica que veremos en pantalla. Innecesario. Tan estúpidos no somos...
Género: Drama Dirección: Oliver Laxe Protagonistas: Sergi López, Bruno Núñez. Duración: 110 minutos Año: 2025
Aclaración previa importante: Sirat es una de esas películas que entregan una experiencia y que por lo mismo deben verse desde cero, sabiendo nada de ellas. Además, debido a su trámite es muy difícil escribir una reseña sin realizar spoilers. Recomiendo por tanto a todo quien lea esto que se detenga ACÁ, vaya a verla y luego regrese.
Hecho el alcance, ahora si voy...
Estamos acostumbrados a ver películas de sobrevivencia. De esas donde un monstruo alienígena o un fenómeno paranormal persigue a los protagonistas y el dilema está puesto en si estos lograrán salir vivos. Nos divertimos con estas películas, las disfrutamos comiendo palomitas y a lo más, si están bien construidas seguramente empatizaremos con quien protagoniza y desearemos que se salve. Pero no mucho más. No sufrimos con el cine. ¿Es que quién querría sufrir viendo una película?¿No qué el cine es mero entretenimiento? ¿Hecho para hacernos felices y ayudar a abstraernos de nuestras miserias? ¿Para darnos esperanza con finales épicos donde los buenos triunfan? Pues bien, Sirat funciona en otra línea. Es cine de sobrevivencia que pretende hacernos sufrir, que aterricemos de golpe para recordarnos que el infierno en la tierra existe, que muchos lo atraviesan aunque en nuestro banal mundo de redes sociales no nos enteremos. Sirat quiere efectivamente hacernos sentir miserables, ¿Asunto cuestionable? Es materia de debate.
Yendo a la historia que se nos cuenta. El principal mérito que veo en Sirat es su capacidad para entregar dos películas en una. Me explico, durante su primera mitad el filme no es más que una road movie cualquiera. Un padre que junto a su hijo pequeño van recorriendo fiestas en Marruecos mientras buscan a su hija pues "les han dicho" podrían encontrarla por ahí. ¿Se ha ido de la casa? ¿Está con algún novio? ¿La han raptado? Lo cierto es que no sabemos demasiados detalles del contexto y la película centra su trayecto inicial más bien en mostrarnos el entorno que rodea a estas fiestas, decenas de personajes desconectados de la sociedad y que entre alcohol + música electrónica hipnótica encuentran un escape que les permite sobrevivir sin enterarse de aquello que vivimos "los comunes y corrientes".
Lo dicho entonces, que durante media película acompañamos a los protagonistas en su búsqueda y nos creemos que el dilema estará puesto en si este padre encontrará o no (y en qué condiciones) a su hija. A medio andar, sin embargo, el guion realizará un giro brusco y comenzará otra cosa. Una diametralmente diferente. La película de golpe se transforma en un drama gigante con un momento puntual tremendamente doloroso e impactante (como hace mucho no se veía en el cine), al punto de que muchos han cuestionado al filme por la crueldad gratuita que entrega al espectador. El sufrimiento por el mero sufrimiento. ¿Recuerdan algunos la polémica en torno a Irreversible (2002) de Gaspar Noé décadas atrás? Pues acá el fenómeno es similar.
No concuerdo, sin embargo, con aquellos que lanzan dicha crítica pues Sirat (así como Gaspar Noé en su polémica película) tiene un punto o más bien una pregunta: ¿Se puede sobrevivir a la tragedia? Y aquello Oliver Laxe logra transmitirlo a la perfección. La desolación en medio del más absoluto drama, el dar vueltas en círculo sin encontrar una explicación es algo que la dirección del francés/español ejecuta de manera impecable, construyendo incluso en su recta final una película de sobrevivencia sin necesidad de monstruo alguno, porque lo dicho, que el infierno está en la tierra, lo viven y lo sufren en el más completo anonimato miles de seres humanos de las más diversas formas y sin que siquiera te enteres. Y eso Sirat ha querido hacértelo vivir.
¿Lo mejor? Toda la segunda parte del filme y, por cierto, la música.
¿Lo peor? La primera mitad puede a muchos les parezca lenta y que "no pasa nada".
¿Dónde verla? Está en MovistarPlus y actualmente en cines.
4.5 : Brillante.
Nominada a los Globos de Oro como Mejor Película Nabla no Inglesa y Mejor Banda Sonora.
Nominada a los Premios Oscar como Mejor Película Internacional y Mejor Sonido.
Protagonistas: Iván Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan Duración: 95 minutos Año : 2019
"El 1% quiere esto torcer, el 9% tiene el poder. De lo que queda, el 50 solo come y el resto se muere sin saber por qué..." (León Gieco)
Esta película yo la vi en 2019, cuando estaba todo el revuelo en torno a ella, pero no quise escribir al respecto porque en caliente a veces las cosas no se valoran como deben. Así que he esperado cuatro años para volver a verla, ya de manera más objetiva, por lo que ahora si que si voy...
Y bueno, aquellos que rondan los cuarenta (por arriba o abajo) puede que recuerden una película de fines de los noventa titulada El cubo, cinta de terror que en su momento genero ruido debido a la originalidad de su propuesta: una serie de personajes que aparecían en una especie de cubo rubik gigante en donde cada sala consistía en una prueba de sobre vivencia (recordemos que hablo de tiempos "pre saga Saw"). Si no la has visto...¡búscala!. El caso es que algo de El cubo hay en esta interesante película española: el situarte en un escenario extraño, retorcido y donde sus personajes deben someterse a ciertas reglas para lograr sobrevivir. Con un importante añadido en este caso eso si: la reflexión política.
Hay una ambigüedad en El hoyo que en lo personal me parece exquisita. ¿Es la película una apología o una sátira al capitalismo?¿O ambas cosas a la vez? Como sea, la idea es fantástica. Un personaje (Goreng) despierta en una especie de celda acompañado del entrañable Trimagasi (Zorión Eguileor, que está enorme). Rápidamente este último se encargará de explicarnos lo que está ocurriendo: se encuentran encerrados en un piso (el 48) donde en cierto momento del día baja una plataforma con comida. Desconocen cuantos pisos son en total pero Trimagasi si sabe que son los suficientes como para que quienes están muy abajo reciban la plataforma completamente vacía, por lo que no comen. ¿Durante cuanto? Pues un mes, período tras el cual son trasladados a otro piso de manera aleatoria (o eso al menos creemos).
La premisa es genial por tanto. Están los de arriba, al medio y abajo. Están los que reciben la plataforma repleta de comida, quienes reciben los restos y los que reciben nada. El capitalismo en estado puro (y duro). Pero con un elemento relevante: dicho estado se modifica, por lo que si has pasado hambre durante cuatro semanas sabes podrías el siguiente mes gozar de privilegios, y así. Este elemento de incertidumbre en lugar de conformar y tranquilizar a las personas, les convierte en verdaderos salvajes, reflejando lo peor de la especie humana, aunque como en la vida real existirán algunos soñadores que intentarán generar consciencia y empatía con el resto (acá, los personajes Goreng, Imoguiri o Baharat). Y bueno, mediante una dinámica adictiva El hoyo irá revelando sus secretos aunque en medida que se acerque al final irá patinando groseramente, por que claro, cuando te has inventado tanta cosa unirlas con cierto sentido no es cosa fácil, por lo que la dirección opta por dejar muchos asuntos abiertos, demasiados diría yo.
(Spoiler desde acá)
Hay asuntos que la película deja en el aire (algunos no eran TAN difíciles de explicar, por lo que algo de indignación provoca el que no lo hayan hecho): ¿Cómo se mueve la plataforma? ¿Es que estamos en el futuro? Ni idea. ¿Cómo mueven a los personajes al finalizar cada mes? ¿Les duermen? ¿Les observan por cámaras? Es que de otra forma no se entiende eso de que no puedan bajar comida de la plataforma. ¿Esto es una cárcel? En un momento algo así te dan a entender, pero entonces, ¿Por qué ingresa gente de manera voluntaria?, por cierto: ¿Ingresas para dejar de fumar? ¿Me estás jodiendo...?.¿La mujer que sube y baja, cómo sube? ¿La niña en el piso 333? ¿Por qué? Y lo peor de todo: el final abierto e incomprensible. ¿Es que Goreng ha muerto y se ha imaginado todo? Sería ciertamente la clásica salida más fácil para el guionista, pero siempre la peor de todas.
El hoyo es por tanto una película especial, digna de revisar por el mensaje con que cuenta, macabro y dinámico. Sin embargo, en la recta final, a la hora de unir los cabos, el guión se enreda y decide salir corriendo, dejando a la trama ahí, frente a ti mirándote a los ojos con cara de signo de interrogación.
¿Lo mejor? La premisa. Fantástica. El guiño político al capitalismo.
¿Lo peor? Lo dicho, el cierre. Todo queda abierto y pierde mucho peso.
Género: Drama / Maternidad / Política Dirección: Pedro Almodovar Protagonistas: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy De Palma Duración: 120 minutos Año: 2021
Tras haberme devorado las dos horas de Madres paralelas mi sensación es que Pedro Almodóvar ansiaba realizar "su película política", en este caso con referencias evidentes a la memoria histórica. ¿Pero cómo hacerlo sin ponerse pesado? ¿Sin que te quede un ladrillo? Pues bueno, metiendo mano a lo que mejor sabes hacer: el cruce de historias melodramáticas cual telenovela de media tarde. Y eso es lo que ha hecho el director español, sumergiéndonos en un retorcido culebrón de los suyos, aunque procurando nunca olvidar el trasfondo político del filme.
Sin ir muy lejos, este abre con Janis (Penélope Cruz) en la búsqueda de alguien que pueda gestionar la excavación de unas fosas en su pueblo natal, donde se cree podrían encontrarse los restos de su abuelo, ejecutado durante la Guerra Civil Española de los lejanos años 30. Almodóvar declara intenciones en esos diez minutos iniciales para luego meternos la trama de telenovela que consumirá gran parte de la película, y de cierta forma, desviar nuestra atención. En ese camino se nos presentarán relaciones retorcidasmarca de la casa, buenas idas y vueltas, giros interesantes que aparecen en momentos indicados, más una que otra escena de sexo bastante bien lograda. Todo esto sostenido sobre los hombros de las interpretaciones de las protagonistas, particularmente una espectacular Penélope Cruz (que está mejor que nunca acá), cuyo personaje pasa desde la alegría a la duda, o a la culpa, todos estados que la actriz transmite sin problemas.
(Spoiler desde acá...)
Yendo al detalle de la historia, no me ha complicado en absoluto el giro brusco que la película realiza en su recta final, resolviendo el dilema de "la niña cambiada" para pasarse de lleno a los resultados de la excavación. Esto considerando el que Almodóvar ha buscado en todo momentos que no nos olvidemos de ese asunto (mencionando cada cierto tiempo el avance del trámite o cuando Janis sostiene un diálogo/discusión con Ana en torno al tema de los desaparecidos). Tampoco he tenido problemas con que Janis logre llevar hacia el cierre una relación tranquila con Ana y su hija, pues resulta creíble que al seguir viendo a la niña la tristeza resulte llevable.
Donde si la película comete erroresno forzados es con algunas reacciones que no tienen mucho sentido lógico, como Janis entregando a la niña que ha amamantado y criado en absoluta calma, con un "¿tu sabes que te quiero?" en la frente (¡¿What?!) o Ana comparando con una sonrisa a su hija con la foto... de su abusador, situaciones que le restan credibilidad a un trámite que en general iba bastante bien.
Con todo, Madres paralelas sale bien parada, no está a la altura de las mejores obras de Almodóvar pero cumple de sobra en su misión de entrelazar dos líneas argumentativas que no era fácil unir, en ambas apelando fuertemente a la emoción.
¿Lo mejor? Que logra darle dramatismo creíble a la sección de telenovela y cuando apela al tema político lo hace con enorme respeto.
¿Lo peor? El par de reacciones mencionadas de las protagonistas. Errores no forzados de la película...
¿Dónde está? La vi en Netflix
Nominada a los Premios Oscar en las categorías Mejor Actriz (Penélope Cruz) y Banda Sonora.
En su línea habitual, el fantástico Pedro Almodóvar ha vuelto a entregarnos una buena historia centrada en las complejas relaciones que se generan entre seres humanos. Es el foco del español, desnudar a un personaje frente a nosotros, mostrarnos sus miedos y emociones pero también enseñarnos que es lo que lo ha llevado hasta allí. De esta manera conocemos a Salvador Mallo, un cineasta reconocido y exitoso pero cuya vida es un infierno, el hombre oscila entre dolores físicos y una fragilidad psicológica importante, la cual lo ha marginado del trabajo por lo que lo vemos constantemente deprimido al interior de su impresionante casa. Salvador lo tiene todo y nada a la vez. Desde aquí la película se dividirá en distintos capítulos que nos ayudarán a armar el puzzle de su vida. Conoceremos su infancia y relaciones de distinto tipo (de pareja, con su madre o con un actor que alguna vez protagonizó unas de sus películas) y su lucha contra sus peores fantasmas. Con un uso de los colores realmente espectacular y un reparto de actores de primerísimo nivel (Antonio Banderas desarrollando su mejor papel en años, si es que no el mejor de su carrera) “Dolor y gloria” es una interesante historia que se construye paso a paso (la película se toma su tiempo) y nos mueve a reflexionar respecto a cuanto pesa el enfrentar nuestros grandes temores y cuanto cuesta el no sumergirse en las depresiones, el no dejarse caer. Lo curioso es que esta vez (como pocas veces en su carrera) el protagonista ha sido un hombre. Y es que claro, todos entendemos que Almodóvar nos está hablando de si mismo. Habrá quienes critiquen el ritmo de la película y que “no pase nada”. Que durante casi dos horas no nos encontremos con ningún quiebre forzado que te vuele la cabeza ni un epílogo que te deje con la boca abierta. Y está bien. En la misma película el director nos lo advierte cuando el protagonista menciona que “los mejores actores son aquellos capaces de resistir la tentación del llanto”. Y si, que también los mejores directores son quienes te emocionan sin necesidad del recurso fácil, de aquello Almodóvar vuelve a dar cátedra en “Dolor y gloria”. Que no es la mejor película que le haya visto, quizás ni siquiera entra en un top 10 de su lista pero aún así me ha parecido fantástica.
Género: Drama/Comedia negra Dirección: Manuel Martín Cuenca
Protagonistas: Javier Gutierrez, Adelfa Calvo Duración: 110 minutos
Año : 2017
Álvaro es un tipo corriente, trabaja en una notaría pero sueña con ser escritor y "encontrar su propia voz". Para esto asiste a cursos, talleres y clases desde hace años. En este contexto lo conocemos, en medio de una crisis importante tras la separación con su esposa (escritora profesional, quien además acaba de lanzar un super ventas al mercado). Solo y desesperado, Álvaro encuentra en la escucha de ciertas conversaciones privadas el motor para inspirar su libro, asunto que más temprano que tarde comenzará a tomar inesperados caminos. "El autor" nos relata entonces la historia de un hombre en crisis y búsqueda, es un drama abordado con buen ritmo, un excelente uso del humor negro y mucha visceralidad tanto en materia de diálogos como en lo visual. En este sentido, varios son los méritos con que cuenta el filme, destacando el lograr que nos riamos de los personajes, de su cinismo y falencias además de entretenernos mediante un relato que, así como el camino de su protagonista, muchas veces no se entiende hacia donde pretende llegar, casi como si la película siguiese curso propio. Basada en la novela "El móvil" del escritor Javier Cercas, la película regala casi dos horas de un buen drama relatado con mucha desfachatez y buen humor. Vale la pena revisarlo. ¿Lo mejor? El diálogo descarnado en plena clase que Álvaro sostiene con su profesor. Extraordinario momento... ¿Lo peor? Que a ratos la película pierde el rumbo, por lo que el cierre resulta algo débil. ¿Donde la encuentro? Está en Netflix...
Protagonistas: Emma Suarez, Adriana Ugarte, Daniel Grao Duración: 90 minutos
Año : 2016 Para mi madre. Para ella y su incesante dolor...
Vamos a continuar (y cerrar 2016 de paso) con otra película que cuenta con la mirada femenina como argumento central. Tras el traspié en tono de comedia que resultó ser "Los amantes pasajeros" (2013), el gran Pedro Almodovar ha regresado retomando su linea más dramática y con una de las películas más tristes que probablemente haya dirigido en su carrera. Almodovar mete mano a sus clásicos flashback para relatarnos la historia de Julieta, una cincuentona que tras una vida aparentemente encaminada oculta un profundo dolor: el distanciamiento desde hace doce años con su hija. Aquella carga la lleva muy dentro, un calvario incesante que la persigue y con el que ha aprendido a convivir (no queda otra, ¿no?). Sin embargo, el encuentro con una vieja conocida la llevará a re abrir heridas y verse en la necesidad de comunicarse con el pasado. Durante 90 minutos entonces, Almodovar nos relatará este cuento de manera muy sencilla y dinámica. Una mirada respecto al origen de los hechos, explicaciones varias y desenlace (?). Su cine es, y siempre ha sido, acerca de las heridas que cargamos y en ese sentido, "Julieta" vuelve a meter el dedo en la llaga de manera sutil pero profunda, con el talento además de quien ha aprendido muchísimo sobre la marcha. "Julieta" es notable en su desnudez, en la sobriedad a la hora de mostrar los hechos, sin buenos ni malos, sin artificios ni quiebres forzados, acá no hay catarsis ni esas explosiones dramáticas que uno como espectador siempre desea ver, sino más bien una narración que fluye sin problemas y que, pese a su simpleza, jamás agota. Los cambios en el tiempo también están muy bien logrados y las personificaciones igual. Ahora, en lo personal me habría gustado presenciar una mayor indagación en la psicología de los personajes, sobretodo me pareció que la mente de Antía (hija de Julieta) daba para un aprovechamiento mayor, ahí nos quedamos con más preguntas que certezas, aunque claro, se entiende que las intenciones de la película precisamente pasaban por ahí, en dejar las preguntas instaladas. Porque todo está ahí: la culpa, el tormento, la fatalidad, la pérdida y el rencor, todo está tras la pantalla, solo debemos empatizar y armar el puzzle. Pedro Almodovar vuelve entonces en este 2016 a colocar las cosas en su lugar. Se la pasó de maravillas con "Los amantes pasajeros" pero ya era hora de volver al drama y abordar cicatrices de manera tan delicada como dolorosa. "Hay que vivirlo para entenderlo...", y así es no más.
Protagonistas: Javier Camara, Cecilia Roth, Carlos Areces, Lola Dueñas Duración: 90 minutos
Año : 2013
El GRANPedro Almodovar está de regreso y vuelve utilizando de lleno un género que desde hace más de 15 años no visitaba, la comedia. Durante esta última década lo tuvimos encaramado en el drama entregándonos obras de altísimo nivel tales como "Hable con ella" (2002), "La mala educación" (2004), "Volver" (2006) o "Los abrazos rotos" (2009) e incluso rozando la ciencia ficción con "La piel que habito" (2011) y pese a que sus cintas suelen poseer ganchos de humor negro, desde hace mucho que el hombre no se entregaba a realizar una comedia sin medias tintas. Lamentablemente el genio ha fallado y "Los amantes pasajeros" probablemente se cuele con el paso del tiempo como una de las peores películas que Almodovar haya realizado. Tampoco es que la cinta sea un asco. El problema es que en el intento de realizar una película ligera creo que al bueno de Pedro se le ha pasado la mano entregando un filme que, tal como el avión en donde se desarrolla toda la película, no termina yendo hacia ningún lado. "Los amantes pasajeros" no pasa de ser un cruce de historias que resultan simpáticas y un montón de gacs que individualmente entregan momentos graciosos pero en el global no sostienen la película. Insisto, hay momentos divertidos y la película derrocha el siempre irreverente sello de Almodovar (mucho sexo, alcohol y homosexuales) pero son solo eso, momentos.
La historia se desarrolla en un avión que viaja desde España a México. El problema es que la máquina presenta problemas con el tren de aterrizaje por lo que durante horas deberá simplemente dar vueltas por el aire hasta esperar alguna solución desde tierra, mientras tanto gran parte de los pasajeros son adormecidos con drogas y solo unos pocos notan lo que está sucediendo. Aparecerán acá una serie de personajes, con sus respectivas historias, algunas más divertidas que otras y unos azafatos gays que amenizarán tanto el vuelo como la película. Momentazo por cierto la coreografía de "I'm so excited" que estos realizan a medio filme, por lejos el instante más divertido que me encontré en la película. Muchos absurdos, bastante humor negro pasado de tono, grotesco incluso a momentos pero algo falta de chispa esta nueva película del gran Pedro Almodovar. Una muestra de que los genios también tienen sus patinazos...
Protagonistas: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan Duración: 100 minutos
Año : 2011
Voy a continuar con el tema de la obsesión, que por si sola ya es un defecto complicado de llevar, ahora obsesión mezclada con una profunda amargura con la vida ni hablar, psicópata seguro. Por ahí va el retorcido argumento que plantea esta buena película de suspenso, una de esas que se disfrutan sin problema de comienzo a fin logrando más de algún momento de alta tensión. Cesar (Luis Tosar) es conserje en un departamento. A simple vista parece ser un tipo atento y respetuoso, sin embargo, esconde dentro de si una enfermiza característica: no soporta la alegría del resto y , a modo de desafío personal,hará lo que se encuentre a su alcance para producir daño a quienes lo rodean. Su víctima será una joven nueva vecina cuyo gran pecado, a ojos de Cesar, será el ir y venir derrochando sonrisas por donde camina. Se desarrollará acá entonces una trama cargada al suspenso, con la que resulta fácil enganchar y que pese a caer en algunos momentos en sucesos algo increíbles, de todas maneras se acepta y disfruta.
Buena película, simple, directa pero bien lograda. Recomendada para pasar un buen rato e ir a la segura.
Protagonistas: Belén Rueda, José Coronado, Hugo Silva, Aura Garrido Duración: 100 minutos
Año : 2012
Nuevamente les traigo una cinta de suspenso creada con manual en mano aunque en esta ocasión, a diferencia de la anteriormente comentada "Tesis sobre un homicidio", los resultados son radicalmente distintos, acá el asunto funciona. Algunos podrán reparar en lo rebuscado del argumento, sin embargo... ¿qué sería del cine de suspenso sin los guiones retorcidos y las vueltas increíbles? Esto es cine, todo vale mientras te logre sumergir. La cinta comienza con un hombre corriendo desesperado en un bosque, arranca de alguien o algo. A poco andar sabremos que el tipo es guardia de una morgue, desde donde ha desaparecido el cadáver de Mayka(Belén Rueda), una exitosa empresaria recientemente fallecida a causa de un problema cardíaco. La desaparición del cuerpo provoca de inmediato una investigación en donde un el principal sospechoso es el marido de Mayka, un joven químico que despierta la sospechas del detective Jaime Peña(José Coronado) dada la tranquilidad con que el hombre ha enfrentado la muerte de su esposa. Estamos frente a la clásica película de suspenso y giros. Acá hasta el último momento no tienes claro cual es el verdadero desenlace del enigma, hay que estar muy atento a cada diálogo y se encuentran momentos de tensión muy bien logrados. Las actuaciones en general andan muy bien y quizás el único/lamentable asunto que tiende a incomodar en el desarrollo de la película es el essssssshhhhhhpañol de algunos actores, particularmente el de Aura Garrido, a quien se le entiende poco y nada dado lo rápido que lleva los diálogos. La película, entonces, hay que verla con un volumen relativamente elevado. Desde hace rato que el cine español viene bien en esto del suspenso, les ha quedado gustando esto de meter miedo y películas como "El mal ajeno", "Rec" (la primera, las otras dos no cuentan), "Los ojos de Julia", "La habitación del niño" o "El orfanato" han causado dejado buenas sensaciones. "El cuerpo" se suma a esta seguidilla de cintas bien desarrolladas que, si bien no descubren nada demasiado nuevo, al menos logran entretener de buena manera.
Protagonistas: Leonor Waitling, Javier Gutierrez Duración: 88 minutos
Año : 2006
Si andas buscando buen suspenso esta película está pensada para ti. Alex de la Iglesia, un tipo con el que se va a la segura (y esta vez no es excepción) trabajó esta cinta como parte de una serie de 6 largometrajes enmarcados en un proyecto español titulado "Películas para no dormir". Nos entregó entonces un filme que desarrolla una historia algo cliché (la casa embrujada, fantasmas y todo aquello) pero que se encuentra tan bien armadita que en ningún momento te defrauda.
Como mencionaba anteriormente, te encuentras acá con un montón de lugares comunes dentro del género del suspenso (para que mencionarlos, revísenlo por ustedes mismos) al punto de que la cinta pareciese por momentos tratarse de un tributo de parte del director hacia este tipo de películas, pero lo importante es que el asunto acá funciona, hay química entre la pantalla y nosotros, al menos conmigo se dio. La película es entretenida, mantiene una cuota de suspenso importante en gran parte de su trama y además cuenta con una cuota de humor negro que la torna más agradable la experiencia aún. Probablemente no estemos frente a la película más arriesgada ni original de Alex de la Iglesia, pero creo que la cinta debe enmarcarse en el contexto que en un comienzo cité, fue una película pensada para emitirse en televisión abierta, de ahí que se aprecie la clara intención de solamente hacer pasar un muy buen rato, asunto que definitivamente se logra. No se la pierdan.
Protagonistas: Eduardo Noriega ("Abre los ojos", "El método") , Belén Rueda, Angie Cepeda ("Pantaleón y las visitadoras")
Duración: 105 minutos
Año : 2010
Tercera película al hilo que comento en mi blog que se encuentra protagonizada por Eduardo Noriega. Esta vez el hombre encarna a Diego, un médico de urgencia que debido a su trabajo ha generado cierta insensibilidad frente al dolor ajeno , frente al sufrimiento de sus pacientes. Al mismo tiempose encuentra pasando por un difícil momento personal dada una reciente separación. Su vida se cruzará de pronto con el intento de suicidio de Sara, encuentro que modificará por completo la existencia de nuestro protagonista.
"El mal ajeno" se nos presenta en un inicio como un drama pero poco a poco comienza a internarse en el campo de la fantasía y quizás ahí es donde la película pierda un poco de fuerza. De todas maneras estamos frente a una de esas cintas que cruzan una serie de historias con el objeto de armar un interesante mapa que tu como espectador debes descifrar. Suspenso bien logrado, una buena cuota de dramatismo e interpretaciones de primer nivel (Noriega y Belén Rueda están impecables acá, dos actores que son garantía de calidad a estas alturas). Una película que no te arrepentirás de ver.
Protagonistas: Eduardo Noriega ("Abre los ojos", "Plata Quemada") , Najwa Nimri, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Pablo Echarri
Duración: 110minutos
Año : 2005
Seguimos con la mano de Marcelo Piñeyro, a quien mencioné en mi anterior comentario gracias a "Plata quemada", una película correcta pero que no logra brillar como si lo hace "El método", una de las mejores cintas que he visto en el último tiempo.Piñeyro vuelve a reclutar a Eduardo Noriega, a quien reúne junto a otros 7 excelentes actores y desarrolla un filme muy bien pensado, armado y ejecutado. En ese sentido todas las dudas que podría haber dejado la dirección de Piñeyro tras "Plata quemada" acá se disipan por completo.
Seis aspirantes a la gerencia de una importante empresa son encerrados en una sala con objeto de ser sometidos a una serie de pruebas relacionadas con la interacción entre individuos, todo esto por supuesto es parte de un novedoso método de selección de personal que pretende evidenciar las particulares características y debilidades de cada uno de ellos. Se generará con esto una película que no da espacio al aburrimiento, de la mano de una trama cargada a la intriga "El método" nos mantiene todo el tiempo atentos y con ganas de saber más y más del asuntito.
Piñeyro aprovecha la cinta (basada por cierto en la obra "El método Grohnholm" de Jordi Galcerán) para esbozar una crítica al mundo de las empresas multinacionales y el como la necesidad de ascender dentro de una sociedad termina sacando lo peor de cada persona. Esto enmarcado en un tono fílmico muy visceral tanto desde el aspecto psicológico de los personajes como visual (no recuerdo, por ejemplo, una película que mostrase explícitamente un montón de semen en la mano de un hombre).
Y bueno, no hay mucho que agregar. "El método" es una excelente película, dinámica, bien armada e interpretada por una montonera de buenísimos actores que sin duda le entregan un carisma especial a cada uno de los personajes que acá se muestra. Una de esas cintas con la que los minutos se te pasan demasiado rápido. Recomendable de comienzo a fin.
