Bendita sea la novia del torero. Los tristes que se ríen de la tristeza. Los calvos que se quitan el sombrero, ante la dignidad y la belleza... Benditos sean.
Género: Drama Dirección: Robert Eggers Protagonistas: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie Duración: 90 minutos Año: 2015
A propósito del próximo estreno de The northman (la próxima semana, el 22 de abril llega a los cines), viene bien hablar del debut de Robert Eggers en 2015, sobre todo considerando que a propósito de The witch fue que el director comenzó a generar un interés particular en torno a sus obras. En esta, el joven estadounidense (38 años tiene, 32 cuando filmó esta película) desarrolló una película de terror psicológico, metiéndose con la religión, supersticiones, esforzándose a la vez en desarrollar personales interesantes que sostuvieran el trámite. Y lo logra. El resultado fueron 90 minutos que te sumergen en su mundo y que, para ser el debut de un director, estuvieron más que bien.
Ambientada en la "Nueva Inglaterra" en los inicios del Siglo XVII, en una sociedad aún medieval y extremadamente religiosa, The witch es una singular película de terror. Esto porque lejos de recurrir a los sustos típicos o de impacto, el filme intenta meterte en una atmósfera de suspenso psicológico, incorporando también elementos violentos en el trámite, narrando la historia de una familia que debe abandonar su pueblo y auto sustentarse en un lugar lejano, donde una serie de disturbios irán complicando las cosas. Destaca acá el ritmo de la película (90 minutos son precisos para lo que se cuenta) y las excelentes actuaciones, destacando un absolutamente convincente Ralph Ineson (el padre de familia), orgulloso, obcecado y fanático religioso, y Anya Taylor-Joy (la protagonista de Gambito de dama, por si alguien no la ubica) que en su rol de hija también está notable.
Robert Eggers logra mucho con poco acá, en la línea de películas como The Village (2004, M.Night Shyamalan), pero yendo bastante más lejos en su recta final, haciendo un mix con leyendas y supersticiones demoníacas, además de llevar al extremo tanto al cristianismo culposo como el desarme mental a cada uno de los personajes de la película. Vale la pena verla.
¿Lo mejor? Que escapa del terror típico y sale bien parada.
¿Lo peor? El desenlace puede a algunos deje con gusto a poco.
Género: Drama Dirección: Sian Heder Protagonistas: Emilia Jones, Troy Kotsur, Marlee Mattlin, Eugenio Derbez Duración: 110 minutos Año: 2021
Entre tanta película sesuda viene bien en ocasiones disfrutar una sencilla, a la vieja usanza como es el caso de Coda ("Child of deaf adult") de Sian Heder. Un filme sencillo, predecible y bonito. La historia de una joven inmersa en una familia de sordos, por lo que se ve inmersa en la dificultad de tener que lidiar entre ser "la intérprete" de su padre/madre, y sus propias ambiciones.
La película se desarrollará en una línea bastante comprensible y amena, con una primera parte que entrega buenos momentos de comedia para en su segunda parte pasarse directamente a la tensión y el drama. Entre medio, conoceremos las idas y vueltas de Ruby (Emilia Jones), quien deambula entre el trabajo y sus estudios, fuera de enfrentar la posibilidad de desarrollar sus habilidades de canto junto a un profesor (Eugenio Derbez) que intentará constantemente motivarla. Coda triunfa en todo aquello que se propone, nos hace reír cuando debe hacerlo y también lloramos junto a la historia cuando se nos provoca para aquello, y ahí, el rol de Troy Kotsur (actor efectivamente sordo, que como a estas alturas todos sabrán ha ganado un Oscar por su labor) es extraordinario, quien sostiene sobre sus hombros los momentos más efectivos de la película. Con él reímos y lloramos, sin necesidad de una sola palabra, solo gestualidad.
En definitiva, una historia bonita y emotiva pero también bastante predecible. Coda es una (muy) buena película en lo suyo, no me mal interpreten, pero mucho más allá de eso no llega. Simbólicamente, el que haya contado con la participación de actores y actrices sordas le entrega al filme un elemento tremendamente potente y digno de ser destacado, sin embargo, en términos de guión, la película se sabe por donde irá y si bien emociona, no sorprende.
¿Lo mejor? Troy Kotsur.
¿Lo peor? Es una película bastante tradicional.
¿Dónde está? Está en Amazon Prime.
Ganadora en los Premios Oscar como Mejor Película, Actor de reparto (Troy Kotsur) y Guión Adaptado.
Nominada a los Globos de Oro como Mejor película y Actor de reparto.
Género: Comedia/Drama/Romance Dirección: Joachim Trier Protagonistas: Renate Reinsve, Anders Danielsen, Herbert Nordrum Duración: 120 minutos Año: 2021
No debe ser nada fácil construir una película que se mueva en el tono del dramedy, digamos, yendo todo el rato desde el drama a la comedia (o viceversa) con momentos que te parecen divertidos pese a que en el fondo escondan cierto dramatismo, como ocurre con The worst person in the world ("La peor persona del mundo"), película noruega que ha sido nominada a los Oscar como mejor película extranjera y también mejor guión original.
Joaquim Trier divide su película en 12 actos, un prologo y un epílogo, los cuales se suceden en orden cronológico, lo cual ayuda a comprender la historia a la primera sin problemas. Desde ahí la película declara intenciones y se plantea como algo liviano, en cuyo tono el director intentará meternos varios temas, pero principalmente uno: la inconformidad de alguien que aparentemente lo tiene todo (evidentemente no me refiero a lo material), pero no sabe que hacer con ello.
Julie es una joven que se acerca a los treinta años (pequeño detalle: no los parece, se ve algo mayor para lo que nos dicen), indecisa respecto a que estudios seguir, lo mismo que en materia de relaciones. Feminista y libre, va por el mundo haciendo y deshaciendo pero sin encontrar un lugar donde instalarse. Cuando cree (o quiere creer) que lo tiene, pues ya no lo quiere. El retrato por tanto de un personaje que superficialmente parece profundo pero escarbando luce bastante vacío, funciona y a momentos resulta algo desolador.
Encontramos en la película un tilín de las comedias de parejas de Woody Allen y algo también (en el tono drama/comedia) de la reciente Druk ("Otra ronda", de Thomas Vinterberg), una que otra escena memorable (aquella en donde el mundo se detiene es brillante, así como el acto del "ser infiel" quedó bastante bueno), bastante de la cultura actual post "me too", aunque también momentos que se vuelven algo largos (sobre todo hacia el cierre) donde el asunto gira bruscamente hacia el drama y pareciese que la dirección no sabe bien como cerrar esto.
El principal defecto que le he encontrado a la película es que pudiendo ir hacia muchas direcciones acaba por ir a ninguna. Con todo, The worst person in the world cumple y en su tono liviano logra instalar buenas reflexiones pero al mismo tiempo deja todo en el aire. Funciona mejor como comedia (oscura, cruel) que como drama.
¿Lo mejor? El tono ambivalente, sobre todo en su primera mitad.
¿Lo peor? Que cuando va al drama, no funciona tan bien y resulta algo agotadora.
¿Dónde la vi? Está en PopCornTime.
Nominada a los Premios Oscar como Mejor Película Extranjera y Guión Original.
Género: Drama Dirección: Jane Campion Protagonistas: Benedict Cumberbatch, Kodi Smith Mc-Phee, Jesse Plemons, Kirsten Dunst Duración: 120 minutos Año: 2021
El colmo de los colmos viene a ser el que en pleno Siglo XXI sean mujeres quienes vengan a hablarnos del yugo que en muchos casos conlleva la masculinidad, pero bueno, es que "si Mahoma no va a la montaña...". El caso es que Jane Campion ha sabido construir una verdadera maravilla que se mueve con mucho cuidado, dejándonos pistas y simbolismos en el camino para tras dos horas de película lograr llegar a su punto con efectividad y elegancia. En dicha ruta conoceremos a dos hermanos, Phil (Benedict Cumberbatch) y George (Jesse Plemons), "el fuerte y el débil", sobre los cuales se construirá este drama de giros, que aparentará ser algo para lentamente ir transformándose en otra cosa, aunque el eje transversal sera siempre uno: el peso de lo que significa ser hombre en una sociedad que lleva el machismo en las venas.
De esta forma, prácticamente el peso de toda la película recae en los hombros de Phil, un hombre incapacitado para canalizar de manera adecuada sus emociones. Esto lo apreciamos todo el tiempo, cuando maltrata o desprecia a su hermano (a quien ama, pero trata de "gordo" o le expresa que las mujeres solo estarán con él por interés, entre otras cosas), cuando en la mesa de un comedor decide a gritos hacer callar a quienes están pasando un buen rato o maltratar al joven mesero, a quien se referirá más tarde como un "retardado". Phil es un hombre violento, misógino y homofóbico, reúne y representa varios de los tóxicos comportamientos que los hombres durante siglos hemos naturalizado, pero insisto, más allá de estos, el principal lastre de este personaje será su incapacidad para entender y/o enfrentar su propia emocionalidad. De esta forma, cuando se entera que su hermano George contraerá matrimonio con una mujer viuda llamada Rose (Kirsten Dunst), siente celos, pero en lugar de expresar esto a su hermano decide desquitarse con un caballo y golpearlo a antojo, u hostigar insistentemente a esta mujer (e hijo).
En la vereda de enfrente Jane Campion nos presentará a dos personajes masculinos más, que representarán a aquellos hombres que acaban también siendo víctimas del machismo: el ya mencionado George y a Peter (Kodi Smith-McPhee), el sensible hijo de Rose. Es el primero quien, tras su matrimonio con Rose, emocionado se dirige a ella y le dice: "Sólo quería decirte lo agradable que se siente el no estar solo", en una línea que por si sola representa el alma de The power of the dog, una constante metáfora respecto a la soledad que implica el ser hombre.
El tridente será completado por el joven Peter, cuya sensibilidad le permitirá generar en la segunda parte de la película un particular vínculo con Phil. De hecho, todas las escenas en que estos interactúan son realmente espectaculares, de una delicadeza en los detalles que impacta, pero si tuviese que graficar esto en un elemento, este sería la figura de "la cuerda", la cual representa tanto para Peter como para Phil algo diferente, pero el como esto se une hacia el cierre de la película es algo sencillamente magistral. El caso es que este vínculo acabará por modificar en la segunda hora de filme todo lo que habíamos creído entender respecto a este, pues Jane Campion con gran talento sabe jugar a placer con los roles de víctima y victimario durante toda la película, finalmente expresando con claridad que aquello no es más que un juego absurdo, pues en este asunto, absolutamente todos como comunidad somos víctimas.
A destacar acá las actuaciones, con un Benedict Cumberbatchextraordinario, quien sin jamás salir del personaje logra expresar distintos momentos emocionales únicamente en base a gestos, tonos y miradas. De igual forma quienes lo acompañan lucen de maravillas, sin embargo, en esto hay bastante mérito en la dirección, la cual sabe sacar mucho partido a los silencios y las expresiones breves, de hecho, en general la película insinúa más de lo que dice y desarrolla más momentos simbólicos que explícitos, en dos horas de película que no tienen desperdicio y donde todo, absolutamente todo cuenta. Una verdadera obra maestra.
¿Lo mejor? La sutileza con que la película expresa la carga que conlleva la masculinidad tóxica. También el escapar todo el tiempo de la lógica de "buenos y malos". No hay buenos ni malos acá, como en la vida misma...
¿Lo peor? Se le podrían buscar detalles, por buscarle, el que la cita bíblica del cierre podría estar demás o algún otro en el desarrollo de los hechos, pero sería cualquiera sería realmente un pelo en la cola.
¿Dónde está? Está en Netflix.
Nominada a los Premios Oscar como Mejor Película, Dirección (Jane Campion), Actor (Benedict Cumberbatch), Actriz Reparto (Kirsten Dunst), Actor Reparto (Jesse Plemons), Guión Adaptado, Banda Sonora, Montaje, Fotografía y Sonido.
Género: Drama / Maternidad / Política Dirección: Pedro Almodovar Protagonistas: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy De Palma Duración: 120 minutos Año: 2021
Tras haberme devorado las dos horas de Madres paralelas mi sensación es que Pedro Almodóvar ansiaba realizar "su película política", en este caso con referencias evidentes a la memoria histórica. ¿Pero cómo hacerlo sin ponerse pesado? ¿Sin que te quede un ladrillo? Pues bueno, metiendo mano a lo que mejor sabes hacer: el cruce de historias melodramáticas cual telenovela de media tarde. Y eso es lo que ha hecho el director español, sumergiéndonos en un retorcido culebrón de los suyos, aunque procurando nunca olvidar el trasfondo político del filme.
Sin ir muy lejos, este abre con Janis (Penélope Cruz) en la búsqueda de alguien que pueda gestionar la excavación de unas fosas en su pueblo natal, donde se cree podrían encontrarse los restos de su abuelo, ejecutado durante la Guerra Civil Española de los lejanos años 30. Almodóvar declara intenciones en esos diez minutos iniciales para luego meternos la trama de telenovela que consumirá gran parte de la película, y de cierta forma, desviar nuestra atención. En ese camino se nos presentarán relaciones retorcidasmarca de la casa, buenas idas y vueltas, giros interesantes que aparecen en momentos indicados, más una que otra escena de sexo bastante bien lograda. Todo esto sostenido sobre los hombros de las interpretaciones de las protagonistas, particularmente una espectacular Penélope Cruz (que está mejor que nunca acá), cuyo personaje pasa desde la alegría a la duda, o a la culpa, todos estados que la actriz transmite sin problemas.
(Spoiler desde acá...)
Yendo al detalle de la historia, no me ha complicado en absoluto el giro brusco que la película realiza en su recta final, resolviendo el dilema de "la niña cambiada" para pasarse de lleno a los resultados de la excavación. Esto considerando el que Almodóvar ha buscado en todo momentos que no nos olvidemos de ese asunto (mencionando cada cierto tiempo el avance del trámite o cuando Janis sostiene un diálogo/discusión con Ana en torno al tema de los desaparecidos). Tampoco he tenido problemas con que Janis logre llevar hacia el cierre una relación tranquila con Ana y su hija, pues resulta creíble que al seguir viendo a la niña la tristeza resulte llevable.
Donde si la película comete erroresno forzados es con algunas reacciones que no tienen mucho sentido lógico, como Janis entregando a la niña que ha amamantado y criado en absoluta calma, con un "¿tu sabes que te quiero?" en la frente (¡¿What?!) o Ana comparando con una sonrisa a su hija con la foto... de su abusador, situaciones que le restan credibilidad a un trámite que en general iba bastante bien.
Con todo, Madres paralelas sale bien parada, no está a la altura de las mejores obras de Almodóvar pero cumple de sobra en su misión de entrelazar dos líneas argumentativas que no era fácil unir, en ambas apelando fuertemente a la emoción.
¿Lo mejor? Que logra darle dramatismo creíble a la sección de telenovela y cuando apela al tema político lo hace con enorme respeto.
¿Lo peor? El par de reacciones mencionadas de las protagonistas. Errores no forzados de la película...
¿Dónde está? La vi en Netflix
Nominada a los Premios Oscar en las categorías Mejor Actriz (Penélope Cruz) y Banda Sonora.
Género: Drama / Maternidad Dirección: Maggie Gyllenhaal Protagonistas: Olivia Colman, Jessie Buckley, Dakota Johnson, Ed Harris, Peter Sarsgard Duración: 120 minutos Año: 2021
Es evidente que la industria del cine de occidente está abriendo amplias puertas a la presencia de directoras mujeres, casi a modo de disculpas por haberlas ignorado durante tantos años. En este caso, la gran Maggie Gyllenhaal hace su debut mediante una película basada en una novela de Elena Ferrante, la cual realiza una reflexión en torno a la maternidad, desde la mirada de mujer. De esta forma, The lost daughter ("La hija oscura" en las siempre extrañas traducciones de Netflix ) centra su argumento en Leda (Olivia Colman), una mujer madura que se encuentra de vacaciones en Grecia. Ahí, observará a una joven madre, cuyo desencanto inevitablemente la conectará con su pasado, por lo que mediante una serie de flashback realizaremos un viaje hacia su historia, pesares y contradicciones.
(Spoiler desde acá)
En ese camino, cuando la película vuelve es cuando mejor funciona, con una Jessie Buckleynotable en la personificación de una Leda joven completamente frustrada, angustiada y deprimida a causa de su labor de madre, fuera de sentirse presa de una relación equivocada. La directora juega entonces con la idea de los paradigmas impuestos y el cambio de roles históricos, colocándonos frente a una mujer que opta sin temor por su libertad, desapareciendo de la vida de sus hijas por tres años, y dejando al hombre a cargo. Aunque claro, bien sabemos (y así nos lo explicitará la película) que no será él, sino otra mujer (la abuela de las crías) y quien acabará cumpliendo el rol. Y bueno, en todo esto la película logra su cometido, siendo clara y efectiva, explicando lo que hay que explicar y dejando lo demás a la mente del público. En el resto, sin embargo, fallará...
The lost daughter no ahondará en todo aquello que ha ocurrido entre dichos sucesos y el presente, en la relación entre Leda y sus hijas, el juicio de su familia o similares, sino más bien en la decisión y el porque de esta, e insisto en que el punto fuerte está en el dramatismo del pasado porque cuando la película va al presente cae en algunos fallos, principalmente por alargarse demasiado en algo que no parece cuajar, con algunos personajes que están en escena pero pintan poco y nada (el de Ed Harris, por ejemplo, jamás se entiende porque tiene tantos minutos), además de algunas escenas que confunden más que aclaran, como todo el rollo de la muñeca que acaba sin entenderse, siendo que es evidentemente central en el argumento. Finalmente la película pareciese estirarse de manera innecesaria sin que pase mucha cosa para en los últimos 20 minutos meterte una escena climax generando un desenlace abrupto...
De todas maneras el debut de Maggie Gyllenhaal ilusiona. Su película triunfa en la idea de instalar la reflexión en torno a la maternidad y el dilema de la liberación, pero falla cuando debe transmitir con claridad algo que seguro en el libro está mejor explicado. Es que sabemos nunca es fácil adaptar un texto a la pantalla...
¿Lo mejor? Todos los flashback, con una Jessie Buckley espectacular como suele ser...
¿Lo peor? Que la película se gasta "en el presente" entre simbolismos que se alargan demasiado para dejar mucha cosa en el aire.
¿Dónde está? La vi en Netflix.
Nominada a los Premios Oscar en Mejor Actriz (Olivia Colman), Actriz Reparto (Jessie Buckley) y Guión Adaptado.
Tras una larga pasada dirigiendo películas comerciales ("Thor", "La cenicienta", "Asesinato en el expreso oriente", "Artemis Fowl"), Kenneth Branagh ha querido reencontrarse con su cine y también su historia. Ha filmado entonces una película biográfica, que viaja hacia su infancia en Belfast en medio del conflicto bélico/religioso desatado a fines de los años 60, y para esto utiliza un recurso que hemos visto en otras ocasiones (sin ir demasiado lejos, un par de años atrás con Jo Jo Rabbit de Taika Waititi): la del conflicto visto por los ojos inocentes de un niño. Desde ahí, el asunto desde un comienzo y en todo su desarrollo pierde algo de novedad, aunque funciona, también el blanco/negro o el que abra en su primera media hora instalando esa lucha absurda entre adultos, que se ve presiente explotará mal en el seno familiar del niño protagonista...
La película transmite el cariño de Branagh hacia el barrio de su infancia y también instala su acercamiento con el mundo del cine, para esto utiliza tomas tras tomas muy cuidadas que efectivamente generan conexión. En ese sentido, Belfast es muy visual, sin embargo, descuida el guión, donde algo (o todo) pareciese nunca acabar de cuajar como corresponde, como si la crisis siempre se insinuase pero nunca llegase a puerto. La pareja que va y viene, el rollo de los abuelos, el niño que vive situaciones simpáticas, un joven acosa a la familia pero no pasa nada, y así, corren y corren los minutos hasta llegar a una fiesta final, con una preciosa 'Everlasting love' sonando de fondo pero que no entendemos que pinta acá, dejándonos un global bonito, un collage de situaciones pero no mucho más.
Belfast es preciosa desde lo visual y está hecha con cariño. Es evidente que Kenneth Branagh ha querido hacer una obra artística llena de poesía escapando de lo obvio... pero no le ha cuajado. Quizás el haber estado tanto tiempo dirigiendo a pedido hizo lo suyo.
¿Lo mejor? El cariño que transmite.
¿Lo peor? Demasiado correcta, como una postal.
¿Dónde está? La descargué en yts.
Nominada a los Premios Oscar como Mejor Película, Dirección, Actor de Reparto (Ciarán Hinds), Actriz de Reparto (Judi Dench), Guión Original, Canción ("Down to joy") y Sonido.
