Bendita sea la novia del torero. Los tristes que se ríen de la tristeza. Los calvos que se quitan el sombrero, ante la dignidad y la belleza... Benditos sean.
Género: Drama / Género / Religión Dirección: Martin Koolhoven Protagonistas: Guy Pearce, Dakota Fanning Duración: 150 minutos Año: 2016
Curiosa película me encontré hace unas semanas, la cual decidí descargar básicamente a causa de Guy Pierce, que me parece un actor que suele cumplir, y bueno, esta no ha sido la excepción. Ambientada en los Estados Unidos de fines del Siglo XIX, Brimstone enmarca su historia en un contexto de pobreza y precariedad, donde la religión (como suele aún ocurrir) tomó dominio de la población y junto con ella tomó fuerza un machismo exacerbado, enfermizo y llevado al límite. En aquel mundo es que conoceremos a un alienado predicador (Guy Pierce), en extremo misógino y que tras hacerle la vida imposible a su esposa decide abusar, violentar y perseguir por cielo, mar y tierra a su hija Liz (Dakota Fanning).
La historia es fuerte y consigue en su trámite provocar el que nos indignemos frente a lo que vemos, la injusticia, el abuso y la impunidad. Además está narrada de manera singular en cuatro actos desordenados de media hora cada uno aproximadamente, lo cual le aporta un elemento atractivo a la comprensión de la historia. Sin embargo, también hay problemas que lastran bastante el asunto. Principalmente el que la película se vuelve demasiado larga. Dos horas y media son demasiado para una historia cuyo objetivo es tan puntual y esto provoca el que la trama se extienda incluso de manera ridícula, con un personaje que acaba hacia el cierre transformándose en una especie de Terminator indestructible en busca de su respectiva Sarah Connor, lo cual le resta bastante humanidad a lo que muestra la primera mitad de cinta.
Brimstone es una película interesante, con una crítica ácida al fanatismo religioso y al abuso que el cristianismo impuso sobre las mujeres, particularmente en los Estados Unidos post 1800. Hay acción cada cierto rato y eso la vuelve llevable. Lamentablemente se extiende de manera innecesaria, incurriendo en fallos que le restan bastante, con un desenlace predecible que perfectamente pudo llegar media hora antes.
¿Lo mejor? El retrato de un ambiente dominado por una enferma moral religiosa.
Género: Drama Biográfico Dirección: Reinaldo Marcus Green Protagonistas: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis Duración: 135 minutos Año: 2021
Le tenía ganas a esta película. Había leído/escuchado que Will Smith iba fijo por el Oscar con la historia del padre de las hermanas Williams, así que me senté gozoso el fin de semana pasado a disfrutar de este drama biográfico. Y bueno, ¿Con qué me encontré? Efectivamente con una película hecha para y por el lucimiento de Will Smith, quien encarna a un padre de familia (con cinco hijas) obsesionado con la idea de que sus hijas poseen un talento innato para ser tenistas. Desde pequeñas, por tanto, se ha dedicado a prepararlas en el deporte (¿él y su esposa son ex deportistas? ¿Una especie de atletas frustrados? La película no lo deja claro aunque se intuye algo de eso) y a buscarles incansablemente un entrenador para ambas, y bueno, como bien sabemos, de alguna forma lo logrará...
Desde aquel punto de partida debo admitir que me costó tragar la primera media hora de película. Percibí en el aire la idea del "sueño americano", de aquel personaje sufrido (con un temple a prueba de todo) que encontraría el éxito tras años de frustración, sumado a un ensalzamiento descarado de la figura del protagonista, e inevitablemente se me vino a la memoria The pursuit of happiness ("En busca de la felicidad") de 2006, también protagonizada por Will Smith (y con la que fue nominado al Oscar). Me sentí entonces de entrada un poco manipulado y con la idea del "vamos, que esto ya lo hemos visto", lo cual me mató un poco la pasión. Ahora, con igual énfasis debo comentar que a poco andar King Richard me volvió a enganchar, porque méritos tiene...
Durante el desarrollo de la película se reitera bastantes veces (hasta el cansancio, de hecho) la idea de que Richard Williams tenía un plan (casi religioso) designado para sus hijas pero con un matiz relevante: este plan iba de la mano con un componente valórico no menor. A Richard Williams (o al menos eso es lo que nos intentan vender) no le interesaba "el éxito por el éxito" o el que sus hijas triunfasen para simplemente dejar de ser pobres. De hecho, no las vende, pese a las múltiples oportunidades que se le presentan en el camino, le interesa proteger la infancia de sus niñas en lugar de entregarlas a un mercado que las estrangularía a pronta edad. Aspecto que se refuerza cuando lo vemos intentando explicarle a sus hijas la importancia de conservar la humildad ante el triunfo. En todos esos momentos, la película suma puntos...
También cuando cada cierto rato se humaniza al protagonista y se le baja a terreno mortal, dejando a entrever sus carencias (aunque jamás adentrándose en ellas, hay que decirlo). Denotan su machismo, por ejemplo, y regalan una escena donde invisibiliza la labor de su esposa, así como se mencionan hijos que habría tenido fuera del matrimonio (los cuales "lo encontraron")o el que tomaba decisiones completamente solo sin interesarle alguien que no fuese él mismo. El resto será cliché bien armado, aunque con algunos hilos que no conectarán del todo. Por mencionar uno, en un momento vemos a un grupo de tipos molestando a sus hijas y enfrentándolo a golpes. Luego estos jóvenes salen de la película (de manera bastante burda además) por lo que su aparición acaba pareciendo forzada. Dicho en simple: los podrías sacar y no pasa nada.
Con todo, King Richard es un bio pic hecho para el lucimiento de Will Smith (que lo hace excelente, hay que decirlo), que en general funciona y seguro más de algún Oscar se llevará. En el contexto de ser una película bastante tradicional, está bien, hay emoción y momentos tensos a caudal, y en sus dos horas de extensión posee un ritmo más que aceptable.
¿Lo mejor? Los momentos en que se humaniza al protagonista y que, si te gusta el tenis, te la vas a gozar...
¿Lo peor? Que ojalá se hubiese indagado más en las carencias del protagonista...
¿Dónde la vi? La descargué en yts.
Ganadora Oscar Mejor Actor (Will Smith).
Nominada en las categorías Mejor Película, Mejor Actriz Reparto (Aunjanue Ellis) y Mejor Edición.
¿Buscando una película diferente? Vamos con una película diferente.
Inmersa entre las montañas nórdicas, desde su sola estética Lamb llama la atención. Sus colores, la frialdad y soledad de los paisajes armarán un conjunto ideal para la (extraña) historia que se nos muestra, una llena de simbolismos, referencias y singularidades, protagonizada además por la siempre notable Noomi Rapace, por lo que realmente poco más se puede pedir.
Contemos primero lo que se puede contar, luego iremos al spoiler donde meteré mis interpretaciones. Se nos presenta acá a una pareja aislada del mundo que se dedica a criar corderos. A poco andar se nos insinuará que esta pareja ha vivido una pérdida ("Ojalá fuese posible retroceder el tiempo..." - afirma la protagonista en un desayuno), y más adelante lo confirmaremos (Ada se llamaba su hija), pero todo cambiará el día en que encuentran una retorcida (y sobre natural) manera de aliviar su dolor. El resto hay que armarlo en una de esas películas que hay que ver más de una vez para pillarle los detalles, los cuales comienzan con fuerza en la primera escena, es más, me atrevería a afirmar que en los primeros cinco minutos de cinta está la explicación para todo, el punto es que no lo vemos, está ahí pero no lo sabemos. Y bueno, si no has visto Lamb mi consejo es que vayas por ella y luego vuelvas acá a seguir leyendo, que la experiencia lo merece...
(Spoiler desde acá)
Lo dicho, que el asunto abre con un grupo de caballos en la nieve (preciosa toma por cierto), los cuales se encuentran con un extraño ser del que solo escuchamos su respiración. Los caballos arrancarán y el ser apuntará su mirada hacia una lejana casa. Entraremos con él a un rebaño repleto de corderos temerosos, nuevamente con la respiración ahí entre los animales. Finalmente conocemos a la pareja protagonista, quienes elegantes se sirven una cena mientras el ser les observa desde afuera. ¿Un ritual? Puede ser... Y claro que puede ser considerando lo que vemos a continuación: la pareja colabora en el nacimiento de un cabrito al cual deciden adoptar y tratar como a una hija, a quien también le llaman Ada.
Y desde ahí, todo fluirá sin problemas. El animal se comportará de inmediato como un bebé (es hermoso incluso verlo beber leche desde una botella) para luego poco a poco adoptar un cuerpo humano, y pese a lo bizarra de la situación, la pareja abandona su estado de tristeza y comienzan a vivir un renacer emocional e incluso sexual, no sin antes protagonizar un conflicto "entre madres" o la llegada del hermano del protagonista, quien observa y cuestiona la aparente locura que está presenciando.
La película por tanto juega a dos bandas.La parte sencilla (y la más evidente) es la historia de una pareja que realiza un pacto con el diablo para reemplazar una pérdida, este aceptará el trato aunque luego volverá para tomar lo suyo. En paralelo, sin embargo, hay referencias evidentes al cristianismo (sin ir muy lejos, ella se llama María) y a la inconsciencia del ser humano respecto a sus actos, su egoísmo y hasta donde es capaz de llegar (o vulnerar) en pro de su "felicidad", transformando incluso la naturaleza de las cosas (algo de animalismo hay en la película).
La película puede entenderse también como un cuento, una fábula fantástica con moraleja incluida. ¿Justifica el dolor el que tomemos cualquier tipo de decisión para aliviarnos? ¿Incluso a pesar del sufrimiento del resto? Como sea, Lamb me resultó una experiencia fascinante, diferente y digna de ser revisada con cuidado. Absolutamente recomendable.
¿Lo mejor? Lo original de la propuesta.
¿Lo peor? Los simbolismos por momentos son demasiado sutiles y difíciles de captar.
¿Dónde la vi? No está (por ahora) en plataformas. La descargué en yts.
Género: Política Dirección: Mike Nichols Protagonistas: John Travolta, Emma Thompson, Kathy Bates, Billy Bob Thornton, Adrian Lester, Maura Tierney Duración: 140 minutos Año : 1998
Vamos con una (ya) viejita... Es que si te gusta la política, esta te la vas a gozar. Yo la había visto en su momento, veinte años atrás, y ahora, pasado tanto tiempo la he vuelto a buscar y la volví a disfrutar como cuando adolescente. ¿Las razones? Varias. Primero el contar con un elenco que incluye a notables figuras noventeras que por ese entonces eran garantía de nivel (ya solo con el combo Emma Thompson + Kathy Bates el asunto se sabe volará) pero también por lo que la película nos quiere mostrar: los entretelones tras bambalinas del ajetreo político que rodea una campaña presidencial, jugando todo el tiempo con el morbo pero coqueteando siempre con la comedia y el drama.
En este caso, el contexto es el Partido Demócrata y la figura de Jack Stanton, un bonachón gobernador del sur de los Estados Unidos (encarnado por John Travolta), en un guiño EVIDENTE a la figura de Bill Clinton, que a fines de los noventa aún era alguien relevante en la escena. De esta forma, la película confronta desde su primera escena el idealismo de la juventud con el pragmatismo de la realpolitik, vemos así al gobernador llorando ante un grupo de adultos que no han acabado sus estudios secundarios para cinco minutos después cogerse a una profesora frente a los ojos de todo su equipo. El cinismo, la hipocresía, el abuso de poder y el machismo, por tanto, son ejes centrales en una película que luce gracias a su buen ritmo y lo dicho en un comienzo, la aparición de personajes femeninos enormes, sobre todo el de Emma Thompson, quien está inmensa haciendo de Hillary transmitiendo su impotencia ante un mundo que, como mujer, no puede cambiar. Por cierto, la lista de secundarios también funciona a la perfección.
La película quizás se extiende demasiado, con un John Travolta que honestamente jamás parece encajar completamente con la altura que requiere su personaje, y en su recta final intenta dramatizar de manera algo forzada, pero con todo, es un manjar. Finalmente esta logra instalar el dilema: el poder está ahí, esperando por quien luche por el, sin embargo... ¿estará cualquiera dispuesto a pagar el costo?.
¿Lo mejor? Esa constante sensación de no saber si reír, llorar o vomitar con lo que ves.
Género: Drama Dirección: Derek Cianfrance Protagonistas: Ryan Gosling, Michelle Williams Duración: 110 minutos Año : 2010
Películas de relaciones hay miles pero pocas, sin embargo, han decidido abordar el crudo sub género del desgaste y/o rupturas. Recientemente tuvimos Marriage Story ("Historias de un matrimonio" de 2019, una que espero algún día abordar acá en mi querido blog) pero no son demasiadas las que osan meterse en líneas tan complicadas. El caso es que una década atrás Derek Cianfrance entró ahí construyendo un verdadero neo clásico, una película que de mostrarse en los colegios quizás ahorraría varios desastres posteriores.
Las grandes verdades de la vida suelen ser más sencillas de lo que creemos y Blue valentine va por ahí, mostrándonos el presente de una pareja cuya decadencia está desatada, donde ambos intentan (él más que ella para ser justos) sobre llevar la rutina, el desgaste y la desmotivación, sin embargo, mediante una serie de flashback la dirección con inteligencia va mostrándonos la raíz del problema, desde donde vienen y el porque están juntos, para así llegar a una dramática línea que acaba resumiendo todo: lo que comienza por razones equivocadas, terminará mal.
Dónde no hay, no habrá. Aquella idea se transmite de manera perfecta en la dupla protagonista, con Ryan Gosling encarnando a un hombre/niño frustrado e impotente ante la realidad y a Michelle Williams en un tono siempre opaco, triste y desencantado de la vida, viviendo y transmitiendo su depresión ante una realidad que de pronto se le vino encima. Sin que explícitamente se muestre, ella es el verdadero eje de la película. Finalmente la película es el derrumbe emocional de una pareja que se instala frente a tus ojos donde la potencia reside el proceso de descomposición, en ese fin que ves venir y frente al cual hay poco que hacer, salvo sobre vivir.
A diez años de su creación Blue valentine continúa luciendo cruda pero necesaria. Una maravilla moderna no apta para amantes del amor en versión Disney.
¿Lo mejor? El desencanto que transmite.
¿Lo peor? La imagen promocional (el poster). Nunca me ha hecho sentido. No representa ninguna escena ni tampoco hace sentido con lo que es la película.
Género: Drama Dirección: Michael Sarnosky Protagonistas: Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin Duración: 90 minutos Año : 2021
Tras los primeros diez minutos de Pig hay una línea que inevitablemente retumba en tu mente "esta película ya la vi". Y es que se nos muestra acá a un hombre solitario que debe salir en búsqueda de su mascota, por lo que te imaginas lo que vendrá: "esto será una especie de John Wick, con Nicolas Cage matándolos a todos". Pero no. Rápidamente la dirección de un debutante Michael Sarnosky se encarga de mostrarte que acá el asunto no es tan liviano como parecía, y me gusta cuando las películas esconden mensajes profundos bajo capas superficiales.
Sarnosky lo intenta, y ahí hay mérito. Intenta venderte una película entretenida que apunta a más. Te muestra la travesía de un personaje extraño (Nicolas Cage está notable, solo le reconocí un momento en que sonríe innecesariamente, pero en general está inmenso) situado en un contexto muy pero muy singular donde debe hacer (re)ingreso a la sociedad, tras diez años de total distancia, en la búsqueda de su cerdo trufero (si, un cerdo trufero). Desde ahí, la película abordará temáticas como la pérdida, el dolor, el amor, el consumismo y la alienación, dejando completamente de lado la acción y concentrándose en momentos de profunda emoción.
El resultado es una película extraña pero que triunfa con el as que saca bajo la manga. A destacar el que, a diferencia de lo que creíamos en un comienzo, Nicolas Cage interpreta a un personaje roto que encara todas las diferencias desde la emocionalidad, más no la violencia, logrando escenas memorables (al menos dos en la última media hora de película) en la línea de un personaje quebrado al que le da prácticamente ya todo igual. La película no indaga demasiado respecto a su pasado, no hay flashback explicativos, y eso también suma pues instala en el aire la idea de que es uno como espectador quien debe interpretar de acuerdo a lo que ve.
En definitiva, una experiencia entretenida con momentos de poesía y profundidad, que va de menos a más y vale la pena revisar.
¿Lo bueno? Los momentos top en donde el protagonista recurre a las emociones para quebrar a sus antagonistas.
¿Lo malo? La maldita necesidad de instalar a un personaje tontorrón que acompaña a nuestro héroe, algo muy típico y que acá está resta bastante.
Género: Drama Dirección: Aleem Khan Protagonistas: Joanna Scanlan, Nathalie Richard, Talis Ariss Duración: 90 minutos Año : 2020
Nuevamente una película feminista que no se cuelga el cartel de "¡Hola! Esta es una película feminista". Bien. Pero no solo eso, After love es una de esos filmes que con poco (o al menos en apariencia), logra demasiado, una película que pese a situarse lejos de la acción y mantener un estilo en general sobrio, sabe avanzar sin jamás agotar. Aleem Khan es quien lleva adelante esta historia, muy humana en el fondo, donde conocemos a una viuda que acaba de enterarse que su difunto marido sostenía una doble vida, por lo que sorpresivamente decide ir en busca de aquella verdad, atravesando así un camino de introspección, conocimiento y crecimiento.
After love nos sitúa por tanto en la perspectiva de una mujer adulta (y desde ahí, ya impacta), entrada incluso en la tercera edad, y gracias al talento del director, nos hará sentir y vivir su experiencia, sus temores, dolores y aprendizajes. Ahí, los detalles son todo, con una Joanna Scanlan que está inmensa en el desarrollo de su personaje. Sus miradas nos ayudan a comprender y empatizar sin necesidad de demasiados diálogos, así como también los planos del director (tanto a la protagonista como a paisajes) que expresan ideas y sensaciones. Esto inmerso además en un particular contexto cultural, pues la protagonista es una musulmana que vive en Inglaterra, asunto que el director aprovecha para meterse con sutileza con las costumbres y la religión.
Todo está muy bien puesto en esta delicada y cuidada película, que nos habla de que al final la vida sigue para todos y todas. Aquello que se ha derrumbado queda ahí, en el suelo. Y hay heridas que nos acompañarán siempre, sin embargo, la vida sigue. Ahora, la manera en que el director aborda esta idea y como construye el relato, plagado de poesía visual, es sencillamente sensacional.
¿Lo mejor? Los planos y el que cada uno de ellos, cada gesto en el silencio represente algo demasiado potente.
¿Lo malo? Por buscarle algo, que el melodrama de la recta final puede resultar algo agotador.
