Bendita sea la novia del torero. Los tristes que se ríen de la tristeza. Los calvos que se quitan el sombrero, ante la dignidad y la belleza... Benditos sean.
Género: Ciencia Ficción Dirección: George Clooney Protagonistas: George Clooney, Felicity Jones Duración: 115 minutos Año : 2020
Me gustan las películas situadas en el espacio exterior. Vez que aparece una, la veo. Me fascina la idea de nuestra insignificancia ante el universo y todo aquello. Y bueno, por ahí ha querido ir George Clooney en su más reciente filme, protagonizada y dirigida por él mismo. Ha querido concientizar respecto al peligro de la destrucción del planeta tierra mediante una película, por sobre todo, triste. Acá nos muestra en paralelo a un planeta en fase de destrucción y a una nave que viene de regreso desde Jupiter ¿El objetivo? Visitar una luna que en teoría podría albergar vida, y hacia donde podría escapar la humanidad. Sin embargo, la película no muestra a la Tierra en proceso de destrucción ni a la gente sufriendo mientras pierde a sus hijos (no, no es una película de acción, lo cual lo agradezco), solo se nos habla de aquello. Es Augustine (Clooney) quien intenta sobrevivir en el polo norte en afán de comunicarse con dicha tripulación para avisarles que la Tierra ya no tiene vuelta...
La película tiene momentos visuales bonitos y una que otra escena de tensión que contagia, pero también muchos problemas. Lo primero es el tedio en que cae en largos pasajes, dicho en simple: considerando el guión, no se justifican en absoluto las dos horas de duración. Hay escenas eternas de sentimentalismo totalmente gratuitas (sin mencionar el giro emocional de último momento) y un ritmo pesado que a ratos te saca por completo. También asuntos que no te tragas (Spoiler:Clooney sobreviviendo al agua congelada, científicos queriendo volver a la Tierra sabiendo que ya no existe vida o problemas al interior de la nave que ocurren a propósito de nada). Lo otro es que la película no explica nada de nada, cuando el guión insinúa el hablar de lo que ha ocurrido en la Tierra o que sucede en la luna de Júpiter, algo ocurre y esto se interrumpe, lo cual vuelve frustrante al trámite. George Clooney si está bastante bien en su rol de viejo deprimido y solitario.
En definitiva...
Te gustará si... te agradan demasiado las películas espaciales, la ves en la noche con todo apagado y sin sueño.
¿Lo mejor? Es interesante el contexto apocalíptico que presenta.
¿Lo peor? Que no lo desarrolla dicho contexto y se extiende en sentimentalismos.
Género: Drama / Política Dirección: Pablo Larraín Protagonistas: Alfredo Castro, Amparo Noguera, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Marcelo Alonso Duración: 100 minutos Año : 2010
No debe ser nada fácil construir una película en torno al golpe de Estado ocurrido en el Chile de 1973, el cual derivaría en 17 años de dictadura para el país, sin caer en los clichés y la emocionalidad barata (para muestras, Machuca de 2004 o la más reciente Colonia Dignidad de 2015). Sin embargo, en ese complicado terreno se internó diez años atrás el chileno Pablo Larraín, entregando una película cuya mirada está puesta en la del ciudadano común, ese a quien el contexto político le pasaba por el lado, por más increíble que parezca.
Y así como en su anterior película, Tony Manero(2008), Larraín vuelve a retratarnos a un personaje solo y enfermo, en este caso Mario Cornejo (nuevamente personificado por un notableAlfredo Castro), un trabajador del Servicio Médico Legal que vive obsesionado con su vecina Nancy (Antonia Zegers), bailarina de un club nocturno. Mario la persigue, intenta conquistar y fantasea con ser su novio, esto en medio de una situación política a punto de estallar pero de la que él realmente pareciese no enterarse. El director además nos muestra al entorno de Mario, al Doctor Castillo (Jaime Vadell) y su auxiliar Sandra (Amparo Noguera), ella y él partidarios del gobierno de Salvador Allende Gossens, aunque el primero debe calmar su fervor revolucionario una vez ocurrido el golpe de Estado mientras que la segunda se ve superada por todo lo que deberá presenciar.
La dirección de Pablo Larraín retrata por tanto, con muchísima elegancia el drama de Chile en 1973, en ese sentido, Post mortem es una tragedia que posee el mérito de transmitir en cada uno de sus minutos, en cada diálogo, aquella sensación de oscuridad absoluta y desolación. También desde la fotografía la película transmite, ahí se nos muestra una ciudad oscura y silenciosa, que pareciese temer su destino y a una serie de personajes que sufren en primera persona el quiebre democrático, algunos llevando el dolor en sus propios trabajos y otros debiendo pasar a la clandestinidad, como Nancy, su pareja (Marcelo Alonso), su padre y hermano, quienes son perseguidos tras el golpe. Todo esto, bajo la insensible mirada de Mario.
El ritmo del filme es pausado y, digámoslo, triste. Por lo mismo, no es una película para cualquier momento. Provocadora e incómoda de comienzo a fin, representa junto a Tony Manero el momento más brillante en la carrera de Pablo Larraín.
El director insistiría a futuro con otros períodos de la historia política reciente chilena, habiendo abordado la fractura y la pesadilla con las dos mencionadas, dos años más tarde apuntaría a la reconstrucción en No (2012). Aquello, sin embargo, será motivo de futuras reseñas, yo cierro acá (por ahora) este mini ciclo dedicado a las tres primeras películas de Pablo Larraín, a quien seguro retomaré más temprano que tarde acá en mi querido blog...
¿Lo mejor? El retrato de un quiebre dramático, la absoluta desolación y tristeza que transmite la película, sin tener que ser evidente.
¿Lo peor? Que efectivamente si no te pilla en un buen momento, no la vas a soportar a causa de su ritmo lento.
Género: Drama / Político Dirección: Pablo Larraín Protagonistas: Alfredo Castro, Paola Lattus, Héctor Morales, Amparo Noguera Duración: 100 minutos Año : 2008
Segunda parte del mini ciclo dedicado a Pablo Larraín. A tan solo dos años de su debut con "Fuga", película que pese a sus buenas ideas acaba cerrando mal y dejando un inevitable mal sabor, el director chileno parece haber aprendido la lección y decide dar rápidamente un giro a su carrera. Abandona por tanto el cine tipo novela y se centra en la narrativa histórica, viaja a los años ochenta y construye una película en torno al Chile de la dictadura de Augusto Pinochet, el punto es que lo hace con una maestría enorme, con un talento y una altura impresionante que hace olvidar el mal sabor del debut de un plumazo.
Sin necesidad de recurrir a ningún recurso forzado (no hay escenas para llorar ni otras para reír) "Tony Manero"es pura crudeza, acá Pablo Larraín expresa todo lo que quiere decir respecto a la dictadura sin ser explícito en nada. Muestra a un país triste y en depresión, pero por sobre todo ignorante. Tremendamente ignorante. Conocemos así a un grupo de pobladoras que giran en torno a la figura de Raúl Peralta (un extraordinario Alfredo Castro), un pobre tipo cuyo único afán en la vida es imitar al personaje de John Travolta en la película Saturday night fever. Peralta acude al cine e intenta imitar los diálogos de Tony Manero, se aprende los pasos de baile del personaje para llevar adelante un show barato para un grupo de borrachos en un bar del barrio y se prepara al mismo tiempo para participar en un concurso de imitadores en "El festival de la una" (un clásico programa de televisión que existió en el Chile de dictadura). Al mismo tiempo, sin embargo, conocemos otra faceta del protagonista, la del psicópata violento capaz de hacer cualquier cosa con tal de saciar su ego. Raúl Peralta es el egoísmo hecho carne, un ser humano despreciable. En su círculo, eso si, Peralta es un ídolo. Y es que así de patética es la pobreza.
De esta forma, "Tony Manero" toca muchísimas aristas con una sutileza que impresiona. Nos habla del cotidiano de la pobreza, sin caricaturas ni exageraciones, también se hace cargo de la ignorancia que se desarrolló en el Chile en dictadura, de la televisión como método de disociación de la realidad, y principalmente de como un contexto violento y de extrema desigualdad es capaz de generar a personajes enfermos como los de Raúl Peralta.
Con una ambientación sucia y triste, la película resulta a momentos deprimente e incómoda de revisar, aunque también necesaria. En esta, Pablo Larraín encuentra muy pronto a la mejor versión de si mismo como director, asunto que se confirmará un par de años más tarde con la filmación de "Post mortem".
¿Lo mejor? Lo política que es la película sin tener que recurrir jamás a ningún recurso forzado que sensibilice al espectador.
¿Lo peor? ¿Por buscarle algo? Que a ratos inevitablemente la película se vuelve pesada en su ritmo.
Género: Drama Dirección: Pablo Larraín Protagonistas: Benjamín Vicuña, Gastón Pauls, Francisca Imbodem, Alfredo Castro, María Izquierdo, Willy Semler Duración: 110 minutos Año : 2006
He querido re ponerme al día con el director chileno Pablo Larraín, cuyas películas recuerdo haberlas visto prácticamente todas al momento de sus respectivos lanzamientos pero me pareció un sano ejercicio el volver a ellas y ver que me pasaba diez o quince años después. El caso es que cronológicamente correspondía comenzar con su debut como director en 2006. Hablo de "Fuga", una excelente idea llevada muy mal a cabo, una película que denota falta de experiencia y manejo de un joven Larraín que acaba viéndose superado ante el desafío de hacer florecer su historia en pantalla. Ahí, "Fuga" deja la sensación de no cuajar correctamente, dejando al espectador con gusto a poco tras su cierre.
La película dividida en tres actos. En su primera media hora conocemos al protagonista de esta historia (Montalbán, encarnado por Benjamín Vicuña, que con todas sus limitaciones cumple bastante bien) y su particular drama. Un joven director de orquesta, tocado emocionalmente (y con justa razón) que desea llevar adelante una obra dolorosa y personal. En paralelo se nos muestra a un músico argentino (Gaston Pauls), situado temporalmente en el presente (ahí entendemos que la historia de Montalbán es una especie de mito ocurrido tiempo atrás) persiguiendo los rastros de dicha obra, intentando reconstruirla para hacerla pasar por propia. Hasta ahí, todo bastante bien y atractivo.
El caso es que el asunto se saldrá de control por lo que Montalbán acabará internado en un psiquiátrico, donde transcurrirá el segundo acto del filme, uno que no logra profundizar como debe y se sostiene más bien gracias a uno de los locos del lugar (notable Alfredo Castro), quien aporta toda la profundidad y dinámica que no se logra con Montalbán. Llegaremos así a un final que pretende atar los cabos pero donde el guion hace aguas como colador con situaciones que no se explican y un final repleto de sin sentidos.
Un primer acto atractivo e interesante, un segundo que se sostiene totalmente gracias a Alfredo Castro (quien incluso tiene espacio para mediante un monólogo profundizar en su personaje) y un final donde el guión parece perder el control sobre la historia, marcan a la primera película de Pablo Larraín, quien aquí se muestra superado por su propia obra pero claramente aprendería la lección para en unos pocos años entregar sus (a gusto personal) dos mejores películas a la fecha. "Fuga" merece ser revisada pese al paso de los años. Visualmente es atractiva, cuenta con un puñado de actuaciones notables y está muy bien situada en el Santiago de dos décadas atrás, lamentablemente el guion tropieza al andar y aquello acaba por restarle demasiado.
¿Lo mejor? La idea es excelente y en general, pese a sus fallos, entretiene.
¿Lo peor? Que no logra estar a la altura de su potencial.
Género: Drama biográfico Dirección: Aisling Walsh Protagonistas: Sally Hawkins, Ethan Hawke Duración: 110 minutos Año : 2017
Hay historias que nos hacen bien, que las necesitamos. Porque necesitamos creer que por más mierda que la sociedad pueda llegar a ser, el color y la belleza pueden aflorar en cualquier momento, donde menos incluso pensamos. Por eso una película como "Maudie" se agradece, más aún cuando está bien pensada y ejecutada. Esta relata el pasar de Maud Lewis, artista canadiense que contra todo fue capaz de pintar y florecer, incluso sin ser consciente de su propio proceso. Maud nació en 1903 en un pueblo al este de Canadá, pobre y mal tratada, enferma (sufre de una artristis degenerativa) y tratada con mucha ignorancia como una retrasada mental, un día cualquiera decidió escapar de su realidad y aferrarse a un machista pescador, en la lógica de que ya nada podría ser peor, y bueno, en ese contexto impensado, sin estudios ni herramientas más que un pincel y unos colores, explotó el arte.
Aisling Walsh dirige esta película con un respeto enorme por el personaje, roza todo el tiempo la extrema victimización pero logra zafar con éxito, emocionando y conmoviendo en múltiples momentos sin necesidad de mostrarnos demasiado. Ayuda muchísimo la interpretación notable de Sally Hawkins, a quien los papeles de mujeres de bajo perfil le vienen como anillo al dedo, y acá transmite demasiado con cada uno de sus planos y silencios. También colabora un trabajado Ethan Hawke, quien evidencia sus intentos por salir de sus clásicos personajes y construye a un hombre tosco, bruto e ignorante, aunque durante varios pasajes se queda algo corto. La película ronda por varios tópicos, el machismo por supuesto es el más potente, pero no será el único. Ahora, claro, como en todo biopic la dirección nos cuenta lo que quiere contarnos por lo que queda la incógnita respecto a aquello que la película no muestra (hay varios documentales eso si respecto a Maud por si alguien quisiese saber más de esta preciosa mujer) pero aún así, el asunto convence y logra no caer jamás en el cliché, pese a pintar para serlo. Hay mucho talento por tanto en el rodaje, que merece totalmente la pena el verlo.
Cualquiera que haya salido de la ciudad y sepa como son las cosas en los pueblos pequeños, en los rincones del sub desarrollo, se emocionará con esta película y empatizará con muchas de las situaciones que acá se muestran. Totalmente recomendable.
¿Lo mejor? La película transmite la humildad del personaje, en lugar de ensalzarla artificialmente.
¿Lo peor? Ethan Hawke cumple pero no la rompe, y al lado de Sally Hawkins luce por momentos demasiado deslucido.
Género: Drama / Comedia Dirección: Mariano Cohn, Gastón Duprat Protagonistas: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne
Duración: 110 minutos
Año : 2016
Se sabe que Netflix no tiene muy buenas películas, lo de esa plataforma son las series, sin embargo, a nivel de cine latinoamericano si se pueden encontrar excelentes cosas en el sitio, y esta es una más. Hablo de otra pequeña joya proveniente desde el cine argentino, que rara vez falla. Una película que pese a rondar las dos horas de duración resulta un verdadero manjar, llena de momentazos que te hacen pensar mientras te ríes. La película abre con todo. Daniel Mantovani (un sólido Oscar Martínez) recibe el Nobel de Literatura y en su discurso se lamenta pues argumenta que este lo reciben artistas cómodos para la elite y que han abandonado su misión provocadora. Daniel agradece el premio pero admite entenderlo como su fin. ¿Franqueza o hipocresía? Lo cierto es que el personaje continuará durante toda la película oscilando entre ambos conceptos. Semanas tras haber recibido el premio e instalado en su mansión, una secretaria personal le leerá muchísimas invitaciones: entrevistas, relatos, firma de libros, etc. Daniel rechaza todo, sin embargo, entre todo esto aparece una carta proveniente desde su pueblo natal en Argentina, Salas, lugar que abandonó cuarenta años atrás y a donde jamás regresó. Hasta ahora, cuando decide regresar en busca de no sabemos que. Y si bien todo comenzará bien para el escritor en Salas, donde es idolatrado, poco a poco el choque cultural comenzará a visualizarse y la ciudad se volverá lentamente un lugar cada vez más hostil y violento. Ahí el mérito de "El ciudadano ilustre" es notable, pues la película intercala reflexiones interesantes por parte de un artista que reconoce haber querido escapar de ese lugar aunque en lo práctico nunca pudo, pues todos sus libros hablan de personajes de su pueblo, con momentos divertidos llenos de un humor negro y simbolismos notables (impecable, por ejemplo, la metáfora en donde un taxista decide limpiarse el culo con un libro del escritor). Ahora, si bien la cinta caricaturiza bastante a los habitantes del pueblo y se ríe de la idiosincrasia argentina ("Diego, el Papa, la Reina de Holanda, Messi.. y ahora Daniel") también es particularmente dura con el artista, a quien lo enfrenta con su propia hipocresía, y lo retrata constantemente. En definitiva, una gran película. Dos horas que se pasan volando y varias reflexiones en torno al rol la distancia del artista, del intelectual, con la sociedad de carne y hueso sin tampoco caer en el romanticismo barato, es decir, lejos de idealizar la pobreza, la película no teme el mostrarnos a personajes imperfectos, ignorantes, agresivos, machistas y torpes, gente de la que realmente cualquiera querría escapar como hizo Daniel a sus veinte años. Te gustará si... te gusta el cine de humor reflexivo. ¿Lo mejor? El choque cultural, todos los momentos en donde el escritor encuentra lo que buscaba: bajar de su mansión y enfrentarse con la sociedad real, ¿Lo peor? Que el ciudadano de pueblo está en ocasiones demasiado caricaturizado. ¿Donde está? La vi en Netflix.
Género: Suspenso Dirección: Robin Pront Protagonistas: Nikolaj Coster-Waldau, Anabelle Wallis
Duración: 90 minutos
Año : 2020
Seamos claros: una cosa es que una película te engañe, otra muy diferente es que esta te mienta.Una cosa es que una película te muestre pistas pero las esconda con talento y un giro final te las lance encima dejándote sorprendido, otra muy diferente es que se pase 80 minutos dándose vueltas sobre historias que no guardan ninguna relación con los acontecimientos y en los diez finales saque de la manga un conejo sin pies ni cabeza.
Lo segundo es lo que ocurre con "The silencing", una buena película de suspenso durante gran parte de su trámite hasta que te enteras en la recta final de que todo lo que viste antes, fuera de no tener sentido alguno, no ha servido para nada porque el desenlace pasa por otro lado, uno que jamás podrías haber imaginado fuera de ser totalmente incoherente. El resultado por tanto es una película mentirosa que te deja mirando el techo y donde la sensación de sentirte estafado es inevitable.
La película va por el secuestro de una menor, cuyo padre se dedica a cuidar una zona forestal, asunto que se suma a una serie de desapariciones previas. Esto en un pueblo donde acaba de llegar una nueva policía, cuyo hermano menor cuenta con algunos conflictos legales de los cuales ella pretende rescatar. Y bueno, el asunto va como es costumbre por el viejo dilema de "quien es el asesino", todo esto mediante un buen ritmo y generación de suspenso que se disfruta. El problema aparece básicamente en el desenlace, momento en donde aparecen 1500 preguntas sin respuesta fuera de una serie de sin sentidos, algunos groseros o derechamente mentirosos.
Dada la cantidad de preguntas sin respuestas, incoherencias varias y un guión mentiroso que durante 80 minutos se da vueltas en asuntos que no son relevantes respecto al desenlace, solo puedo afirmar que esta película es un desastre. Solo recomendable a alguien que de ante mano sepa que se le está tomando el pelo. Lo lamentable es que la historia que se planteaba pintaba bastante bien, fuera de contar con la sólida actuación de Nikolaj Coster-Waldau , un actorazo a tener en cuenta. Te va a gustar si... sabes que se te está tomando el pelo. ¿Lo bueno? En su trámite genera buen suspenso. ¿Lo malo? El final groseramente mentiroso, fuera de los errores de guión. ¿Dónde está? La vi en PopCorn.
