Napoleón (2023)

Género: Bélica. Histórica. Biográfica.
Dirección: Ridley Scott
Protagonistas: Joaquin Pheonix, Vanessa Kirby, Rupert Everett
Duración: 160 minutos
Año: 2023

Con Ridley Scott nunca se sabe. Un tipo que ha sido capaz de entregarnos tanto películas gloriosas como verdaderos fiascos a lo largo de su carrera. Había incertidumbre por tanto respecto a lo que podría hacer con Napoleón, un personaje histórico de alto alcance que entregaba demasiado paño para cortar y que además sería encarnado por Joaquin Pheonix, quien a partir de su papel como Joker (2019) pasó a transformarse en el chico rebelde favorito del público. Finalmente la película llegó a nosotros, y bueno, su mirada respecto a Napoleón Bonaparte ha acabado por quedar en un incómodo limbo pues no ha resultado ser ni una obra maestra ni un total desastre. Aunque si es claro el que ha quedado al debe en una serie de aspectos.

No voy a meterme acá con la falta de rigor histórico. Que si tal batalla, personaje o diálogo nunca existió, eso se lo dejamos a quienes educan. No es labor de una película el ser fiel a los hechos y siempre hay algo de ficción en el cine, incluso aunque esté basado en hechos verídicos. Sin embargo, donde si podemos meternos es con la dirección que esta película ha querido tomar, enfocándose principalmente en la relación amorosa entre Napoleón Bonaparte y su mujer Josefina (Vanessa Kirby), omitiendo de manera grosera muchos elementos relevantes del personaje. Y si bien se agradece el que la película no haya tomado el camino del homenaje fácil (típico de las bio pic), el problema es que pareciese que esta se ensaña con la figura del francés, mostrándolo en todo momento como un personaje inseguro, torpe, incluso limitado mental. Un bruto cualquiera. El tomar este camino no me parece per se un error pero si se vuelve problemático cuando en tu propia narrativa no eres claro, cayendo en contradicciones y vacíos constantemente. 

Ridley no se decide entre el Napoleón estratega (brillante luchando en el hielo) y el irresponsable (abandonando el campo de batalla en Egipto por meros celos). ¿En qué quedamos Ridley? ¿era Napoleón un militar disciplinado o no? De igual forma, la película no se adentra en su labor política ¿por qué lo nombran Rey?, ¿por qué los militares de base lo quieren tanto al punto de abandonar sus órdenes para defenderlo?, ¿cuál es el objetivo de Napoleón a la hora de abordar Europa? Nada de esto se desarrolla, solo se muestra en alguna escena al punto de que tras casi tres horas de película uno no logra entender el como Napoleón llegó tan lejos siendo un personaje tan visceral, impulsivo y poco astuto. Dicho en simple: si esta película la ve un joven que sabe poco y nada de Napoleón Bonaparte, sinceramente entiende cero respecto a su rol histórico. Es que cero... 

Lo cierto es que la película gasta 3/4 de su duración en mostrarnos el culebrón entre este y Josefina, principalmente la frustración ocasionada por el no poder concebir un heredero, pero incluso acá es contradictoria. En un comienzo nos da a entender que ella lo utiliza, engañándolo constantemente incluso (otro sesgo de la película es que se centra en las infidelidades de ella pero no se refiere a las de él), sin embargo, de pronto la relación entre ambos se transforma en algo romántico e idílico, un giro brusco que también resulta incomprensible. 

En definitiva, Napoleón de Riddley Scott parece haberle quedado grande al director. Ante un personaje con tantas aristas el director ha intentado no tirar por lo obvio pero se ha perdido en el camino dejándonos una película que a ratos juega a ser solemne para de golpe rozar la comedia. No es un desastre pero claramente no han podido con el peso del histórico francés. 

¿Lo mejor? Las escenas en el campo de batalla. Son excelentes.

¿Lo peor? La cantidad de dinero gastada en una película que no cuaja correctamente.

¿Dónde verla? En AppleTv y Amazon prime. También en mi Plex.

2.5: Te arriesgas...

Otras películas de Ridley Scott:

2015: The martian

1979: Alien 

Otras películas de Joaquín Pheonix:

2019: Joker

2013: Her

2010: I’m still here 

2008: Two lovers 

Saltburn (2023)

Género: Misterio. 
Dirección: Emerald Fennell
Protagonistas: Barry Keoghan, Jacob Elordi, Rosamund Pike, Richard E. Grant, Carey Mulligan.
Duración: 130 minutos
Año: 2023

Más que alentador, me ha resultado deprimente el ver una película como Saltburn. Y es que a partir del revuelo mediático que había generado durante estos meses me generé cierta expectativa y me senté con ganas a verla, más sabiendo que se trataba de la segunda película dirigida por Emerald Fennell, quien ya había dividido aguas unos años atrás con Promising young woman (2020), película de corte feminista que en lo personal disfruté bastante. 

¿Pero con qué me he encontrado? Con un filme pretencioso en su propuesta pero básico en su esencia, y mentiroso, por sobre todo mentiroso. Una película que juega a ser muchas cosas, como que quiere ser comedia insertando a una serie de personajes extraños pero que nos importan menos que cero debido a que la película jamás se toma el tiempo de volverlos interesantes (o sea, la aparición de Carey Mulligan no puede estar peor aprovechada), se quiere a la vez reír de los ricos (aunque jamás lo hace de manera inteligente) e intenta ser "moderna" en su propuesta coqueteando con la homosexualidad todo el tiempo, siendo una película muy física y metiéndote en el camino escenas sexuales controvertidas o desnudos para generar cierto ruido (y lo logra, pues esas escenas son la verdadera razón del revuelo que agarró, lo cual es penoso en pleno 2024), pero que finalmente acaba siendo un producto vacío, la clásica historia con un giro "sorpresivo" en su recta final, donde se nos releva todo de manera ultra explícita, como si fuésemos idiotas y no pudiésemos entenderlo sin que se nos explique con manzanitas. Giro que por cierto resulta absurdo, poco creíble y que en este caso arruina por completo la película. 

Quizás lo más interesante que esta muestra sea la metamorfosis que vive el protagonista (Oliver, un sólido Barry Keoghan), sin embargo, la dirección no conforme con ir empoderando al personaje y llevarlo desde un tipo tímido a uno bastante malévolo, decide seguir girando al punto de marear y enredarse sola, con cambios de carácter que derechamente no tienen ningún sentido. Sin ir muy lejos, la última media hora de película (cumpleaños de Oliver y posterior) está muy mal armada, dejando la sensación de que Emerald Fennell no tenía ningún punto, nada que decir, por lo que estira la historia hasta no dar más y la terminar de la manera más cliché posible.

¿Lo mejor? La banda sonora. La música está genial. 

¿Lo peor? La última media hora, el desenlace es terrible. También es molesto el que la película te mienta, mostrando escenas en su primera parte para forzadamente hacerte creer algo que no es.

¿Dónde verla? Está en Amazon Prime Video.

2.5: Te arriesgas...

Fingernails (2023)

Género: Romance 
Dirección: Christos Nikou
Protagonistas: Jessie Buckley, Riz Ahmed
Duración: 110 minutos
Año: 2023

¿Te imaginas un mundo en donde un examen pudiese asegurar si dos personas están realmente enamoradas? Pues esta fantasía es la que nos propone Fingernails, una película a la cual llegué por Jessie Buckley (of course), una actriz que es apuesta segura pero que me resultó curioso verla en una película romántica ya que habitualmente realiza dramas bastante profundos. Supongo ha querido acá cambiar un poco el giro y ver como le iba en un papel distinto. 

Tan tan liviana no es esta película de todas maneras e intenta plantear dilemas interesantes desde dentro del género. En cierto modo critica la obsesión de nuestra sociedad por la búsqueda amor romántico y la obsesión por encontrar pruebas (dolorosas incluso, como en este caso) para proyectarlo de alguna manera por el resto de tu vida. La presión por "estar enamorado/a" acá se vuelve carne en la existencia de este examen, el cual divide a la población entre quienes sueñan con "dar positivo" (e incluso se someten a una especie de entrenamiento para esto) y quienes no se atreven a realizarlo, seguramente por miedo a que se evidencie la ausencia de amor.  

En este contexto, Anna (Jessie Buckley) ingresará como a trabajar en el "Instituto del amor" como asesora de parejas para la realización de este test, situación que en el camino la moverá a cuestionar la rutina, monotonía y falta de pasión de su propia relación de pareja. Siendo este el eje principal en la película. El problema es que esta pasando la hora el trámite comienza a alargarse demasiado, incluso con el conflicto ya desatado en pantalla tenemos unos cuarenta minutos finales que redundan y redundan, estirando el argumento innecesariamente por demasiado tiempo. Definitivamente a la película le falta intensidad (incluso dosis de humor en algún momento) por lo que el asunto va de más a menos, planteando un buen dilema, insinuando una especie de comedia romántica ácida que acaba siendo un drama de plano pero que no logra cuajar del todo. 

¿Lo mejor? Si bien puede parecer ridículo el que este examen conste se sacarse una uña, la metáfora del sufrimiento ligado al amor me ha parecido interesante. 

¿Lo peor? Los cuarenta minutos finales. Alargan demasiado algo que se ve venir siempre por donde va. 

¿Dónde está? En Apple Tv. Y la tengo en mi Plex. 

3.0: Buena, se deja ver...

Otras películas de Jessie Buckley:

2022: Women Talking

2021: The lost daughter

2020: I'm thinking of ending things

Past Lives (2023)

Género: Romance / Drama
Dirección: Celine Song
Protagonistas: Greta Lee, Yoo Teo, John Magaro
Duración: 100 minutos
Año: 2023

"Cuando renunciamos a algo también ganamos algo..."

Si hay algo que me encanta en el cine es cuando una película "desde dentro" (como me gusta decir) te mete ideas, recursos y/o imágenes potentes. Encontrar ese equilibrio no es cosa fácil, armarte una película interesante/dinámica/entretenida pero al mismo tiempo tremendamente profunda. Y esto es lo que ocurre con Vidas pasadas de Celine Song, directora coreana-canadiense que reside en los Estados Unidos (algo de auto biográfico seguro tiene el filme seguro). Y es que si bien la película puede verse perfectamente en continuo y disfrutarse como una "buena historia de amor", también ocurre el que la directora se ha encargado de meterte en el camino una serie de reflexiones que quedarán ahí, dispuestas para quien quiera, tenga el tiempo y ganas de tomarlas. Si a eso agregamos un uso de las imágenes sencillamente brillante, que decir, el cóctel es completo y perfecto.

¿Existirá algo más puro que el primer amor?  Dividida en tres momentos temporales, Vidas pasadas abre de manera cruel recordándonos que parte importante de aquello que marca nuestras vidas no lo decidimos nosotros. Nos muestra los caminos de Na Young y Hae Sung, niña y niño coreanos separados en su infancia debido a que la familia de ella ha decidido emigrar a Canadá por motivos laborales, dándole con esto un giro a la vida de la niña, quien incluso cambiará a futuro su nombre por uno más occidental: Nora. Con este viaje, la chica ha debido abandonar forzosamente a su amigo de infancia pero no solo esto, iniciará un camino práctico ligado al desarrollo personal y profesional, que la alejará de Corea y de Hae Sung, con quien iniciará un ida y vuelta a través de los años que contrastará decisiones prácticas con la emocionalidad.

La película toca muchos temas, lo hace además desde una perspectiva feminista no declarada (no se cuelga ningún cartel ni panfleto) al mostrarnos a una mujer tremendamente empoderada en su vida e invertir los roles tradicionales que nos ha impuesto el patriarcado (aquí Nora es la "práctica y dura", Hae Sung el "sensible y vulnerable"). Sin embargo, nunca abandona el contraste entre lo que decidimos ser y aquel camino que no tomamos, Nueva York vs Corea, lo cual se encuentra siempre plasmado en los diálogos ("Aquí es donde me encontré a mi misma. Aquí es donde debo estar..." - le afirma Nora a su marido en algún momento) y también en pantalla: lo vemos cuando Na Young y Hae Sung son niños jugando en una plaza, cuando adultos paseando por la ciudad o cuando comparten en un bar, divididos siempre ya sea por el tronco de un árbol, por un pasamanos en el metro o por una lámpara en la mesa. En ese sentido, los planos urbanos donde los protagonistas comparten son hermosos, planos horizontales, sin diálogos, donde solo oímos el ruido ambiente. Momentos donde la directora nos recuerda que el cine no es solo guión e historia, pues las imágenes también pueden hablar. 

Entre todo este culebrón se encuentra Arthur, un buen hombre estadounidense que ama a Nora y se ha casado con ella, sin embargo, es capaz de observar la magia que existe entre su esposa y Hae Sung. Una química que él jamás tendrá con ella ("Sueñas en un idioma que yo no puedo entender..."- le comenta en un momento). Ha comprendido de golpe (y con mucha crueldad) que él representa lo práctico en la vida de Nora, lo que hay que hacer, el camino que se debe recorrer pero que jamás podrá tener una parte de ella: las miradas, los silencios, la complicidad. Eso que no se decide tener, está o no está. Eso que nos hace humanos. Amor le llaman algunos. 

Por si todo lo anterior fuese poco, un tema que me ha resultado particularmente fascinante en la película es el como aborda a las supersticiones. El mismo título (Vidas pasadas) es una referencia a esto pues el filme menciona que en Corea existe la idea de que "todo está escrito" y sucede "lo que debe suceder", aquello que llaman el "In-Yun" y que explica que cuando dos personas terminan juntas es porque en (muchas) vidas anteriores lo estuvieron, y en esta ya estarían "preparados" para estar juntos. Esta superstición, sin embargo, se contrapone en la película con el poder de las decisiones e instala sutilmente reflexiones en el aire: ¿es sano que las personas acaben rigiendo su vida en base a supersticiones o estás más bien son necesarias, dado que nos permiten vivir y nos sirven como consuelo ante la realidad? Ambos, Nora y Hae Sung, en algún momento se aferran/resignan a la idea del In-Yun, afirmando que "en otra vida será, en esta no estamos listos". Sin embargo y paradójicamente, los dos están en condiciones de romper ese camino y vivir juntos otra realidad. Dicho contraste me ha parecido sencillamente brillante.

Vidas pasadas es una película que reflexiona constantemente utilizando una poesía visual exquisita e instalando una serie de preguntas en nuestro inconsciente. También es una película de contrastes enmarcada en una historia de amor de dulce y agraz, un constante ida y vuelta que Celine Song ha retratado impecablemente en pantalla tocando tópicos como la renuncia, la elección y esas decisiones que marcan nuestra existencia. El mundo moderno y práctico (Estados Unidos) y el mundo romántico pero profundo (Corea). Lo que debe ser versus lo que es. Una fotografía brillante respecto a la crueldad con que suele actuar la vida, aunque seamos nosotros mismos quienes decidamos al respecto. 

¿Lo mejor? La cantidad de tópicos existenciales que instala.

¿Lo peor? Nada. Es una obra maestra de comienzo a fin. 

¿Dónde verla? La tengo en mi Plex

5/5: Obra maestra.

Nominada en los Premios Oscar como Mejor Película y Guión Original.

Nominada en los Globos de Oro como como Mejor Película (Drama), Dirección, Actriz Principal, Guión y Película de Habla No Inglesa.

The Holdovers (2023)

Género: Drama 
Dirección: Alexander Payne 
Protagonistas: Paul Giamatti, Dominic Sessa, Da'Vine Joy Randolph
Duración: 130 minutos
Año: 2023

"Para la mayoría la vida no es más que la escala de un gallinero: corta y cagada..."

Me perdonarán el desliz, pero en los años noventa existió una (muy desconocida) comedia protagonizada por Ed O'neill (Al Bundy en la noventera Married with children, Jay Pritchett en la dosmilera Modern Family) en donde un tipo arisco y amargo debía realizar un viaje en automóvil con el pequeño hijo de su pareja, un mocoso malcriado, irrespetuoso y desagradable. Dutch se llamaba. El caso es que tras varias peripecias (es una película que recuerdo muy divertida eh? Se las recomiendo), ambos personajes terminaban revelando sus debilidades y encariñándose con el otro, pasando del odio al amor prácticamente. Bueno, The holdovers me la ha recordado. El contexto es totalmente diferente eso si, el tono también. En esta ocasión no estamos ante una comedia si no más bien un drama que entrelaza a tres personajes y sus respectivas tristezas, un estudiante, un profesor y la cocinera de una escuela, quienes deben quedarse forzadamente compartiendo en navidad mientras los estudiantes de un colegio se van de vacaciones.

Ambientada en los años setenta, The holdovers acertará absolutamente al presentarnos a Paul Hunham (un notable Paul Giamatti), un estricto pero solitario profesor de historia, hijo del rigor pero también un personaje que esconde sus frustraciones personales en la docencia. En la sala de clases será el único lugar donde, unicamente debido al uso de la autoridad y su carácter punitivo, se sentirá "respetado" en la vida. Por esto, cuando deba compartir de manera más íntima con Angus Tully, uno de sus estudiantes, deberá salir de su zona de confort al conocer su íntimas penas, con las cuales inevitablemente empatizará. 

Los Oscar suelen nominar alguna película "buenista" y este es el caso. The holdovers posee una carga emotiva innegable pero acaba quedándose en la simpleza de su propuesta. Fuera de Paul Giamatti las actuaciones tampoco son nada del otro mundo, con una Da'Vine Joy Randolh que encarna a Mary, una cocinera que acaba de perder a su hijo en la guerra, sin embargo, este elemento en absoluto se encuentra explotado a lo largo del trayecto y su aparición se limita a aportar el "personaje cómico" (negro obviamente, as usual) en la película. Destaca eso si el tono invernal, que congenia con la oscuridad (o tristeza más bien) que inunda a los personajes, así como la banda sonora setentera (también la recomiendo), plagada de folk y rocanrol. 

¿Lo mejor? Es una película de líneas potentes. 

¿Lo peor? El viaje del protagonista no cuenta con la fuerza que debería. El cierre es particularmente débil.

¿Dónde verla? La tengo en mi Plex. 

3.0: Buena, se deja ver...

Ganadora en los Premios Oscar como Mejor Actriz Reparto. Nominada a Mejor Película, Actor Principal, Guión Original y Montaje.

Ganadora en los Globos de Oro a Mejor Actor Principal y Mejor Actriz de Reparto. Nominada como Mejor Película (Comedia)

Otras películas de Paul Giamatti:

2013: 12 Years a slave

La Zona De Interés (2023)

Género: Drama / Histórica / Verídica
Dirección: Jonathan Glazer.
Protagonistas: Christian Fredel, Sandra Hüller
Duración: 100 minutos
Año: 2023

Antes que todo, el dato freak: Jonathan Glazer es reconocido por haber realizado varios de los video clips musicales más destacados durante los noventas (para bandas como Radiohead, Blur o Jamiroquai) y alguien que luego ha optado por dirigir cine, de hecho, esta es recién su cuarta película. Sin embargo, tal parece que ha acabado por encontrar un blanco, quizás no le ha dado de lleno pero ciertamente ha estado cerca. 

Comencemos por lo positivo: películas del holocausto Nazi hemos visto muchas pero ninguna como esta. Acá, Jonathan Glazer mediante una propuesta extraordinaria se las ha arreglado para exponer ante nosotros la maldad del ser humano sin la necesidad de mostrar una gota de sangre, una tortura o un acto explícito,

En La zona de interés el director nos muestra el cotidiano de un grupo de generales alemanes, quienes conviven en aparente armonía junto a sus esposas e hijos/as, con la única particularidad de encontrarse viviendo justamente al lado de los campos de concentración donde se asesinaban judíos. Como quien cuenta con la "fortuna" de vivir junto a su trabajo. Llevan además una vida soñada, o aquello es lo que nos transmite Hedwig, la esposa del general Rodolf Höss, quien cría a sus hijos entre coloridas flores, baños en la piscina y visitas de su madre. En ese camino, los detalles serán todo: el sutil sonido ambiental con el que conviven las familias (persecuciones, disparos, torturas), el trabajo con los colores o esa enferma frialdad con que se comportan los protagonistas. 

El cóctel es siniestro y retorcido aunque verdad sea dicha, no funciona del todo. La película se muestra como una postal terrorífica pero falla en su guión por una sencilla razón: no hay historia. Durante hora y media observamos un andar que no es más que eso, un andar. Algo hay en la relación de la pareja principal que vemos (Sandra Hüller increíble nuevamente, incluso desde su corporalidad y forma de caminar) pero más allá de eso solo se sucede un cotidiano que no muestra conflicto. Dicho en simple: no te cuentan nada. Por esto, se podría entender perfectamente el que alguien rechace esta película por "lenta", sin embargo, solo por su propuesta diferente y atrevida la película vale la pena de revisar, quizás sin altas expectativas.

¿Lo mejor? Que el fuerte se encuentra en todo aquello que NO vemos pero aún así está presente en el ambiente.

¿Lo peor? La falta de guión, fuera de determinados momentos que no se entiende que pintan.

¿Dónde verla? La tengo en mi Plex.

3.5: Muy buena.

Ganadora en los Premios Oscar como Mejor Película Internacional y Sonido. Nominada como Mejor Película y Guión Adaptado.

Nominada a los Globos de Oro como Mejor película (drama), Banda Sonora y Película Habla No Inglesa. 

Otras películas de Jonathan Glazer:

2014: Under the skin

Otras películas de Sandra Hüller:

2023: Anatomía de una caída

Killers Of The Flower Moon (2023)

Género: Drama/ Western / Verídica / Histórica
Dirección: Martin Scorsese.
Protagonistas: Leonardo Di Caprio, Robert De Niro, Lily Gladstone, Jesse Plemons.
Duración: 200 minutos
Año: 2023

No solo es interesante lo que Martin Scorsese ha intentado desarrollar en su más reciente película, también es potente y necesario. Básicamente ligar el "sueño americano" con la historia del despojo indígena, sumado a su absoluta desprotección y abandono (algo que la historia acabaría por corroborar). Para esto, el director nos instala en su escenario novedoso e inesperado: a la nación Osage, millonaria a causa del descubrimiento de petróleo en sus tierras. Scorsese nos muestra por tanto que alguna vez en algún lugar del planeta el mundo fue "al revés", con indígenas millonarios y el hombre blanco mirando desde abajo. ¿Y qué ocurrió? Pues el crimen y el robo. Esto ante los ojos de todo el mundo, incluido el propio gobierno de los Estados Unidos. 

El tema es que el director cuece a fuego lento todo esto pero lo baja demasiado, algo que por cierto ya le había ocurrido años atrás en El Irlandés (vengan de a uno...), llevando a la película por sobre las tres horas de duración en un acto que solo puede ser explicado por su edad y esa necesidad imperiosa de establecer un legado que perdure en el tiempo.

Scorsese nos explica entonces el paso a paso de un par de personajes que se han propuesto robarle a los Osage desde adentro, con el objetivo de hacerse de su fortuna. Y ahí se da vueltas, demasiadas. El puzzle no deja de ser interesante pero hay asuntos que se ven venir mucho antes de que sucedan por lo que en varios momentos quieres que la película se apure porque, insisto, ya entendiste por donde va esto. Finalmente, apenas en los últimos diez minutos de película el director muestra las cartas y de manera de manera absolutamente magistral y brillante (todo hay que decirlo) nos explica con manzanitas que es lo que estaba tratando de decir, cual era el sub texto de la trama. El problema es que antes nos encajó más de tres horas de historia. De hecho, la aparición en escena del personaje de Jesse Plemons (un policía que llega al pueblo a investigar que está ocurriendo) tras dos horas de desarrollo resulta realmente un alivio, pues ¡al fin! comenzamos a ver la luz al final del túnel.

Las actuaciones están bien, sorprende y destaca la aparición de una inédita Lily Gladstone, mientras que Leonardo Di Caprio + Robert De Niro (musas habituales del director) se mueven en lo suyo. Si me apuran, los papeles me parece les quedan grandes a ambos. Vengan de a uno nuevamente... 

Killers of the flower moon es una película de autor que debe revisarse como tal, una que no se entiende si no por los ochenta y un años de edad de un director que nos pide paciencia, porque tiene un punto. Que lo tiene pero efectivamente este tarda muchísimo en llegar. La película se agradece, evidentemente es un "hay que verla", primero porque es Scorsese y segundo porque lo que el director se trae entre manos (la mentira en torno al triunfo del "emprendedor" en el mundo capitalista) es digna de reflexión. Sin embargo, verdad sea dicha, la película a ratos es tan pesada y redundante, que entorpece su propio mensaje.

¿Lo mejor? La interesante revisión del "sueño americano" que muestra el director.

¿Lo peor? Lo dicho, es eterna y redundante.

¿Dónde verla? Está en Amazon Prime y en mi Plex.

3.5: Muy buena.

Nominada en los Premios Oscar en 10 categorías: Mejor Película, Dirección, Actriz principal, Actor Reparto, Montaje, Fotografía, Banda Sonora, Canción, Diseño de Producción y Vestuario. 

Ganadora en los Globos de Oro como Mejor Actriz Principal. Nominada como Mejor película (drama), Dirección, Actor Principal, Actor Reparto, Guión y Banda Sonora. 

Otras películas de Martin Scorsese:

2013: The wolf of wall street

Otras películas de Leonardo DiCaprio:

2019: Once upon a time... in Hollywood

2015: The revenant

2013: The wolf of wall street

2012: Django unchained

Otras películas de Robert De Niro:

2019: Joker

2012: Silver linings playbook

2012: Red Lights

2011: Limitless

2010: Stone

Anatomie D'une Chute / Anatomía de una caída (Francia, 2023)

Género: Drama. Misterio. 
Dirección: Justine Triet.
Protagonistas: Sandra Hüller, Milo Machado Graner, Swann Arlaud
Duración: 150 minutos
Año: 2023

Llama notablemente la atención el que Anatomía de una caída, desde su mismo poster promocional te revele de que va esto: una muerte misteriosa. Dicho en simple, la dirección de Justine Triet no teme el develar la acción, ¿por qué? Simple: es que la película es muchísimo más que esto. Es más, en sus primeros veinte minutos el (aparente) nudo principal de la película ya ha sucedido, por lo que la pregunta cae de cajón: ¿y ahora qué? ¿El clásico dilema de "quien es el asesino" con algún giro sorpresa en el camino? ¡Porque nos quedan aún más de dos horas de película! Sin embargo, nada más lejos de la realidad. El guión nos arma en adelante un plato sabroso lleno de exquisitos detalles donde el principal mérito está en la capacidad de jugar con tu cabeza, instalando frente a ti todas las pistas pero escondiendo a toda costa la verdad, al punto de volverla un asunto totalmente subjetivo. Esto además de desarrollar en paralelo una serie de hilos dispuestos a explotar en tu mente. 

En dicho sentido, la película no te regala nada y se muestra completamente abierta hasta último momento, internándonos en un juicio "a la francesa" (totalmente distendido, casi como una civilizada conversación) en donde observaremos el duelo entre dos notables abogados y un guión que jugará contigo tras cada una de sus excelentes intervenciones (insisto y remarco este punto, que el rol de los abogados en el desarrollo de la historia es realmente espectacular). En el camino, serán pocos los personajes que veremos en escena, principalmente a Sandra (una tremenda Sandra Hüller, a quien quizás algunos recuerden por su papel casi diez años atrás en la alemana Toni Erdmann), una mujer que oscilará entre su frío carácter y momentos de desborde, su pequeño hijo ciego Daniel y su perro guía Scopp (Messi en la vida real), por cierto, ¡vaya actuación ha regalado el animal!

Pero lo dicho, que todo el asunto relacionado con el juicio será complementado con un drama transversal que está presente desde la primera escena (aunque no lo sabemos) pero que explotará a medio andar: la complicada relación entre Sandra y el fallecido Samuel, cuyas aristas también iremos conociendo con el correr de los minutos. Y acá me quiero detener porque no es común el que una película detalle de manera tan notable la complejidad de los conflictos al interior de una pareja como aquí ocurre. Se expondrán heridas aún abiertas, frustraciones personales, conflictos, rencores, recriminaciones, celos, todo en un cóctel tal realista como doloroso donde Justine Triet te invita a tomar palco en medio de una escena pensada y ejecutada con total maestría. Además, el como la revelación de este conflicto impactará en la mente del pequeño Daniel es algo que también la película sabrá desarrollar en toda su recta final, instalando de manera natural un elemento capaz de destrozar cualquier tipo de relación: el virus la desconfianza .

En definitiva, un manjar de película. Un viaje en donde los detalles son todo, donde cada diálogo dice y esconde algo, donde la verdad pareciese siempre asomarse desde bajo la alfombra. Cine con mayúsculas.

¿Lo mejor? El como la película utiliza la excusa de la búsqueda de la verdad para desarrollar puntos muchísimo más profundos.  

¿Lo peor? Por buscar algo, el personaje del niño (Daniel) a ratos pareciese demasiado pragmático dada la situación que está viviendo. 

¿Dónde verla? La tengo en mi Plex.

Ganadora en los Premios Oscar como Mejor Guión Original. Nominada a Mejor Película, Dirección, Actriz principal y Montaje.

Ganadora en los Globos de Oro como Mejor Guión y Mejor Película de habla no inglesa. Nominada como Mejor película (drama) y mejor actriz principal (Sandra Hüller).

4.5 : ¡Brillante!

Nyad (2023)

Género: Drama. Verídica.
Dirección: Elizabeth Chai Vasarhelyi, Jimmy Chin.
Protagonistas: Annette Bening, Jodie Foster.
Duración: 120 minutos
Año: 2023

¡Que placer el ver a Annette Bening en pantalla! Con su desplante, carácter y puesta en escena que no pierde fuerza ni carisma pese al paso de los años. Desde ahí, Nyad ya es una experiencia que vale la pena. Ahora, si a ella la complementamos con Jodie Foster (que, por cierto, está como quiere a sus 61 años de edad), que decir, el cóctel está completo. El resto sería ver si la dirección + guión logran hacer lo suyo y estar a la altura de sus interpretes. 

Nos encontramos así con una historia verídica, la obsesión de Diana Nyad por cruzar 180 kilómetros a nado (desde Cuba a Florida) a sus sesenta años de edad, y a treinta de haber dejado la actividad. En esta misión la acompañará su fiel amiga Bonnie Stoll además de un equipo que se le irá sumando en el camino. Nyad por tanto es una historia de resiliencia y deportividad que emociona, entretiene y tensiona a causa de la enorme expresividad de Annette Bening, además de un trabajo de maquillaje/montaje extraordinario capaz de ayudar instalarte a la perfección en el lugar de la acción. 

Habrán detalles en el guión, sin embargo. Si bien la película vuelve en el tiempo unas cuantas veces para explicar la historia de la protagonista, jamás queda del todo claro las causas que provocan el regreso de Diana a esta compleja misión. El giro es demasiado brusco. La conocemos como una mujer arisca, desagradable incluso, llena de amargura y de pronto, de la noche a la mañana, la vemos comenzar a prepararse para su regreso. Podemos deducir sus motivos, ya sea el enfrentar el fantasma de la mayor decepción de su vida o el comprobarse a si misma capacidades (pese al paso del tiempo), pero nada de esto se profundiza en la película y más bien lo debemos deducir. Abandonar la práctica de la pasión de tu vida durante treinta años no es cosa menor, pero el filme deja de lado la explicación de ese importante ida y vuelta, para centrarse básicamente en la acción. 

Fuera de lo mencionado, Nyad funciona a la perfección como un viaje emocionante (la recta final es un manjar), y también como un ejemplo de vida que impacta. 

¿Lo mejor? Annette Bening.

¿Lo peor? La psicología de la protagonista queda algo coja.

Nominada en los Premios Oscar como Mejor Actriz Principal y Secundaria.

Nominada en los Globos de Oro como Mejor Actriz Principal y Secundaria.

3.5: Muy buena.

Otras películas de Annette Bening:

2019: Life itself

2019: The report

2010: The kids are all right

Otras películas de Jodie Foster:

2011: The beaver

2010: Carnage

Maestro (2023)

Género: Biográfica. Drama.
Dirección: Bradley Cooper.
Protagonistas: Bradley Cooper, Carey Mulligan. 
Duración: 120 minutos
Año: 2023

En el afán de escudriñar detrás del mito de Leonard Bernstein y "separar a la obra del artista" es que Bradley Cooper se ha lanzado de lleno a un viaje valiente y desafiante. En Maestro, el actor/director se ha propuesto exponer aristas de la vida personal del afamado músico, es decir, todo aquello que se esconde bajo la inmensa sombra del mito, realizando así una película íntima y descarnada que busca internarse en la complejidad del personaje, principalmente su egomanía. Esto mediante dos tiempos marcados (y muy diferentes entre si), una primera sección de cincuenta minutos rodada en estricto blanco y negro donde se nos muestra la vida de Leonard antes de la fama, su encuentro con Felicia Montealegre y ascenso al reconocimiento, para luego pasar a una fase en colores que abandonará la juventud, la fantasía y lo idílico para centrarse en el cotidiano crudo, contradictorio y complejo del artista. El resultado no es del todo fácil de llevar, se vuelve algo pesado a momentos (principalmente en esa primera parte a causa de lo inquieto del relato) pero en el global resulta un ejercicio a la altura del desafío y que muestra a Bradley Cooper en su mejor faceta, tanto en dirección como actuación. 

Siendo claros, el eje transversal que la película recorrerá será su relación marital con Felicia (algo que seguro molestará a más de alguien), al punto de que durante algunos pasajes de plano ella será la protagonista, en un giro notable que entrega espacio para que Carey Mulligan pueda lucirse con su interpretación. En concreto, está muy bien logrado el contraste entre las miradas enamoradas e ilusionadas que Felicia entrega a Leonard en la primera mitad de película, y el absoluto desencanto que transmite en la segunda parte. El resto será complementar con la intimidad del artista, su paternidad, bisexualidad (¿una homosexualidad no asumida? Cooper lo deja en el aire), adicciones, debilidades y conflictos emocionales varios. 

En ese camino, habrán asuntos no explorados del todo. No nos queda tan claro el motivo de cierta depresión que se insinúa (aunque podemos armar nosotros el puzzle con lo que se muestra), sin embargo, Maestro destaca por ese vaivén constante entre el genio respetado por su entorno y la persona de carne y hueso, la cual evidentemente solo pudo conocer/sufrir Felicia Montealegre. Todo esto en el marco de una película realizada con enorme cariño por el cine. 

By the way, mención aparte al maquillaje. Sencillamente espectacular.

¿Lo mejor? Tras una primera parte en exceso hiperquinética se agradece la brusca pausa que la película realiza pasada la primera hora, abordando la humanidad del personaje.

¿Lo peor? Seguro a muchos les sabrá a poco el que se centre tanto en el padecer de Felicia. 

¿Dónde está? En Netflix. 

Nominada en los Premios Oscar como Mejor Película, Director, Actor principal, Actriz Principal, Guión Original, Fotografía, Maquillaje y Sonido.

Nominada en los Globos de Oro como Mejor película (drama), Director, Actor principal y actriz principal.

4.0 : Excelente.

Otras películas de Bradley Cooper:

2018: The mule

2013: The place beyond the pines

2013: American hustle

2013: Silver lining playbook

2012: The words

2011: Limitless

Otras películas de Carey Mulligan:

2018: Inside Llewyn Davis

Oppenheimer (2023)

Género: Histórica. Biográfica.
Dirección: Christopher Nolan.
Protagonistas: Cillian Murphy, Robert Downey Jr, Emily Blunt, Matt Damon, Florence Pugh, Ben Safdie, Rami Malek.
Duración: 180 minutos
Año: 2023

Tras el desastre de Tenet (2020) había que ver si Christopher Nolan lograba zafar de si mismo, de su grandilocuencia y ego desmedido. Lo curioso es que muy en su línea, lejos de recular hacia un proyecto "menos exigente", el director decidió para un siguiente filme abordar una tarea aún más desafiante. Dicho en simple: se jugó el pellejo y el prestigio en Oppenheimer, con seguridad su película más arriesgada a la fecha. Había que ver, sin embargo, si su mirada en torno a la figura del físico estadounidense cuajaba, se comprendía y hacía sentido pues finalmente ahí es donde ha terminado fallando en muchas de sus películas.

En ese camino, un primer paso (y esencial en cierto modo) es tomar posición respecto al personaje. Tener claro un objetivo, lo que se desea mostrar en pantalla, y ese punto también hay que entregárselo a Nolan. Sin medias tintas el director ha decidido humanizar a Oppenheimer, desarrollando en paralelo varias líneas, todas relacionadas con la persona, intentando escapar de la caricatura del genio brillante. La película por tanto no se centra del todo en su obra si no más bien intenta meterse en el cerebro del personaje, abordando sus inquietudes en la física pero también sus ansias por serle útil a la sociedad, por ende, sus acercamientos políticos al mundo comunista (enorme el momento en que afirma que "sus teorías acerca del colapso de las estrellas no le son útiles a la gente en el día a día"), movimientos que en un contexto de guerra fría le significarían tras el lanzamiento de la bomba atómica una persecución y acoso por parte del establishment estadounidense, siendo este el eje transversal que se desarrollará prácticamente durante toda la película, con Lewis Strauss (Robert Downney Jr.) como notable antagonista. 

De esta forma, mientras observamos toda la logística desarrollada por los Estados Unidos en torno a la construcción de la bomba (y todo el dilema respecto a "quien la construye primero", si los alemanes, rusos o ellos), observaremos desde las dudas y contradicciones de Robert Oppenheimmer hasta sus vínculos amorosos, en un cóctel de tres horas de duración, con una dinámica acelerada (es Nolan, pedirle que vaya lento sería contra natura) pero que logra comprenderse debido a la claridad con que se expresa. Ahí me parece reside el principal mérito de Oppenheimer, en la capacidad de mostrar tantos elementos en pantalla sin perder el norte y con un ritmo que si bien es exigente con el espectador, atrapa. Hay momentos en los que sientes, tanto desde lo visual como argumentativo, el que estás viendo una maravilla del séptimo arte, y aquello es todo mérito del director. Ayuda por supuesto un guión impecable y la labor de un notable Cillian Murphy como protagonista, un tipo que transmite las emociones que el personaje exige, transitando desde la ilusión y confianza hasta la angustia y el remordimiento siempre de manera convincente.

Ante el enorme y exigente desafío auto impuesto Christopher Nolan ha salido jugando, lo cual es notable. El director se la ha jugado por entregar una mirada humana de Robert Oppenheimer, intentando abarcar varias dimensiones del personaje mediante una dinámica siempre intensa pero interesante y atractiva. La película quedará enmarcada como parte de lo más brillante que haya filmado. 

¿Lo mejor? La cantidad de trazos en paralelo que desarrolla sin perder el norte. 

¿Lo peor? Las apariciones de Albert Einstein en plan "viejito gagá" me han parecido lo único lamentable. 

¿Dónde verla? En Amazon Prime Premium o en mi Plex. 

4.5 : Brillante.

Ganadora en los Premios Oscar como Mejor Película, Director, Actor principal, Actor secundario, Montaje, Fotografía y Banda Sonora. Nominada como Mejor Diseño de vestuario, Diseño de producción, Edición, Sonido, Maquillaje y Guión Adaptado.

Ganadora en los Globos de Oro como Mejor película (drama), Director, Actor principal (Cillian Murphy), Actor secundario (Robert Downey Jr) y Banda Sonora.

Otras películas de Christopher Nolan:

Interestellar (2014)

Otras películas de Cillian Murphy:

Red lights (2012)