Bendita sea la novia del torero. Los tristes que se ríen de la tristeza. Los calvos que se quitan el sombrero, ante la dignidad y la belleza... Benditos sean.
Género: Drama / Género / Religión Dirección: Martin Koolhoven Protagonistas: Guy Pearce, Dakota Fanning Duración: 150 minutos Año: 2016
Curiosa película me encontré hace unas semanas, la cual decidí descargar básicamente a causa de Guy Pierce, que me parece un actor que suele cumplir, y bueno, esta no ha sido la excepción. Ambientada en los Estados Unidos de fines del Siglo XIX, Brimstone enmarca su historia en un contexto de pobreza y precariedad, donde la religión (como suele aún ocurrir) tomó dominio de la población y junto con ella tomó fuerza un machismo exacerbado, enfermizo y llevado al límite. En aquel mundo es que conoceremos a un alienado predicador (Guy Pierce), en extremo misógino y que tras hacerle la vida imposible a su esposa decide abusar, violentar y perseguir por cielo, mar y tierra a su hija Liz (Dakota Fanning).
La historia es fuerte y consigue en su trámite provocar el que nos indignemos frente a lo que vemos, la injusticia, el abuso y la impunidad. Además está narrada de manera singular en cuatro actos desordenados de media hora cada uno aproximadamente, lo cual le aporta un elemento atractivo a la comprensión de la historia. Sin embargo, también hay problemas que lastran bastante el asunto. Principalmente el que la película se vuelve demasiado larga. Dos horas y media son demasiado para una historia cuyo objetivo es tan puntual y esto provoca el que la trama se extienda incluso de manera ridícula, con un personaje que acaba hacia el cierre transformándose en una especie de Terminator indestructible en busca de su respectiva Sarah Connor, lo cual le resta bastante humanidad a lo que muestra la primera mitad de cinta.
Brimstone es una película interesante, con una crítica ácida al fanatismo religioso y al abuso que el cristianismo impuso sobre las mujeres, particularmente en los Estados Unidos post 1800. Hay acción cada cierto rato y eso la vuelve llevable. Lamentablemente se extiende de manera innecesaria, incurriendo en fallos que le restan bastante, con un desenlace predecible que perfectamente pudo llegar media hora antes.
¿Lo mejor? El retrato de un ambiente dominado por una enferma moral religiosa.
Género: Drama Biográfico Dirección: Reinaldo Marcus Green Protagonistas: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis Duración: 135 minutos Año: 2021
Le tenía ganas a esta película. Había leído/escuchado que Will Smith iba fijo por el Oscar con la historia del padre de las hermanas Williams, así que me senté gozoso el fin de semana pasado a disfrutar de este drama biográfico. Y bueno, ¿Con qué me encontré? Efectivamente con una película hecha para y por el lucimiento de Will Smith, quien encarna a un padre de familia (con cinco hijas) obsesionado con la idea de que sus hijas poseen un talento innato para ser tenistas. Desde pequeñas, por tanto, se ha dedicado a prepararlas en el deporte (¿él y su esposa son ex deportistas? ¿Una especie de atletas frustrados? La película no lo deja claro aunque se intuye algo de eso) y a buscarles incansablemente un entrenador para ambas, y bueno, como bien sabemos, de alguna forma lo logrará...
Desde aquel punto de partida debo admitir que me costó tragar la primera media hora de película. Percibí en el aire la idea del "sueño americano", de aquel personaje sufrido (con un temple a prueba de todo) que encontraría el éxito tras años de frustración, sumado a un ensalzamiento descarado de la figura del protagonista, e inevitablemente se me vino a la memoria The pursuit of happiness ("En busca de la felicidad") de 2006, también protagonizada por Will Smith (y con la que fue nominado al Oscar). Me sentí entonces de entrada un poco manipulado y con la idea del "vamos, que esto ya lo hemos visto", lo cual me mató un poco la pasión. Ahora, con igual énfasis debo comentar que a poco andar King Richard me volvió a enganchar, porque méritos tiene...
Durante el desarrollo de la película se reitera bastantes veces (hasta el cansancio, de hecho) la idea de que Richard Williams tenía un plan (casi religioso) designado para sus hijas pero con un matiz relevante: este plan iba de la mano con un componente valórico no menor. A Richard Williams (o al menos eso es lo que nos intentan vender) no le interesaba "el éxito por el éxito" o el que sus hijas triunfasen para simplemente dejar de ser pobres. De hecho, no las vende, pese a las múltiples oportunidades que se le presentan en el camino, le interesa proteger la infancia de sus niñas en lugar de entregarlas a un mercado que las estrangularía a pronta edad. Aspecto que se refuerza cuando lo vemos intentando explicarle a sus hijas la importancia de conservar la humildad ante el triunfo. En todos esos momentos, la película suma puntos...
También cuando cada cierto rato se humaniza al protagonista y se le baja a terreno mortal, dejando a entrever sus carencias (aunque jamás adentrándose en ellas, hay que decirlo). Denotan su machismo, por ejemplo, y regalan una escena donde invisibiliza la labor de su esposa, así como se mencionan hijos que habría tenido fuera del matrimonio (los cuales "lo encontraron")o el que tomaba decisiones completamente solo sin interesarle alguien que no fuese él mismo. El resto será cliché bien armado, aunque con algunos hilos que no conectarán del todo. Por mencionar uno, en un momento vemos a un grupo de tipos molestando a sus hijas y enfrentándolo a golpes. Luego estos jóvenes salen de la película (de manera bastante burda además) por lo que su aparición acaba pareciendo forzada. Dicho en simple: los podrías sacar y no pasa nada.
Con todo, King Richard es un bio pic hecho para el lucimiento de Will Smith (que lo hace excelente, hay que decirlo), que en general funciona y seguro más de algún Oscar se llevará. En el contexto de ser una película bastante tradicional, está bien, hay emoción y momentos tensos a caudal, y en sus dos horas de extensión posee un ritmo más que aceptable.
¿Lo mejor? Los momentos en que se humaniza al protagonista y que, si te gusta el tenis, te la vas a gozar...
¿Lo peor? Que ojalá se hubiese indagado más en las carencias del protagonista...
¿Dónde la vi? La descargué en yts.
Ganadora Oscar Mejor Actor (Will Smith).
Nominada en las categorías Mejor Película, Mejor Actriz Reparto (Aunjanue Ellis) y Mejor Edición.
¿Buscando una película diferente? Vamos con una película diferente.
Inmersa entre las montañas nórdicas, desde su sola estética Lamb llama la atención. Sus colores, la frialdad y soledad de los paisajes armarán un conjunto ideal para la (extraña) historia que se nos muestra, una llena de simbolismos, referencias y singularidades, protagonizada además por la siempre notable Noomi Rapace, por lo que realmente poco más se puede pedir.
Contemos primero lo que se puede contar, luego iremos al spoiler donde meteré mis interpretaciones. Se nos presenta acá a una pareja aislada del mundo que se dedica a criar corderos. A poco andar se nos insinuará que esta pareja ha vivido una pérdida ("Ojalá fuese posible retroceder el tiempo..." - afirma la protagonista en un desayuno), y más adelante lo confirmaremos (Ada se llamaba su hija), pero todo cambiará el día en que encuentran una retorcida (y sobre natural) manera de aliviar su dolor. El resto hay que armarlo en una de esas películas que hay que ver más de una vez para pillarle los detalles, los cuales comienzan con fuerza en la primera escena, es más, me atrevería a afirmar que en los primeros cinco minutos de cinta está la explicación para todo, el punto es que no lo vemos, está ahí pero no lo sabemos. Y bueno, si no has visto Lamb mi consejo es que vayas por ella y luego vuelvas acá a seguir leyendo, que la experiencia lo merece...
(Spoiler desde acá)
Lo dicho, que el asunto abre con un grupo de caballos en la nieve (preciosa toma por cierto), los cuales se encuentran con un extraño ser del que solo escuchamos su respiración. Los caballos arrancarán y el ser apuntará su mirada hacia una lejana casa. Entraremos con él a un rebaño repleto de corderos temerosos, nuevamente con la respiración ahí entre los animales. Finalmente conocemos a la pareja protagonista, quienes elegantes se sirven una cena mientras el ser les observa desde afuera. ¿Un ritual? Puede ser... Y claro que puede ser considerando lo que vemos a continuación: la pareja colabora en el nacimiento de un cabrito al cual deciden adoptar y tratar como a una hija, a quien también le llaman Ada.
Y desde ahí, todo fluirá sin problemas. El animal se comportará de inmediato como un bebé (es hermoso incluso verlo beber leche desde una botella) para luego poco a poco adoptar un cuerpo humano, y pese a lo bizarra de la situación, la pareja abandona su estado de tristeza y comienzan a vivir un renacer emocional e incluso sexual, no sin antes protagonizar un conflicto "entre madres" o la llegada del hermano del protagonista, quien observa y cuestiona la aparente locura que está presenciando.
La película por tanto juega a dos bandas.La parte sencilla (y la más evidente) es la historia de una pareja que realiza un pacto con el diablo para reemplazar una pérdida, este aceptará el trato aunque luego volverá para tomar lo suyo. En paralelo, sin embargo, hay referencias evidentes al cristianismo (sin ir muy lejos, ella se llama María) y a la inconsciencia del ser humano respecto a sus actos, su egoísmo y hasta donde es capaz de llegar (o vulnerar) en pro de su "felicidad", transformando incluso la naturaleza de las cosas (algo de animalismo hay en la película).
La película puede entenderse también como un cuento, una fábula fantástica con moraleja incluida. ¿Justifica el dolor el que tomemos cualquier tipo de decisión para aliviarnos? ¿Incluso a pesar del sufrimiento del resto? Como sea, Lamb me resultó una experiencia fascinante, diferente y digna de ser revisada con cuidado. Absolutamente recomendable.
¿Lo mejor? Lo original de la propuesta.
¿Lo peor? Los simbolismos por momentos son demasiado sutiles y difíciles de captar.
¿Dónde la vi? No está (por ahora) en plataformas. La descargué en yts.
Género: Política Dirección: Mike Nichols Protagonistas: John Travolta, Emma Thompson, Kathy Bates, Billy Bob Thornton, Adrian Lester, Maura Tierney Duración: 140 minutos Año : 1998
Vamos con una (ya) viejita... Es que si te gusta la política, esta te la vas a gozar. Yo la había visto en su momento, veinte años atrás, y ahora, pasado tanto tiempo la he vuelto a buscar y la volví a disfrutar como cuando adolescente. ¿Las razones? Varias. Primero el contar con un elenco que incluye a notables figuras noventeras que por ese entonces eran garantía de nivel (ya solo con el combo Emma Thompson + Kathy Bates el asunto se sabe volará) pero también por lo que la película nos quiere mostrar: los entretelones tras bambalinas del ajetreo político que rodea una campaña presidencial, jugando todo el tiempo con el morbo pero coqueteando siempre con la comedia y el drama.
En este caso, el contexto es el Partido Demócrata y la figura de Jack Stanton, un bonachón gobernador del sur de los Estados Unidos (encarnado por John Travolta), en un guiño EVIDENTE a la figura de Bill Clinton, que a fines de los noventa aún era alguien relevante en la escena. De esta forma, la película confronta desde su primera escena el idealismo de la juventud con el pragmatismo de la realpolitik, vemos así al gobernador llorando ante un grupo de adultos que no han acabado sus estudios secundarios para cinco minutos después cogerse a una profesora frente a los ojos de todo su equipo. El cinismo, la hipocresía, el abuso de poder y el machismo, por tanto, son ejes centrales en una película que luce gracias a su buen ritmo y lo dicho en un comienzo, la aparición de personajes femeninos enormes, sobre todo el de Emma Thompson, quien está inmensa haciendo de Hillary transmitiendo su impotencia ante un mundo que, como mujer, no puede cambiar. Por cierto, la lista de secundarios también funciona a la perfección.
La película quizás se extiende demasiado, con un John Travolta que honestamente jamás parece encajar completamente con la altura que requiere su personaje, y en su recta final intenta dramatizar de manera algo forzada, pero con todo, es un manjar. Finalmente esta logra instalar el dilema: el poder está ahí, esperando por quien luche por el, sin embargo... ¿estará cualquiera dispuesto a pagar el costo?.
¿Lo mejor? Esa constante sensación de no saber si reír, llorar o vomitar con lo que ves.
Género: Drama Dirección: Derek Cianfrance Protagonistas: Ryan Gosling, Michelle Williams Duración: 110 minutos Año : 2010
Películas de relaciones hay miles pero pocas, sin embargo, han decidido abordar el crudo sub género del desgaste y/o rupturas. Recientemente tuvimos Marriage Story ("Historias de un matrimonio" de 2019, una que espero algún día abordar acá en mi querido blog) pero no son demasiadas las que osan meterse en líneas tan complicadas. El caso es que una década atrás Derek Cianfrance entró ahí construyendo un verdadero neo clásico, una película que de mostrarse en los colegios quizás ahorraría varios desastres posteriores.
Las grandes verdades de la vida suelen ser más sencillas de lo que creemos y Blue valentine va por ahí, mostrándonos el presente de una pareja cuya decadencia está desatada, donde ambos intentan (él más que ella para ser justos) sobre llevar la rutina, el desgaste y la desmotivación, sin embargo, mediante una serie de flashback la dirección con inteligencia va mostrándonos la raíz del problema, desde donde vienen y el porque están juntos, para así llegar a una dramática línea que acaba resumiendo todo: lo que comienza por razones equivocadas, terminará mal.
Dónde no hay, no habrá. Aquella idea se transmite de manera perfecta en la dupla protagonista, con Ryan Gosling encarnando a un hombre/niño frustrado e impotente ante la realidad y a Michelle Williams en un tono siempre opaco, triste y desencantado de la vida, viviendo y transmitiendo su depresión ante una realidad que de pronto se le vino encima. Sin que explícitamente se muestre, ella es el verdadero eje de la película. Finalmente la película es el derrumbe emocional de una pareja que se instala frente a tus ojos donde la potencia reside el proceso de descomposición, en ese fin que ves venir y frente al cual hay poco que hacer, salvo sobre vivir.
A diez años de su creación Blue valentine continúa luciendo cruda pero necesaria. Una maravilla moderna no apta para amantes del amor en versión Disney.
¿Lo mejor? El desencanto que transmite.
¿Lo peor? La imagen promocional (el poster). Nunca me ha hecho sentido. No representa ninguna escena ni tampoco hace sentido con lo que es la película.
Género: Drama Dirección: Michael Sarnosky Protagonistas: Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin Duración: 90 minutos Año : 2021
Tras los primeros diez minutos de Pig hay una línea que inevitablemente retumba en tu mente "esta película ya la vi". Y es que se nos muestra acá a un hombre solitario que debe salir en búsqueda de su mascota, por lo que te imaginas lo que vendrá: "esto será una especie de John Wick, con Nicolas Cage matándolos a todos". Pero no. Rápidamente la dirección de un debutante Michael Sarnosky se encarga de mostrarte que acá el asunto no es tan liviano como parecía, y me gusta cuando las películas esconden mensajes profundos bajo capas superficiales.
Sarnosky lo intenta, y ahí hay mérito. Intenta venderte una película entretenida que apunta a más. Te muestra la travesía de un personaje extraño (Nicolas Cage está notable, solo le reconocí un momento en que sonríe innecesariamente, pero en general está inmenso) situado en un contexto muy pero muy singular donde debe hacer (re)ingreso a la sociedad, tras diez años de total distancia, en la búsqueda de su cerdo trufero (si, un cerdo trufero). Desde ahí, la película abordará temáticas como la pérdida, el dolor, el amor, el consumismo y la alienación, dejando completamente de lado la acción y concentrándose en momentos de profunda emoción.
El resultado es una película extraña pero que triunfa con el as que saca bajo la manga. A destacar el que, a diferencia de lo que creíamos en un comienzo, Nicolas Cage interpreta a un personaje roto que encara todas las diferencias desde la emocionalidad, más no la violencia, logrando escenas memorables (al menos dos en la última media hora de película) en la línea de un personaje quebrado al que le da prácticamente ya todo igual. La película no indaga demasiado respecto a su pasado, no hay flashback explicativos, y eso también suma pues instala en el aire la idea de que es uno como espectador quien debe interpretar de acuerdo a lo que ve.
En definitiva, una experiencia entretenida con momentos de poesía y profundidad, que va de menos a más y vale la pena revisar.
¿Lo bueno? Los momentos top en donde el protagonista recurre a las emociones para quebrar a sus antagonistas.
¿Lo malo? La maldita necesidad de instalar a un personaje tontorrón que acompaña a nuestro héroe, algo muy típico y que acá está resta bastante.
Género: Drama Dirección: Aleem Khan Protagonistas: Joanna Scanlan, Nathalie Richard, Talis Ariss Duración: 90 minutos Año : 2020
Nuevamente una película feminista que no se cuelga el cartel de "¡Hola! Esta es una película feminista". Bien. Pero no solo eso, After love es una de esos filmes que con poco (o al menos en apariencia), logra demasiado, una película que pese a situarse lejos de la acción y mantener un estilo en general sobrio, sabe avanzar sin jamás agotar. Aleem Khan es quien lleva adelante esta historia, muy humana en el fondo, donde conocemos a una viuda que acaba de enterarse que su difunto marido sostenía una doble vida, por lo que sorpresivamente decide ir en busca de aquella verdad, atravesando así un camino de introspección, conocimiento y crecimiento.
After love nos sitúa por tanto en la perspectiva de una mujer adulta (y desde ahí, ya impacta), entrada incluso en la tercera edad, y gracias al talento del director, nos hará sentir y vivir su experiencia, sus temores, dolores y aprendizajes. Ahí, los detalles son todo, con una Joanna Scanlan que está inmensa en el desarrollo de su personaje. Sus miradas nos ayudan a comprender y empatizar sin necesidad de demasiados diálogos, así como también los planos del director (tanto a la protagonista como a paisajes) que expresan ideas y sensaciones. Esto inmerso además en un particular contexto cultural, pues la protagonista es una musulmana que vive en Inglaterra, asunto que el director aprovecha para meterse con sutileza con las costumbres y la religión.
Todo está muy bien puesto en esta delicada y cuidada película, que nos habla de que al final la vida sigue para todos y todas. Aquello que se ha derrumbado queda ahí, en el suelo. Y hay heridas que nos acompañarán siempre, sin embargo, la vida sigue. Ahora, la manera en que el director aborda esta idea y como construye el relato, plagado de poesía visual, es sencillamente sensacional.
¿Lo mejor? Los planos y el que cada uno de ellos, cada gesto en el silencio represente algo demasiado potente.
¿Lo malo? Por buscarle algo, que el melodrama de la recta final puede resultar algo agotador.
Género: Suspenso Dirección: M.Night Shyamalan Protagonistas: Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell, Nikki Amuka-Bird Duración: 105 minutos Año : 2021
Estaría bueno que el mundo cinéfilo aceptase que M. Night Shyamalan no es nada más ni nada menos que un director comercial que crea películas de suspenso entretenidas que cuentan con un giro de guión sorpresa en su recta final. Quien pensó tras Sexto sentido (1999) que el tipo era un genio, pues se equivocó, y aquello quedó demostrado cuando se creyó más de lo que era y nos mató de aburrimiento con La mujer en el agua (2006). Sin embargo, nada de esto lo transforma en un mal director de plano sino más bien en un autor de bajas pretensiones. Y no pasa nada.
Todo esto a propósito de su reciente Old, una más en su extensa lista de filmes que plantean de entrada una idea interesante que luego se desbarajusta debido a que Shyamalan no puede, no sabe o derechamente no le interesa, construir un relato coherente o que profundice en cuestiones mínimas (en los personajes, por ejemplo). Él solo quiere entretener. ¿Y funciona Old en esa línea? A ratos.
(Spoiler desde acá)
Partamos comentando algo: que el solo título de la película ya mata bastante la magia. Pues comenzando sabemos que el tiempo (y el envejecer) en un tema relevante, por lo que cuando un grupo de personajes visitan una misteriosa playa anticipamos rápidamente por donde irá el asunto. De ahí en adelante, pasando la primera media hora de película (que te atrapa, digámoslo), se desarrollarán a velocidad crucero una serie de sucesos algo histéricos, uno tras otro y de manera violenta. Surge ahí un primer problema: que el mismo ritmo de la acción te impide digerir lo que estás viendo. Si a eso sumas un conjunto de personajes por los que sientes cero empatía (nunca te los presentan más allá de contarte que la pareja protagonista está al borde del divorcio), que caen además en el típico cliché del latino, el negro, el oriental + un grupo de gente blanca (donde ya sabemos quienes morirán primero), y unas incoherencias espantosas de guión (las personas envejecen pero no les crece el pelo ni la barba, o el que los niños crecen... junto a su ropa), que decir, la película se desinfla sola. Para colmo, en los minutos finales llegará el clásico giro de timón que pretende resolver la película pero acá Shyamalan lo hace de la manera más poco creíble y rebuscada posible, cerrando así una buena idea pero que pierde demasiado ante tanto absurdo.
La mejor película de M. Night Shyamalan en los últimos diez años ha sido The visit (2015). No creo que sea coincidencia el que esta sea de las más sencillas que ha filmado. Y es que cuando el director intenta ir por un poco más, se marea. Y eso acá le ha vuelto a ocurrir.
Género: Ciencia ficción / Terror Dirección: Egor Abramenko Protagonistas: Oksana Akinshina, Fedor Bundurshuk Duración: 110 minutos Año : 2020
En varias instancias acá en el blog he comentado el que me gustan las películas de bichos en el espacio. Si pillo alguna no me la pierdo. Pero claro, que el género está bastante explotado y basta que alguien muestre algo nuevo para que otros de inmediato tomen la idea. Eso sin mencionar que la eterna 'Alien' (la original de Riddley Scott) siempre estará en nuestras mentes como referente al ver una película de este estilo. 'Sputnik', sin embargo, si bien toma algunos elementos de esta intenta también acercarse a obras hollywoodenses mucho más recientes, como 'Life' (2017), por ejemplo, con la cual presenta algunas similitudes. El resultado acaba siendo un producto que todo el rato está cerca del cine hollywood e intenta llevarlos esto a su terreno, a veces triunfando y en otras fracasando, aunque en el global el saldo es positivo pues la película pretende ser entretenida, meter terror, hacerte pasar un buen rato... y todo eso lo logra.
Como mencionaba, la película se acerca a 'Life' (en el diseño del bicho básicamente) y en el que lentamente nos vamos enterando de la naturaleza del ser extraño, pero de entrada, a los diez minutos, marca distancia con el género, pues la acción no se desarrolla en el espacio sino más bien en la tierra, y no en cualquier lugar: en la Unión Soviética de 1983. Todo ese cuento es interesante, además de estar muy bien recreado.
(Spoiler desde acá)
También se acerca a 'Alien' en la idea del ser humano con algo dentro pero nuevamente se distancia cuando se nos muestra (en un giro muy atractivo, hay que decirlo) que este alienígena sale a conocer nuestro mundo (y a adaptarse) durante un determinado tiempo. Más interesante aún es todo el rollo que intentan explicarnos respecto a la simbiosis entre ambos seres aunque la cosa se complica cuando nos enteramos de que se alimenta este ser extraño...
Y así, 'Sputnik' va y viene. Acierta bastante en su primera mitad pero en la segunda, cuando se lanza a la acción decididamente, comienza a fallar groseramente (todo el rollo con el niño que muestran no puede ser más innecesario), y peor aún cuando se da cuenta de que debe cerrar (pues va van casi dos horas de película) y decide hacerlo rápidamente entre clichés y clichés que se suceden. En definitiva, la película merece ser vista, pese a sus defectos (que seamos claros, no son pocos) porque es entretenida y su propuesta tiene lo suyo. Pero hay que saber a lo que se va.
¿Lo mejor? La ambientación, efectos y la primera mitad de película.
¿Lo peor? La cantidad de clichés que se suceden en la media hora final.
Género: Drama Dirección: Tom McCarthy Protagonistas: Matt Damon, Camille Cottin, Abigail Breslin Duración: 135 minutos Año : 2021
En 2015 Tom McCarthy dio la sorpresa con 'Spotlight' en los Oscar llevándose no solo el premio a mejor guión sino también a mejor película, en una clara señal que quiso dar la academia respecto a como vendrían las cosas en estos nuevos tiempos. Seis años después el escritor y director continúa insistiendo sobre dramas que intentan colocar un dedo en ciertas llagas, en esta ocasión metiéndose con el tema de la inmigración y lanzando entre líneas algunos palos a la idiosincrasia estadounidense. El resultado es una película sobria, correcta, con momentos altos y otros que se vuelven un poco lentos, pero que vale la pena revisar por su guión bien armado y un conjunto de actuaciones de alto nivel, donde destaca por sobre todo (y al contrario de lo que uno habría pensado) un Matt Damonsoberbioque encuentra aquí por paliza la mejor actuación en toda su carrera.
Damon interpreta de manera notable a Bill Baker, un estadounidense clase media baja promedio que debe viajar a Francia a visitar a su hija, que se encuentra sentenciada en cárcel por asesinato. Lo interesante es que McCarthy aprovecha esta dramática historia, bastante fácil de seguir, para meter sus palos, principalmente a la cultura estadounidense, que acá luce violenta y siempre ligada a la mentira, a la hipocresía. Bill es un buen hombre pero es lo que es y carga con lo que significa haber sido educado en los Estados Unidos,. Aquello es lo que Matt Damon logra transmitir a la perfección con su interpretación de hombre bruto y emocionalmente torpe, en una actuación que por si sola logra que esta película valga la pena. Una cinta entretenida, dramática y bien interpretada, aunque lamentablemente a ratos se vuelve algo pesada.
¿Lo mejor? Lo dicho, la actuación de Matt Damon, sumado a los palos que el director intenta meter.
¿Lo malo? Algo más de dos horas es demasiado para lo que la película quiere contar.
Protagonistas: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker Duración: 120 minutos
Año : 2016
Hay tipos que poseen el talento de encontrar el equilibrio de, estando metidos en la industria, entregarte un producto comercial de alto nivel.Denis Villeneuve es un de ellos. El tipo viene tocado desde hace bastante por lo que no queda más que seguir disfrutando de su cine y ver hasta donde logra sostener sus constantes reinvenciones. Y es que en el pasado pudimos verlo dirigiendo dramas en contextos históricos (Incendies, 2010), misterios muy hollywoodenses (Prisoners, 2013) o notables adaptaciones literarias (Enemy, 2013), saliendo siempre bien parado. Algo tiene el canadiense que es capaz de meterte drama sin ser innecesariamente meloso, de ser entretenido sin caer en el cliché molesto, y si en estos años hubo una película que representó su puente definitivo hacia las grandes producciones, esta fue Arrival (2016), donde contó con una enorme producción, actores y actrices de renombre y un guión que merecía estar a la altura. ¿Y el resultado? Sencillamente fantástico.
Lo dicho, que Villeneuve tiene el talento de pasarte un gato por liebre. Vas al cine o te sientas esperando una película de aliens y te encuentras con un dilema filosófico fascinante, con una experiencia, una historia sensible y cuidada al punto de venderte algo muy sencillo con una profundidad que impacta. ¿Los méritos? Primero: el instalarse desde la acción inmediata. En los primeros diez minutos la película te muestra y explica lo que debemos conocer, sin preámbulos innecesarios ni latas eternas donde se nos den a conocer los personajes. Segundo: la puesta técnica en escena, desde la iluminación, fotografía, colores y música. Y tercero: el hacerte pasar todo un viaje para acabar instalando el dilema en la mente: si tuvieses la oportunidad de escoger vivir el amor, ¿lo vivirías, aún sabiendo que todo desembocará en el sufrimiento?.
Porque de aquello va Arrival, no es una película de extraterrestres ni acción ni suspenso, es una oda a la vida. Y ese gato que te han pasado por liebre puede ser su mejor recurso o también defecto, dependerá de lo que el espectador busque al verla. Por que como dije en un comienzo, Villeneuve logra generalmente no caer en el cliché pero acá lo roza, encontrando los únicos "peros" que se le pueden achacar a la película, pese a que logra zafar únicamente gracias a todos los méritos mencionados en el párrafo anterior. Dicho en simple: hay clichés... pero no te logran arruinar la experiencia.
(Spoiler desde acá)
Porque como es hollywood, el director debe mostrar a buenos (Amy Adams, en un papel hecho para ella), los puentes (su científico colaborador y un militar interpretado por Forest Whitaker) y a los malos (los líderes chinos y rusos, que desean declarar la guerra a los extraterrestres). Y también de golpe (en la recta final de la cinta), nos encontramos con que la experta en lingüística logra comunicarse con los extraterrestres prácticamente de tu a tu, entendiendo su lengua ya casi a la perfección. Too much.
Frente al resto, sin embargo, no hay reparos. Lo dicho, un placer de película a la altura de las mejores que nos haya regalado la ciencia ficción, al menos durante la última década. Una experiencia fascinante de comienzo a fin.
¿Lo mejor? Meterte un dilema filosófico por película de aliens y, hay que decirlo, todo el rollo de la comunicación con los bichos.
¿Lo peor? Los clichés de hollywood en que inevitablemente cae.
Género: Drama Dirección: Hong Sang-Hoo Protagonistas: Kim Min-Hee, Seo Young-Hwa Duración: 75 minutos Año : 2020
Al hablar de películas feministas, rápidamente pueden dos tipos de filmes venirse a nuestra mente. Están aquellas cintas que van al choque en cuanto a moralina, discurso y propuesta, como las recientes Promising young woman (Emerald Fenneld, 2020) o I care a lot (J. Blakeson, 2020), y están aquellas más sutiles que con poco pretenden lograr demasiado, como esta surcoreana The woman who ran. Ambos tipos de películas son igual de necesarias, nos viene bien el que algo nos golpee, descoloque y remueva, pero también se agradece que existan propuestas que persigan el mismo objetivo pero situadas en una vereda completamente opuesta, muy pero muy lejos de Hollywood y en un tono opaco, lento, frío y arisco con el espectador. Digamos, como la vida misma.
Los coreanos siempre tienen algo que decir, algo diferente. Y The woman who ran de Hong Sang-Soo tiene lo suyo, una película desafiante desde su primer minuto y que, digámoslo, no es para cualquiera ni tampoco para cualquier momento. Hay que saber a lo que se va con este tipo de directores y si lo que buscas es acción, un guión con sobre saltos o altos momentos de suspenso... nada de eso lo encontrarás acá. La película es más bien lenta (en ese sentido, se agradece que dure solo 75 minutos), una de esas en donde pareciese "nada ocurre" (la película no tiene música incluso) pero donde en realidad todo está ahí, en las conversaciones tras conversaciones que vemos en pantalla y en los pequeños simbolismos que se nos muestran, es decir, esto es cine puro y duro, aunque en la sutiliza está el talento.
"La mujer que corrió" (el título anticipa bastante) es ante todo es una película feminista que busca provocar reflexión en el espectador lejos de los panfletos o la moralina fácil. De hecho, nada acá es evidente. Todo está en los gestos, tonos y en los primeros planos que el director intenciona. Nos encontramos frente a tres actos de unos 25 minutos cada uno en donde se nos muestra a una mujer que decide de golpe romper con su inercia y volver a su pasado, visitando a una serie de antiguas amigas que, tal como ella, en algún momento decidieron "correr".
La película transcurre entonces entre diálogos y el cotidiano de estas amigas. Pese al tiempo distanciadas apreciamos un enorme cariño hacia (y desde) ellas y a cada una la protagonista les explicará que lleva cinco años casada donde jamás se ha separado de su marido, ni siquiera un día, "porque él considera que las personas enamoradas siempre deben estar juntas". Por primera vez, sin embargo, él ha realizado un viaje de negocios y ella ha decidido inmediatamente volver a re encontrarse con su pasado...
Durante el desarrollo de los dos primeros actos, el director decide instalar algunos "rompe hielo", primero en un conflicto muy civilizado (y absolutamente genial) a causa de un gato (si, un gato) y luego mediante la presencia de un ex tóxico y obsesivo que acosa en su departamento a una de estas amigas. Desde ya comprenderemos la connotación que Hong Sang-Soo busca darle al relato, centrando la película en el compañerismo entre mujeres y donde los hombres son seres tremendamente básicos (al borde del ridículo), incluso jamás los vemos y nos los muestran siempre de espaldas.
(Spoiler en el siguiente párrafo)
Llegaremos si al acto final, donde se nos desatarán ciertos nudos. Nuestra protagonista decide finalizar su viaje visitando a una ex pareja (un connotado director de cine) y a su esposa, comprendemos que ellas fueron cercanas e incluso con una infidelidad de por medio. Hay acercamiento y perdón por parte de ellas, arrogancia y distancia por parte de él, cerrando el círculo con elegancia, entre silencios y miradas que dan muestra de la reflexión que el director buscaba.
En definitiva, lo dicho. Una película desafiante y diferente. Difícil y arisca donde nada se declara y todo es sutilezas. El cine hecho a modo de reflexión.
¿Lo mejor? Los cinco minutos de conversación entre vecinos en torno al tema del gato. Notable.
¿Lo peor? Efectivamente hay mucho diálogo intrascendente que tiende a agotar por momentos.
Género: Drama político Dirección: Benjamín Naishtat Protagonistas: Darío Grandinetti, Andrea Frigerio, Alfredo Castro Duración: 105 minutos Año: 2018
Vamos con otra película lamentable, una tremenda oportunidad desaprovechada. Lo peor de todo es que comienza de manera gloriosa, y desde ya lo comento: los primeros veinte minutos de "Rojo", por si solos valen la pena. Son tremendos. El problema es que tras esta primera escena todo se complica, confunde y tiende a la nada misma.
La película abre con una casa (aparentemente abandonada) desde donde entra y sale gente, para luego mostrarnos un fuerte encontrón en un restorán entre un desconocido y Claudio, un connotado abogado de un pueblo argentino en plenos años setenta. Hay un evidente duelo de clases sociales en la escena (el educado versus el resentido), tratada y actuada con enorme talento, para luego aportar el drama en los siguientes minutos (no lo spoilearé, tienen que verla). Insisto, hasta ahí, todo pero todo bien, sin embargo, rápidamente la película comenzará a enredarse y acabar mal, pero muy mal.
Vamos a los problemas: se gastan muchos minutos en mostrarnos a la hija de Claudio y sus relaciones, incluso se nos muestra la desaparición de un joven (cercano a ella) que pinta cero en la película, es algo que jamás se retoma, y honestamente nunca se entiende que es lo que aporta todo esto al grueso. También en la recta final nos enteramos de quien era el desconocido de la primera escena, pero nada tiene sentido. ¿Y la casa abandonada del comienzo? También se nos explica que representa pero tampoco aporta. Aparece un investigador (Alfredo Castro) que tiende a perseguir al protagonista, a acorralarlo junto a sus secretos pero resulta finalmente ser una especie de fanático religioso (?) que extrañamente decidirá dejar todos los misterios sin resolver (¿para qué lo contrataron entonces?). Agreguemos escenas que no tienen sentido (la del mago, la del eclipse), es decir, todo pero todo mal. El contexto político histórico argentino parece ser interesante pero nuevamente, todo se insinúa para jamás cuajar como corresponde.
Una tremenda primera escena para ochenta minutos posteriores que acaban siendo un ejercicio intelectual pomposo y lamentable por donde se mire. En definitiva, una película solo apta para quien sepa que terminará frustrado.
¿Lo mejor? Lo dicho, los primeros veinte minutos. Enormes.
¿Lo peor? Que la película termina abriendo una serie de hilos que jamás conectará.
