Post Mortem (Chile, 2010)

Género: Drama / Política 
Dirección: Pablo Larraín
Protagonistas: Alfredo Castro, Amparo Noguera, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Marcelo Alonso
Duración: 100 minutos
Año : 2010

No debe ser nada fácil construir una película en torno al golpe de Estado ocurrido en el Chile de 1973, el cual derivaría en 17 años de dictadura para el país, sin caer en los clichés y la emocionalidad barata (para muestras, Machuca de 2004 o la más reciente Colonia Dignidad de 2015). Sin embargo, en ese complicado terreno se internó diez años atrás el chileno Pablo Larraín, entregando una película cuya mirada está puesta en la del ciudadano común, ese a quien el contexto político le pasaba por el lado, por más increíble que parezca. 

Y así como en su anterior película, Tony Manero (2008), Larraín vuelve a retratarnos a un personaje solo y enfermo, en este caso Mario Cornejo (nuevamente personificado por un notable Alfredo Castro), un trabajador del Servicio Médico Legal que vive obsesionado con su vecina Nancy (Antonia Zegers), bailarina de un club nocturno. Mario la persigue, intenta conquistar y fantasea con ser su novio, esto en medio de una situación política a punto de estallar pero de la que él realmente pareciese no enterarse. El director además nos muestra al entorno de Mario, al Doctor Castillo (Jaime Vadell) y su auxiliar Sandra (Amparo Noguera), ella y él partidarios del gobierno de Salvador Allende Gossens, aunque el primero debe calmar su fervor revolucionario una vez ocurrido el golpe de Estado mientras que la segunda se ve superada por todo lo que deberá presenciar. 

La dirección de Pablo Larraín retrata por tanto, con muchísima elegancia el drama de Chile en 1973, en ese sentido, Post mortem es una tragedia que posee el mérito de transmitir en cada uno de sus minutos, en cada diálogo, aquella sensación de oscuridad absoluta y desolación. También desde la fotografía la película transmite, ahí se nos muestra una ciudad oscura y silenciosa, que pareciese temer su destino y a una serie de personajes que sufren en primera persona el quiebre democrático, algunos llevando el dolor en sus propios trabajos y otros debiendo pasar a la clandestinidad, como Nancy, su pareja (Marcelo Alonso), su padre y hermano, quienes son perseguidos tras el golpe. Todo esto, bajo la insensible mirada de Mario.

El ritmo del filme es pausado y, digámoslo, triste. Por lo mismo, no es una película para cualquier momento. Provocadora e incómoda de comienzo a fin, representa junto a Tony Manero el momento más brillante en la carrera de Pablo Larraín. 

El director insistiría a futuro con otros períodos de la historia política reciente chilena, habiendo abordado la fractura y la pesadilla con las dos mencionadas, dos años más tarde apuntaría a la reconstrucción en No (2012). Aquello, sin embargo, será motivo de futuras reseñas, yo cierro acá (por ahora) este mini ciclo dedicado a las tres primeras películas de Pablo Larraín, a quien seguro retomaré más temprano que tarde acá en mi querido blog...

¿Lo mejor? El retrato de un quiebre dramático, la absoluta desolación y tristeza que transmite la película, sin tener que ser evidente.

¿Lo peor? Que efectivamente si no te pilla en un buen momento, no la vas a soportar a causa de su ritmo lento.

4.0 : ¡Excelente!

Otras películas de Pablo Larraín:

2008: Tony Manero

2006: Fuga

Tony Manero (2008, Chile)

Género: Drama / Político 
Dirección: Pablo Larraín
Protagonistas: Alfredo Castro, Paola Lattus, Héctor Morales, Amparo Noguera
Duración: 100 minutos
Año : 2008

Segunda parte del mini ciclo dedicado a Pablo Larraín. A tan solo dos años de su debut con "Fuga", película que pese a sus buenas ideas acaba cerrando mal y dejando un inevitable mal sabor, el director chileno parece haber aprendido la lección y decide dar rápidamente un giro a su carrera. Abandona por tanto el cine tipo novela y se centra en la narrativa histórica, viaja a los años ochenta y construye una película en torno al Chile de la dictadura de Augusto Pinochet, el punto es que lo hace con una maestría enorme, con un talento y una altura impresionante que hace olvidar el mal sabor del debut de un plumazo. 

Sin necesidad de recurrir a ningún recurso forzado (no hay escenas para llorar ni otras para reír) "Tony Manero" es pura crudeza, acá Pablo Larraín expresa todo lo que quiere decir respecto a la dictadura sin ser explícito en nada.  Muestra a un país triste y en depresión, pero por sobre todo ignorante. Tremendamente ignorante. Conocemos así a un grupo de pobladoras que giran en torno a la figura de Raúl Peralta (un extraordinario Alfredo Castro), un pobre tipo cuyo único afán en la vida es imitar al personaje de John Travolta en la película Saturday night fever. Peralta acude al cine e intenta imitar los diálogos de Tony Manero, se aprende los pasos de baile del personaje para llevar adelante un show barato para un grupo de borrachos en un bar del barrio y se prepara al mismo tiempo para participar en un concurso de imitadores en "El festival de la una" (un clásico programa de televisión que existió en el Chile de dictadura). Al mismo tiempo, sin embargo, conocemos otra faceta del protagonista, la del psicópata violento capaz de hacer cualquier cosa con tal de saciar su ego. Raúl Peralta es el egoísmo hecho carne, un ser humano despreciable. En su círculo, eso si, Peralta es un ídolo. Y es que así de patética es la pobreza. 

De esta forma, "Tony Manero" toca muchísimas aristas con una sutileza que impresiona. Nos habla del cotidiano de la pobreza, sin caricaturas ni exageraciones, también se hace cargo de la ignorancia que se desarrolló en el Chile en dictadura, de la televisión como método de disociación de la realidad, y principalmente de como un contexto violento y de extrema desigualdad es capaz de generar a personajes enfermos como los de Raúl Peralta. 

Con una ambientación sucia y triste, la película resulta a momentos deprimente e incómoda de revisar, aunque también necesaria. En esta, Pablo Larraín encuentra muy pronto a la mejor versión de si mismo como director, asunto que se confirmará un par de años más tarde con la filmación de "Post mortem". 

¿Lo mejor? Lo política que es la película sin tener que recurrir jamás a ningún recurso forzado que sensibilice al espectador.

¿Lo peor? ¿Por buscarle algo? Que a ratos inevitablemente la película se vuelve pesada en su ritmo.

4.5 / 5  : ¡Brillante!

Otras películas de Pablo Larraín:

2006: Fuga

Fuga (2006, Chile)

Género: Drama 
Dirección: Pablo Larraín
Protagonistas: Benjamín Vicuña, Gastón Pauls, Francisca Imbodem, Alfredo Castro, María Izquierdo, Willy Semler
Duración: 110 minutos
Año : 2006

He querido re ponerme al día con el director chileno Pablo Larraín, cuyas películas recuerdo haberlas visto prácticamente todas al momento de sus respectivos lanzamientos pero me pareció un sano ejercicio el volver a ellas y ver que me pasaba diez o quince años después. El caso es que cronológicamente correspondía comenzar con su debut como director en 2006. Hablo de "Fuga", una excelente idea llevada muy mal a cabo, una película que denota falta de experiencia y manejo de un joven Larraín que acaba viéndose superado ante el desafío de hacer florecer su historia en pantalla. Ahí, "Fuga" deja la sensación de no cuajar correctamente, dejando al espectador con gusto a poco tras su cierre.  

La película dividida en tres actos. En su primera media hora conocemos al protagonista de esta historia (Montalbán, encarnado por Benjamín Vicuña, que con todas sus limitaciones cumple bastante bien) y su particular drama. Un joven director de orquesta, tocado emocionalmente (y con justa razón) que desea llevar adelante una obra dolorosa y personal. En paralelo se nos muestra a un músico argentino (Gaston Pauls), situado temporalmente en el presente (ahí entendemos que la historia de Montalbán es una especie de mito ocurrido tiempo atrás) persiguiendo los rastros de dicha obra, intentando reconstruirla para hacerla pasar por propia. Hasta ahí, todo bastante bien y atractivo. 

El caso es que el asunto se saldrá de control por lo que Montalbán acabará internado en un psiquiátrico, donde transcurrirá el segundo acto del filme, uno que no logra profundizar como debe y se sostiene más bien gracias a uno de los locos del lugar (notable Alfredo Castro), quien aporta toda la profundidad y dinámica que no se logra con Montalbán. Llegaremos así a un final que pretende atar los cabos pero donde el guion hace aguas como colador con situaciones que no se explican y un final repleto de sin sentidos. 

Un primer acto atractivo e interesante, un segundo que se sostiene totalmente gracias a Alfredo Castro (quien incluso tiene espacio para mediante un monólogo profundizar en su personaje) y un final donde el guión parece perder el control sobre la historia, marcan a la primera película de Pablo Larraín, quien aquí se muestra superado por su propia obra pero claramente aprendería la lección para en unos pocos años entregar sus (a gusto personal) dos mejores películas a la fecha. "Fuga" merece ser revisada pese al paso de los años. Visualmente es atractiva, cuenta con un puñado de actuaciones notables y está muy bien situada en el Santiago de dos décadas atrás, lamentablemente el guion tropieza al andar y aquello acaba por restarle demasiado.

¿Lo mejor? La idea es excelente y en general, pese a sus fallos, entretiene.

¿Lo peor? Que no logra estar a la altura de su potencial.

2.5 : Te arriesgas.

Maudie (2017)

Género: Drama biográfico
Dirección: Aisling Walsh
Protagonistas: Sally Hawkins, Ethan Hawke
Duración: 110 minutos
Año : 2017

Hay historias que nos hacen bien, que las necesitamos. Porque necesitamos creer que por más mierda que la sociedad pueda llegar a ser, el color y la belleza pueden aflorar en cualquier momento, donde menos incluso pensamos. Por eso una película como "Maudie" se agradece, más aún cuando está bien pensada y ejecutada. Esta relata el pasar de Maud Lewis, artista canadiense que contra todo fue capaz de pintar y florecer, incluso sin ser consciente de su propio proceso. Maud nació en 1903 en un pueblo al este de Canadá, pobre y mal tratada, enferma (sufre de una artristis degenerativa) y tratada con mucha ignorancia como una retrasada mental, un día cualquiera decidió escapar de su realidad y aferrarse a un machista pescador, en la lógica de que ya nada podría ser peor, y bueno, en ese contexto impensado, sin estudios ni herramientas más que un pincel y unos colores, explotó el arte. 

Aisling Walsh dirige esta película con un respeto enorme por el personaje, roza todo el tiempo la extrema victimización pero logra zafar con éxito, emocionando y conmoviendo en múltiples momentos sin necesidad de mostrarnos demasiado. Ayuda muchísimo la interpretación notable de Sally Hawkins, a quien los papeles de mujeres de bajo perfil le vienen como anillo al dedo, y acá transmite demasiado con cada uno de sus planos y silencios. También colabora un trabajado Ethan Hawke, quien evidencia sus intentos por salir de sus clásicos personajes y construye a un hombre tosco, bruto e ignorante, aunque durante varios pasajes se queda algo corto. La película ronda por varios tópicos, el machismo por supuesto es el más potente, pero no será el único. Ahora, claro, como en todo biopic la dirección nos cuenta lo que quiere contarnos por lo que queda la incógnita respecto a aquello que la película no muestra (hay varios documentales eso si respecto a Maud por si alguien quisiese saber más de esta preciosa mujer) pero aún así, el asunto convence y logra no caer jamás en el cliché, pese a pintar para serlo. Hay mucho talento por tanto en el rodaje, que merece totalmente la pena el verlo.

Cualquiera que haya salido de la ciudad y sepa como son las cosas en los pueblos pequeños, en los rincones del sub desarrollo, se emocionará con esta película y empatizará con muchas de las situaciones que acá se muestran. Totalmente recomendable. 

¿Lo mejor? La película transmite la humildad del personaje, en lugar de ensalzarla artificialmente. 

¿Lo peor? Ethan Hawke cumple pero no la rompe, y al lado de Sally Hawkins luce por momentos demasiado deslucido.

¿Donde está? La vi en Netflix.

4.0 : ¡Excelente!

Otras películas de Sally Hawkins:

2017: The shape of water

2013: Blue Jasmine

Otras películas de Ethan Hawke:

2014: Boyhood

2013: The purge

2013: Before midnight

El Ciudadano Ilustre (2016, Argentina)

Género: Drama / Comedia
Dirección: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Protagonistas: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne

Duración: 110 minutos

Año : 2016

Se sabe que Netflix no tiene muy buenas películas, lo de esa plataforma son las series, sin embargo, a nivel de cine latinoamericano si se pueden encontrar excelentes cosas en el sitio, y esta es una más. Hablo de otra pequeña joya proveniente desde el cine argentino, que rara vez falla. Una película que pese a rondar las dos horas de duración resulta un verdadero manjar, llena de momentazos que te hacen pensar mientras te ríes. 

La película abre con todo. Daniel Mantovani (un sólido Oscar Martínez) recibe el Nobel de Literatura y en su discurso se lamenta pues argumenta que este lo reciben artistas cómodos para la elite y que han abandonado su misión provocadora. Daniel agradece el premio pero admite entenderlo como su fin. ¿Franqueza o hipocresía? Lo cierto es que el personaje continuará durante toda la película oscilando entre ambos conceptos. Semanas tras haber recibido el premio e instalado en su mansión, una secretaria personal le leerá muchísimas invitaciones: entrevistas, relatos, firma de libros, etc. Daniel rechaza todo, sin embargo, entre todo esto aparece una carta proveniente desde su pueblo natal en Argentina, Salas, lugar que abandonó cuarenta años atrás y a donde jamás regresó. Hasta ahora, cuando decide regresar en busca de no sabemos que. 

Y si bien todo comenzará bien para el escritor en Salas, donde es idolatrado, poco a poco el choque cultural comenzará a visualizarse y la ciudad se volverá lentamente un lugar cada vez más hostil y violento. Ahí el mérito de "El ciudadano ilustre" es notable, pues la película intercala reflexiones interesantes por parte de un artista que reconoce haber querido escapar de ese lugar aunque en lo práctico nunca pudo, pues todos sus libros hablan de personajes de su pueblo, con momentos divertidos llenos de un humor negro y simbolismos notables (impecable, por ejemplo, la metáfora en donde un taxista decide limpiarse el culo con un libro del escritor). Ahora, si bien la cinta caricaturiza bastante a los habitantes del pueblo y se ríe de la idiosincrasia argentina ("Diego, el Papa, la Reina de Holanda, Messi.. y ahora Daniel") también es particularmente dura con el artista, a quien lo enfrenta con su propia hipocresía, y lo retrata constantemente. 

En definitiva, una gran película. Dos horas que se pasan volando y varias reflexiones en torno al rol la distancia del artista, del intelectual, con la sociedad de carne y hueso sin tampoco caer en el romanticismo barato, es decir, lejos de idealizar la pobreza, la película no teme el mostrarnos a personajes imperfectos, ignorantes, agresivos, machistas y torpes, gente de la que realmente cualquiera querría escapar como hizo Daniel a sus veinte años.  

Te gustará si... te gusta el cine de humor reflexivo. 
¿Lo mejor? El choque cultural, todos los momentos en donde el escritor encuentra lo que buscaba: bajar de su mansión y enfrentarse con la sociedad real, 
¿Lo peor? Que el ciudadano de pueblo está en ocasiones demasiado caricaturizado.
¿Donde está? La vi en Netflix. 

4.0: Excelente. 

The Silencing (2020)

Género: Suspenso
Dirección: Robin Pront
Protagonistas: Nikolaj Coster-Waldau, Anabelle Wallis

Duración: 90 minutos

Año : 2020

Seamos claros: una cosa es que una película te engañe, otra muy diferente es que esta te mienta. Una cosa es que una película te muestre pistas pero las esconda con talento y un giro final te las lance encima dejándote sorprendido, otra muy diferente es que se pase 80 minutos dándose vueltas sobre historias que no guardan ninguna relación con los acontecimientos y en los diez finales saque de la manga un conejo sin pies ni cabeza. 

Lo segundo es lo que ocurre con "The silencing", una buena película de suspenso durante gran parte de su trámite hasta que te enteras en la recta final de que todo lo que viste antes, fuera de no tener sentido alguno, no ha servido para nada porque el desenlace pasa por otro lado, uno que jamás podrías haber imaginado fuera de ser totalmente incoherente. El resultado por tanto es una película mentirosa que te deja mirando el techo y donde la sensación de sentirte estafado es inevitable.

La película va por el secuestro de una menor, cuyo padre se dedica a cuidar una zona forestal, asunto que se suma a una serie de desapariciones previas. Esto en un pueblo donde acaba de llegar una nueva policía, cuyo hermano menor cuenta con algunos conflictos legales de los cuales ella pretende rescatar. Y bueno, el asunto va como es costumbre por el viejo dilema de "quien es el asesino", todo esto mediante un buen ritmo y generación de suspenso que se disfruta. El problema aparece básicamente en el desenlace, momento en donde aparecen 1500 preguntas sin respuesta fuera de una serie de sin sentidos, algunos groseros o derechamente mentirosos. 

Dada la cantidad de preguntas sin respuestas, incoherencias varias y un guión mentiroso que durante 80 minutos se da vueltas en asuntos que no son relevantes respecto al desenlace, solo puedo afirmar que esta película es un desastre. Solo recomendable a alguien que de ante mano sepa que se le está tomando el pelo. Lo lamentable es que la historia que se planteaba pintaba bastante bien, fuera de contar con la sólida actuación de Nikolaj Coster-Waldau , un actorazo a tener en cuenta. 

Te va a gustar si... sabes que se te está tomando el pelo. 
¿Lo bueno? En su trámite genera buen suspenso.
¿Lo malo? El final groseramente mentiroso, fuera de los errores de guión.
¿Dónde está? La vi en PopCorn.

1.5: ¡Muy mala!

Otra película de Nikolaj Coster-Waldau:
2017: Shot Caller

Life Itself (2019)

Género: Drama
Dirección: Dan Fogelman

Protagonistas: Oscar Isaac, Olivia Wilde, Antonio Banderas, Laia Costa, Annete Bening, Mandy Patinkin, Olivia Cooke
Duración: 120 minutos

Año : 2019

Películas de cruces de historias hay muchas, algunas muy bien logradas, otras no tanto. He aquí una que encaja en la segunda categoría. ¿Significa eso que estemos ante un desastre? Para nada. "Life itself" cuenta con un gran primer acto, más de un diálogo que logra atrapar, una narración que se desenvuelve durante largos pasajes con mucho talento y excelentes actuaciones, destacando las de Oscar Isaac y Antonio Banderas. Lamentablemente, aquello que tan bien pinta durante la primera hora de película lentamente comienza a desmoronarse cuando la película comienza a abusar del cliché y la moralina, cuando aparecen los cruces forzados (que digo forzados, ¡forzadísimos!), giros en tono Disney sumado a un final acompañado de moralejas explicadas con peras y manzanas mediante monólogos eternos que subestiman al espectador al nivel del ridículo. Dicho en simple: cuando "Life itself" abandona su idea de hacer cine y se transforma más bien en una telenovela (basicamente en su recta final), cuesta tomársela en serio. 

Pero vayamos a los puntos positivos (¡que los hay!). La película abre muy pero muy bien. Con una primera media hora en donde Oscar Isaac se luce con su personaje y con un guión que nos revela su dramática historia con la ayuda de un giro notable donde resulta imposible no enganchar. Si a eso agregamos la elegante aparición de Annette Bening, no se podría pedir más.

Luego comenzamos a ver por donde va el asunto. Una situación traumática que marca la vida de una serie de historias. Muy bien. Un segundo y tercer acto donde conocemos estas otras historias, sus cruces, y todo avanza. El problema aparece en los 45 minutos finales. Ahí, el cliché se toma la pantalla. 

(Zona Spoiler desde acá)

Despedidas de cinco minutos con música triste sonando en el fondo, un final apurado que no puede ser más increíble (Vamos, que justo el niño que observa la muerte de tu madre crece y te encuentra años después en una esquina, hacemos click a primera vista para luego ser felices por el resto de nuestras vidas, con no se cuantos hijos y nietos... ¡cómo la vida misma!) y la guinda de la torta: la moraleja del final, con la nieta en otro monólogo eterno recordando a su familia, hablando de como el amor se sobrepone a todo y todo ese tono clásico de películas que optan por el camino fácil de pintarte el mundo color rosa.

Película por tanto que va de más a menos, que cuenta con una primera parte que convence y engancha para luego entregarse al cliché descarado y a la moralina explicada con peras y manzanas mediante diálogos realmente eternos y agotadores...

Te gustará si: Disfrutas de los dramas muy pero muy condimentados.
¿Lo bueno? Los primera mitad de la película, con grandes actuaciones.

¿Lo malo? El cliché de los dialogos eternos de telenovela, el final Disney y la moralina.

¿Donde está? La vi en Amazon Prime Video.

2.5: Te arriesgas.

Otras películas de Oscar Isaac:
2018: Annihilation
2017: Star wars VII : The last Jedi
2015: Ex machina
2014: A most violent year

2013: Inside Llewyn Davis

Otras películas de Olivia Wilde:
2019: Richard Jewell
2015: The lazarus effect
2014: Third person
2012: The words

Otras películas de Antonio Banderas:

2019: Dolor y gloria
2014: Automata

Creed (2015)

Género: Drama
Dirección: Ryan Coogler 

Protagonistas: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone , Tessa Thompson 
Duración: 120 minutos

Año : 2015

Hoy quiero saldar una deuda conmigo mismo. Con mi historia. Que hay películas que amo, y Rocky (la saga) es una que atesoro con fuerza en mi corazón. Quienes no la hayan visto seguro se referirán despectivamente a ella como "una película de boxeadores". Pero Rocky es muchísimo más que eso. Es la historia de superación de un "don nadie", de un ignorante que fue capaz de desafiar al poderoso de la única manera en que le fue posible. Coincidiremos, de hecho, en que las mejores películas de la saga Rocky han sido aquellas donde menos peleas hubieron (la 1,2 y 5, si... dije la 5, que ya llegará la hora de reivindicar aquella pieza del puzzle) y las más bajitas fueron Rocky 3 y, sobre todo Rocky 4 (por paliza la peor de todas). La historia continuaría en 2006 con Sylvester Stallone dirigiendo su propio regreso en Rocky Balboa, pero la jugada sin estar del todo mal le quedó algo simplona y cliché, no logrando recuperar la mística que si ha sido capaz de rescatar Ryan Coogler (en dirección y guión) diez años más tarde en esta fantástica Creed, un absoluto regalo para todos quienes hemos amado la saga. 

En este sentido, Creed rinde un maravilloso homenaje a la primera película pero añadiendo a la vez un universo particular. Conocemos así a Adonis Johnson, hijo del ex campeón Apollo Creed (pero cuidado: hijo de una amante de Apollo, es decir, el asunto comienza sabroso de entrada), quien no llegó a conocer a su padre y lo conocemos abandonado en un hogar de menores. Desde ahí lo rescatará la esposa de Apollo, quien lo criará. Adonis comenzará así una historia en donde deberá enfrentar sus peores traumas: el abandono y lo que significa ser el hijo de un campeón de boxeo, la eterna competencia con alguien a quien nunca conoció. Comenzará a pelear de manera amateur en México para luego ir en busca de Rocky Balboa, el nexo con su padre, un Rocky viejo, solo y enfermo, quien intentará acompañar a Adonis en su camino hacia la liberación personal. 

Ahí, los méritos de Creed son muchísimos. Primero lo ya mencionado, que el guión respeta totalmente el drama que se narra, sin limitarse a mostrar una mera "película de peleas". La acción es mínima y todo se centra en el desarrollo de los personajes, los miedos de Adonis y la soledad de Rocky, quien juega en esta ocasión en un atinado segundo plano (con una actuación brutal eso si de Sylvester Stallone, hay que decirlo), están todo el tiempo presente entregando dos horas de película que te sumergen de principio a fin. Pero también está la filmación, delicada y dedicada, la narración cuenta con decenas de guiños a las originales pero tiene vida propia, con unas secuencias de boxeo tomadas con un cuidado que no puede sino emocionar. 

De Sylvester Stallone quiero escribir en un párrafo aparte, que el hombre lo merece. Acá está mejor que nunca. Quienes lo hemos seguido en su filmografía sabemos que siempre ha querido demostrar que es un buen actor, con momentos en todas sus películas para sentidos monólogos (a veces gritados). Eso acá no está. Stallone desarrolla un papel muy cuidado, sin jamás alzar la voz (en serio yo esperaba ese momento en que explotase como suele hacer) pero transmitiendo su dolor, su resignación ante una vida que se le ha venido encima. Que decir, enorme. Cuando ya no esté lo sufriremos.

Cierro así esta puesta al día, con una película cuyo peso emocional ha sabido estar a la altura, Creed no solo es el homenaje que Rocky merecía sino que es un aporte a la saga, supera con creces varias de las antiguas (algo que no suele ocurrir a menudo, se me viene a la cabeza Batman o El planeta de los simios, y no muchos casos más), lo cual no puede sino agradecerse. 


Te gustará si... has disfrutado con las originales o quieres entrar al universo sin prejuicios encima.
¿Lo bueno? Que centra su peso en el desarrollo de los personajes.
¿Lo malo? Que si no has visto la saga original puede que te pierdas de demasiados guiños.

4.0 : ¡Excelente!

Exam (2009)

Género: Suspenso
Dirección: Stuart Hazeldine 

Protagonistas: Luke Mably, Adar Beck, Chris Carey
Duración: 90 minutos

Año : 2009

Otra película de experimentos sociales, en la línea de "El método" (2005) (comentada acá en el blog años atrás) o la más reciente "El hoyo" (2019), que a su vez bebe muchísimo de "El Cubo" (1997), y así. La toma de ideas en el mundo del cine sabemos va y viene, pero el caso es que "Exam" no nos muestra nada realmente novedoso (a "El hoyo" si hay que reconocerle que al menos modificó el contexto y fundamentos) pese a que su desarrollo se disfruta. Y a ratos bastante.

La cosa va muy sencilla: ocho aspirantes a un trabajo son encerrados en una habitación solo con un papel y lápiz en frente, 80 minutos para demostrar porque son idóneos para el cargo y una serie de reglas que deben respetar para no ser expulsados de la sala. ¡Ah! Y todo esto en un contexto de pandemia, con una enfermedad desarrollándose en el exterior y que está matando a la humanidad. Desde ahí, estos protagonistas van descubriendo las características del experimento, con giros de guión bastante rebuscados y convenientes pero un ritmo de tensión que se deja disfrutar, aunque honestamente se agradece que la película dure solo 90 minutos pues entrando en su recta final tiende a desmoronarse lentamente...

A favor de la película corre el que desarrolla muy bien su suspenso y ritmo, pese a situarse en un único escenario físico, con unos protagonistas que en el ensayo/error van agotando el tiempo entre múltiples teorías, además de debatir constantemente entre el espíritu colaborativo y el individualismo. En contra aparecen los rebuscados giros que el guión entrega, situaciones totalmente increíbles (algunas derechamente absurdas) y que te llevan a mirar el techo unas cuantas veces. Con todo, y sin spoilers esta vez de por medio, la recomiendo para pasar el rato aunque definitivamente hay mejores películas en la línea de los experimentos sociales y el suspenso psicológico.

Te gustará...  si te gustó "El método" y/o "El hoyo". 
¿Lo bueno? Que regala tensión por al menos una hora.
¿Lo malo? Los giros de guión, demasiado convenientes.
¿Donde está? La vi en PopCornTime

3.0: Buena, se deja ver...

7500 (2019, Alemania)

Género: Suspenso
Dirección: Patrick Vollrath

Protagonistas: Joseph Gordon-Levitt + varios
Duración: 90 minutos 
Año: 2019

A veces no buscamos una película profunda ni que venga con moralina incluida, a veces solo queremos un buen rato + algún momento de tensión. De aquello va 7500, filme de esos que pretenden lograr mucho con poco, ¡y por momentos lo logra! Pese a que en su recta final se desinfle dramáticamente. 

Tenemos acá la historia clásica del secuestro de un avión pero con el mérito de que toda la película se desarrolla en un mismo reducido espacio (la cabina de los pilotos), lo cual no deja de ser meritorio. En este sentido, 7500 no recurre a flashbacks innecesarios, no muestra lo que ocurre fuera del avión y ni se esfuerza en sensibilizar utilizando a los pasajeros, no, la película va al grano y se concentra en la tensión de los hechos. ¡Y te la crees! Durante una hora de película el asunto funciona más que bien, lo vives y lo gozas sin dificultad, además con un Joseph Gordon-Levitt más que digno. Y ojo que ahí radica otro punto a favor de la película: no te retrata a un super héroe, sino a ser humano de carne y hueso, temeroso e incluso bastante torpe en su actuar. Hasta ahí, todo bien. Los problemas, sin embargo, llegan con el cierre. 

(Spoiler desde acá) 
Ahí dan ganas de gritarle al director: ¡Dame algo! ¡Cuéntame algo! Tenemos a un piloto con síndrome de Estocolmo que desea salvarse pero también salvar al secuestrador, sin embargo, no se le ocurre nada. No le ofrece un trato, una sálida, nada... Durante la media hora final el guión no entrega absolutamente nada, lo cual es frustrante.  Nos queda así una película que 45 minutos bien armados, que funcionan, regalan tensión y desesperan en un buen sentido pero una media hora final muy floja donde el trámite pareciese no saber como cerrar su propia historia, alargándose hasta el cansancio para rematar con lo obvio. 

Volviendo a mi punto inicial: si buscas una película que te ayude a pasar un rato, si no eres demasiado exigente, esta la podrías llegar a disfrutar. 

¿Lo bueno? Toda la primera parte, que en un solo espacio regala tensión.
¿Lo malo? Que la película no sabe cerrar, solo transcurre.
¿Donde está? La vi en Amazon Prime Video. 

3.0: Buena, se deja ver...

Otras películas de Joseph Gordon - Levitt:
2015: The walk
2009: 500 days of Summer

Dark Waters (2019)

Género: Drama verídico
Dirección: Todd Haynes
Protagonistas: Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Pullman

Duración: 125 minutos 
Año: 2019

Quienes rondan los cuarenta (por arriba o por abajo) seguramente podrán recordar a "Erin Brockovich" (2000, con Julia Roberts en el papel más sexy de su carrera). Lo menciono porque "Dark waters" se mueve en una linea similar, es decir, la película/denuncia que ataca a grandes corporaciones que en base a mentiras y ocultamiento de información han contaminado a la población generando daños irreparables en la salud de cientos, quizás miles. La diferencia con "Erin Brockovich" es que en esta ocasión no hay tono de comedia en el relato, sino que un drama oscuro y duro. 

Conocemos así al abogado Rober Billot (Mark Ruffalo, un regalón en este blog) quien recibe la visita de un viejo campesino habitante del pueblo de su abuela, el cual denuncia estar sufriendo la pérdida de decenas de animales que han generado tumores o comportamientos anormales. Él sospecha del agua, contaminada por la empresa química DuPont que entrega empleo a gran parte de la localidad. Pues bien, Rober comenzará acá a tirar del hilo, enfrentándose al poder político de grandes conglomerados, a descubrir la dura realidad y también ser testigo de como el sistema se encuentra arreglado para favorecer a este tipo de empresas.

La película es verídica, se encuentra basada en un artículo del New York Times que en 2016 contó la historia de este abogado y da muestras de la lucha de David contra Goliat que hemos visto muchas veces en pantalla pero que de igual forma siempre resultará necesaria volver a revisar. Las actuaciones están bien, con Ruffalo en lo suyo, que es la sensibilidad, mientras que Anne Hathaway se relega al rol secundario de esposa abnegada que debe sufrir las consecuencias familiares del caso. También es un gusto volver a ver a Tim Robbins en buena forma aunque lo de Bill Pullman parece más testimonial que otra cosa, casi un homenaje a su persona. 

¿Lo bueno? Todo el aire campesino con "Take me home, country roads" de John Denver sonando de fondo. MARAVILLOSO.
¿Lo malo? Ojalá la película hubiese profundizado mejor en la situación familiar del abogado, ahí había más para mostrar y solo se insinúa.
¿Donde está? La vi en PopCorn.

3.5: Muy buena.

Otras películas de Mark Ruffalo:

2016: Spotlight
2015: Foxcatcher
2014: Begin again
2010: The kids are all right

Otras películas de Anne Hathaway:
2014: Interstellar

Underwater (2020)

Género: Terror
Dirección: William Eubank

Protagonistas: Kristen Stewart, Vincent Cassel
Duración: 95 minutos 
Año: 2020

Hace demasiado rato le tenía ganas a esta película. Estuve a nada de darle play una serie de noches pero me detenía el imaginar que sería una pérdida de tiempo, digamos, la clásica película de terror cargada a los clichés. Sin embargo, el empujón me lo dieron los amigos de Hipersónica, quienes la mencionaron entre una serie de propuestas dignas de revisar, y bueno, no lo pensé dos veces y partí a verla. ¿Y con qué me encontré? Frente a 90 minutos de terror de corte clásico y que rinde culto a viejas glorias del género (principalmente a Alien de Ridley Scott y The Abyss de James Cameron). Seguro entonces que habrán quienes critiquen la película por su falta de originalidad pero lo que es yo, me pasé un excelente rato con la propuesta por lo que la recomiendo a ojos cerrados.

"Underwater" nos instala en una especie de submarino enorme situado a demasiados kilómetros de profundidad donde rápidamente todo comenzará a ir mal a causa de una falla desconocida. Aparece ahí el primer mérito de la película: la acción comienza inmediatamente. Nada de 20-30 minutos para conocer a los personajes y toda esa lata clásica que aporta cero en las películas de terror/acción. Acá tras cinco minutos los personajes están corriendo por su vida y aquello ... atrapa. 

Luego vendrán los clichés (que si, que los hay), algunos old school (mujeres siempre delgadas, obvio, en ropa interior vs hombres gordos y tapados, el negro que (spoiler) es el primero en morir o el personaje "divertido" que payasea y bromea en los momentos tensos) y otros más actuales (mujeres como protagonistas de la acción, todas los continentes representados en la película o el mensaje ambientalista de que el ser humano ya ha destruido demasiado), sin embargo, con todo, "Underwater" te regala un rato gratísimo principalmente gracias al respeto que muestra por una manera de hacer cine de terror, destacando el evidente guiño al clásico Alien de 1979. 

Reflexión aparte: no deja de parecerme curioso que películas como esta o "Life" (2017), rindan tributo y generen mejor suspenso que las propias secuelas de Alien dirigidas por el mismísimo Riddley Scott (hablo de Prometeus o Covenant obviamente). Curioso pero a veces la copia resulta mejor que el original...

Volviendo a la película, los efectos están muy bien, los trajes y todo lo que aparece allá en las profundidades funciona excelente, las actuaciones también (en el contexto de película de terror, claro) y el suspenso está garantizado. ¿Qué los clichés le restan puntos? Claro que si. Pero aún así merece la pena. 

¿Lo mejor? Los momentos de terror bien cocinados y el respeto por el cine de bichos. 
¿Lo peor? El cliché del maldito personaje que bromea todo el tiempo y que uno quisiese muriese de inmediato. También el cierre de la película es poco fino. 
¿Donde está? En Popcorn Time.

3.5 : Muy buena!

Otras películas de Kristen Stewart:
2015: Equals
2014: Camp X-Ray
2014: Still Alice